Cuarto período (Música)

ETAPA EXPLORATORIA   ¿Para ti que es música? ¿En qué época crees que nació la música? ¿Qué será sonido en música? ¿Qué será ritmo en música? ¿Qué será melodía en música?

SOLUCIÓN 1. es el complemento melódico perfecto que acompaña momentos de nuestra vida, ya sean divertidos, alegres, tristes, etc... 2. desde el inicio de los tiempos ha existido la música. 3. algo relacionado con la acústica tanto del lugar como de los instrumentos. 4. los tiempos que deben ocupar tanto el instrumento con su melodía y los espacios vacíos o mudos que lo complementan. 5. es el conjunto de instrumentos armonias, tiempos y sonidos que se forman, gradualmente, en sica. También se puede definir como el complemento de la letra para una canción.

CONSULTA 1.     Defina los siguientes conceptos: *Musica *Pentagrama *Notas musicales *Clave *Ritmo *Melodia *Sonidos *Silencios *Compas *Valores de tiempo *Figuras Musicales explicación e imagen 2.     Baje y pega un  Cuadro o línea cronológica sobre la historia de la música 3.    Escribe el  Origen e historia de la música. 4.    Biografía de:  Richard Strauss  Claude Achille Debussy  Igor Fiódorovich Stravinsky  Alexander Nikolaievitch Scriabin  Erik Satie  Wolfgang Amadeus Mozart  Beethoven7.     5.     Instrumento digital, Placas y teclados. 6.   Investigue cada una de las preguntas de la etapa exploratoria 7. Instrumento digital, Vientos. 8. Mezcladores, editores de música. 9. Acercamiento a la Robótica básica usando la herramienta LEGO

SOLUCIÓN: 1. MÚSICA: Es el arte que consiste en dotar a los sonidos y los silencios de una cierta organización. El resultado de este orden resulta lógico, coherente y agradable al oído. https://definicion.de/musica/   PENTAGRAMA: es el lugar donde se escriben las notas y todos los demás signos musicales en el sistema de notación musical occidental. Está formado por cinco líneas y cuatro espacios o interlíneas, que se enumeran de abajo hacia arriba. Las líneas son horizontales, rectas y equidistantes. https://es.wikipedia.org/wiki/Pentagrama   NOTAS MUSICALES: es el elemento a partir del cual se arman las diferentes melodías y armonías en la música ya que cada una de ellas representa un sonido particular e indivisible que, puesta en conjunto con otras, arma un sonido más complejo y duradero. Las notas musicales son elementos abstractos pero se representan de manera simbólica en los pentagramas para que puedan ser leídas e interpretadas por los músicos. https://www.definicionabc.com/audio/nota-musical.php   CLAVE: La clave musical se utiliza para especificar la altura de la música que aparece detallada en un pentagrama. Cabe destacar que la altura es una cualidad dependiente de la frecuencia del sonido, que permite diferenciar entre un sonido grave y un sonido agudo. TAMBIÉN puede ser un signo que se emplea para lograr el funcionamiento de algo o un código que posibilita transmitir mensajes privados o secretos. https://definicion.de/clave-musical/     RITMO: puede definirse como la combinación armoniosa de sonidos, voces o palabras, que incluyen las pausas, los silencios y los cortes necesarios para que resulte grato a los sentidos; es un orden acompasado en la sucesión de las cosas. Se trata de un movimiento controlado o calculado que se produce por la ordenación de elementos diferentes. https://definicion.de/ritmo/   MELODIA:  es una sucesión de sonidos que es percibida como una sola entidad. Se desenvuelve en una secuencia lineal, es decir a lo largo del tiempo, y tiene una identidad y significado propio dentro de un entorno sonoro particular. En su sentido más literal, una melodía es una combinación de alturas y ritmo, mientras que en sentido más figurado, el término en ocasiones se ha ampliado para incluir las sucesiones de otros elementos musicales como el timbre. Se puede considerar que la melodía es el primer plano respecto del acompañamiento de fondo. Pero una línea melódica o una voz no tiene necesariamente que ser una melodía en primer plano. https://es.wikipedia.org/wiki/Melod%C3%ADa   SONIDO: es un fenómeno físico que estimula el sentido del oído, también es conocido como la manera particular de sonar que tiene una determinada cosa.Las vibraciones que producen los cuerpos materiales al ser golpeados o rozados se transmiten por un medio elástico, donde se propagan en forma de ondas y al llegar a nuestros oídos, producen la sensación sonora. Un sonido se diferencia de otro por sus características de percepción, las cuales son su intensidad (fuerza con que se percibe), puede ser fuerte o débil; su tono (marca la frecuencia o número de vibraciones por segundo que produce el cuerpo que vibra), puede ser grave y agudo; y por ultimo, su timbre (cualidad que nos permite distinguir entre dos o más sonidos producidos por distintas fuentes sonoras) http://conceptodefinicion.de/sonido/   SILENCIO:  es un signo que representa gráficamente la duración de una determinada pausa en una pieza musical. La manera gráfica de indicar la duración relativa de un silencio es mediante la utilización de una serie de símbolos diversos cuyos rasgos se modifican, como por ejemplo la ubicación en el pentagrama o el número de ganchos que tienen. Cuando un silencio aparece en el pentagrama quiere decir o nos indica que no debemos tocar esa parte, es decir donde esta el silencio. https://es.wikipedia.org/wiki/Silencio_(m%C3%BAsica)   COMPÁS: es la entidad métrica musical compuesta por varias unidades de tiempo (figuras musicales) que se organizan en grupos, en los que se da una contraposición entre partes acentuadas y átonas.1​ Los compases se pueden clasificar atendiendo a diferentes criterios. En función del número de tiempos que los forman surgen los compases binarios, ternarios y cuaternarios. Por otra parte, en función de la subdivisión binaria o ternaria de cada pulso aparecen los compases simples (o compases de subdivisión binaria) en contraposición a los compases compuestos (o compases de subdivisión ternaria). https://es.wikipedia.org/wiki/Comp%C3%A1s_(m%C3%BAsica)   VALORES O INTERVALOS DE TIEMPO:  es la diferencia de altura —frecuencia— entre dos notas musicales, medida cuantitativamente (número) en grados o notas naturales y cualitativamente (especie) en tonos y semitonos. Su expresión aritmética suele ser una proporción simple. Por ejemplo, aritméticamente, la relación de frecuencias entre dos sonidos situados a distancia de quinta justa es 3 tonos y 1 semitono. TPOS DE INTERVALOS: Los intervalos tonales tienen un solo valor justo; los modales tienen un valor mayor y otro menor, propios de la modalidad en la que se encuentran. Todos los intervalos pueden ser, además, aumentados o disminuidos. Se consideran simples los intervalos no mayores que una octava y compuestos a los que la exceden. Los intervalos compuestos son análogos a los intervalos simples correspondientes. Así, una novena es una segunda a la octava y puede ser mayor o menor; una duodécima es análoga a una quinta y puede ser justa o injusta Se denomina armónico al intervalo cuyo sonido suena simultáneamente y melódico a aquel cuyo sonido suena sucesivamente. Se llaman complementarios los intervalos que, sumados, conforman una octava: una cuarta y una quinta son complementarias. Nótese que la suma de los cuatro grados de la cuarta y los cinco grados de la quinta se resuelve en ocho grados, no nueve, porque el cuarto grado de la cuarta es a la vez el primer grado de la quinta. https://es.wikipedia.org/wiki/Intervalo_(m%C3%BAsica)   FIGURA MUSICAL: es un signo que representa gráficamente la duración musical de un determinado sonido en una pieza musical. La manera gráfica de indicar la duración relativa de una nota es mediante la utilización del color o la forma de la cabeza de la nota, la presencia o ausencia de la plica así como la presencia o ausencia de corchetes con forma de ganchos. Cuando aparece situada en un pentagrama con clave establecida, determina también la alturadel sonido. Las figuras más utilizadas son siete y se denominan elementos gráficos de la música de la siguiente forma: redonda, blanca, negra, corchea, semicorchea, fusa y semifusa. https://es.wikipedia.org/wiki/Figura_musical  

2.

3. origen e historia de la música: HISTORIA DE LA MUSICA Para el hombre primitivo había dos señales que evidenciaban la separación entre vida y muerte. El movimiento y el sonido. Los ritos de vida y muerte se desarrollan en esta doble clave. Danza y canto se funden como símbolos de la vida. Quietud y silencio como símbolos de la muerte. El hombre primitivo encontraba música en la naturaleza y en su propia voz. También aprendió a valerse de rudimentarios objetos (huesos, cañas, troncos, conchas) para producir nuevos sonidos. Hay constancia de que hace unos 50 siglos en Sumeria ya contaban con instrumentos de percusión y cuerda (liras y arpas). Los cantos cultos eran más bien lamentaciones sobre textos poéticos. En Egipto (siglo XX a.C.) la voz humana era considerada como el instrumento más poderoso para llegar hasta las fuerzas del mundo invisible. Lo mismo sucedía en la India. Mientras que en la India incluso hoy se mantiene esta idea, en Egipto, por influencia mesopotámica, la música adquiere en los siguientes siglos un carácter profundo, concebida como expresión de emociones humanas. Hacia el siglo X a.C., en Asiria, la música profana adquiere mayor relieve gracias a las grandes fiestas colectivas. Es muy probable que hacia el siglo VI a.C., en Mesopotamia, ya conocieran las relaciones numéricas entre longitudes de cuerdas. Estas proporciones, 1:1 (unísono), 1:2 (octava), 2:3 (quinta), y 3:4 (cuarta), y sus implicaciones armónicas fueron estudiadas por Pitágoras (siglo IV a.C.) y llevadas a Grecia, desde donde se extendería la teoría musical por Europa. El término "música" proviene del griego "musiké" (de las musas). Por eso la paternidad de la música, tal como se la conoce actualmente, es atribuida a los griegos. En la mitología griega, las musas eran nueve y tenían la misión de proteger las artes y las ciencias en los juegos griegos. En la antigua Grecia la música abarcaba también la poesía y la danza. Tanto la danza como el atletismo se sabe que tenían su acompañamiento musical en tiempos de Homero. Hacia principios del siglo V a.C., Atenas se convirtió en el centro principal de poetas-músicos que crearon un estilo clásico, que tuvo su expresión más importante en el ditirambo. El ditirambo se originó en el culto a Dionisos (Baco). Las obras -tragedias y comedias- eran esencialmente piezas músico-dramáticas. La poesía, la música y la danza se combinaban y las piezas eran representadas en los anfiteatros por cantores-actores-danzadores. La poesía era modulada y acentuada por sílabas, e interpretada indistintamente en prosa común, recitado y canto. La melodía estaba condicionada, en parte, por los acentos de la letra, es decir, por la melodía inherente a la letra, y el ritmo musical se basaba en el número de sílabas. Es dudoso que hubiese diferencia real entre los ritmos musicales y los metros poéticos. Desde el siglo IV a.C., el músico comenzó a considerarse a sí mismo más como ejecutante que como autor. El resultado fue el nacimiento del virtuosismo y el culto al aplauso. La música, en general, se había convertido en mero entretenimiento, por lo que el músico perdió mucho de su nivel social. La enseñanza musical acusó un gran descenso en las escuelas, y los griegos y romanos de las clases elevadas consideraban degradante tocar un instrumento. La división entre el ciudadano y el profesional ocasionó el divorcio social y artístico que en nuestro tiempo todavía afecta a la música europea. 3.1. LA MÚSICA EN LA PREHISTORIA En la prehistoria aparece la música en los rituales de caza y en las fiestas donde, alrededor del fuego, se danzaba hasta el agotamiento. La música está basada principalmente en ritmos y movimientos que imitan a los animales. Los tres grupos de Educación Infantil han preparado un teatro en el que vemos a un grupo de hombres y mujeres primitivos que descubren el fuego y a un grupo de animales que llenaban la tierra en esos tiempos. Luego representarán una escena de caza y por último una danza ritual con timbales alrededor del fuego. 3.2. LA MÚSICA EN LA ANTIGUEDAD Es aquella en la cual las manifestaciones musicales del hombre consisten en la exteriorización de sus sentimientos a través del sonido emanado de su propia voz y con el fin de distinguirlo del habla que utiliza para comunicarse con otros seres. Los primeros instrumentos fueron los objetos o utensilios o el mismo cuerpo del hombre que podían producir sonidos. 3.2.1 Clasificación de instrumentos musicales primitivos: a) Autófonos: aquellos que producen sonidos por medio de la materia con que la que están construidos. b) Membranófonos: serie de instrumentos más sencillos que los construidos por el hombre. Tambores: hechos con una membrana tirante, sobre una nuez de coco, un recipiente cualquiera o una verdadera y autentica caja de resonancia. c) Cordófonos: de cuerda, el arpa. d) Aerófobos: el sonido se origina en ellos por vibraciones de una columna de aire. Uno de los primeros instrumentos: la flauta (en un principio construida por un hueso con agujeros). LA MÚSICA EN LA EDAD MEDIA Se divide en: -Periodo Patrístico (hasta el año 840, padres de la iglesia intervienen en la iniciación del canto cristiano) -En el románico (año 840 hasta la primera mitad del siglo XII{año 1250}) y -El gótico (1250 a fin de la edad media {1453-fines del siglo XV}) en el periodo Patrístico apareció la era Cristiana y al Era media, en esta ultima la historia de la música se encuentra íntimamente ligada a la forma en que se desarrollo la liturgia cristiana ya que se consideraba a la música el vehículo por medio el cual los sacerdotes elevaban la palabra a Dios. Existieron formas de expresión musical. LA MUSICA EN LA EDAD MODERNA La Edad Moderna, en cuanto al ámbito artístico se refiere, surge con el Renacimiento que se caracteriza por una ruptura total con el estilo anterior. Siguiendo con la Edad Moderna, destacaremos a Mozart que fue uno de los músicos más importantes de aquella época. A los seis años ya tocaba a la perfección instrumentos de tecla y el violín, improvisaba y componía. LA MÚSICA EN LA EDAD CONTEMPORÁNEA A un paso entre la Edad Moderna y la Edad Contemporánea nos encontramos con Beethoven que no llegó a ser un niño prodigio como Mozart aunque de mayor sí que alcanzó mucha fama y prestigio.  http://www.monografias.com/trabajos29/musica/musica.shtml#ixzz4t2lECsik   Origen de la música es desconocido, ya que en inicialmente no se utilizaban instrumentos musicales para interpretarla, sino la voz humana, o la percusión corporal, que no dejan huella en el registro arqueológico. Se puede inferir que la música se descubrió en un momento similar a la aparición del lenguaje. https://babyradio.es/blogfamiliar/el-origen-de-la-musica/

Richard Strauss  (1864/06/11 - 1949/09/08)   Nació el 11 de junio de 1864 en Munich, Alemania. Fue criado en el seno de una acaudalada familia dedicada a la industria cervecera. Hijo de Franz Strauss, intérprete solista de trompa en la Ópera de la Corte de Múnich. Muchos miembros de su familia eran músicos, por lo que recibió una educación musical completa ya en su juventud. Comenzó a estudiar piano a los cuatro años con su madre, y violín a los siete con su tío. ObrasPiano y cámara Fünf Klavierstücke, op. 3 (1880-1881) Sonata para piano en si menor, op. 5 (1880/81) Sonata para violonchelo y piano en Fa, op. 6 (1883) Violin Sonata en mi bemol, op. 18 (1888)Poemas sinfónicos Aus Italien (de Italia), op. 16 (1886) Don Juan, op. 20 (1888) Macbeth, op. 23 (1888/90) Tod und Verklärung (Muerte y Transfiguración), op. 24 (1888-1889) Hasta Eulenspiegels lustige Streiche, op. 28 (1895) Also sprach Zarathustra (Así habló Zaratustra), op. 30 (1896) Don Quijote, op. 35 (1898) Ein Heldenleben (Vida de un héroe), op. 40 (1899) Symphonia Domestica (Domestic Symphony), op. 53 (1904) Eine Alpensinfonie (Una sinfonía alpina), op. 64 (1915)Música de ballet Josephslegende (La leyenda de José), op. 63 (1914) Schlagobers (crema batida), op. 70 (1921/2) También introdujo innovaciones de tipo armónico y de instrumentación, ampliando así las posibilidades expresivas de la orquesta sinfónica moderna. Entre las obras de este periodo se encuentran Don Juan (1888), Macbeth (1890), Muerte y transfiguración (1890), Así habló Zaratustra (1896), Don Quijote (1897) y Vida de héroe (1898). Entre (1904-1949) escribe sus óperas, consideradas entre las más importantes del siglo XX : Salomé (1905), Elektra (1909), El caballero de la rosa (1911), Ariadna de Naxos (1912), La mujer sin sombra (1919), Elena egipcia (1928) y Arabella (1933). Richard Strauss falleció el 8 de agosto de 1949 en Garmisch.  https://en.wikipedia.org/wiki/Richard_Strauss

Claude Debussy  (1862/08/22 - 1918/03/25)   Nació el 22 de agosto de 1862 en Saint-Germain-en-Laye (Francia). Cursó estudios, desde los 10 años, en el Conservatorio de París con Lavignac y Marmontel. En 1879 se trasladó a Florencia, Venecia, Viena y Moscú como músico privado de Nadejda von Meck, mecenas del compositor ruso Piotr Ilich Chaikovski. Entre sus obras más importantes cabe destacar el Cuarteto en sol menor (1893) y el Preludio a la siesta de un fauno (1894), basada en un poema del escritor simbolista Stéphane Mallarmé. Su ópera Peleas y Melisanda, basada en la obra teatral del mismo nombre del poeta belga Maurice de Maeterlinck, data de 1902 y le otorgó el reconocimiento como músico de prestigio. En 1917 dio su último recital público. Claude Debussy falleció en París el 25 de marzo de 1918 a causa de un cáncer. Obras 1883 — Diane au bois, comedia lírica de Théodore de Banville. (inicios 1883/84 - Roma, 1885) Ópera 1884 — L'Enfant prodigue, escena lírica de Édouard Guinand (24 mayo 1884, revisada 1907/08) Ópera 1890 — Axel, drama en 4 partes de Auguste Villiers de L'Isle-Adam. Ópera 1890-93 — Rodrigue et Chimène, ópera en 3 actos - libreto de Catulle Mendès. Ópera 1893 — Pélleas et Mélisande, drama lírico en 5 actos de Maurice Maeterlinck (Estreno el 28 abril 1902). Ópera 1902-11 — Le diable dans le beffroi, cuento musical basado en Edgar Allan Poe. Ópera 1908-17 — La chute de la maison Usher, basado en Edgar Allan Poe. Ópera 1911 — Le Martyre de Saint-Sébastien, basado en Gabriele d'Annunzio [1. La Cour des lys; 2. La Chambre magique; 3. Le Concile des faux dieux; 4. Le Laurier blessé; 5. Le Paradis.]. (febrero/mayo 1911) Ballet 1911-12 — Khamma, leyenda danzada de William Leonard Courtney y Maud Allan. Ballet 1912-13 — Jeux, poema danzado por Vátslav Nizhinski. (agosto 1912 - fin abril 1913) Ballet 1913 — La Boîte à joujoux, ballet para niños de André Hellé (julio - octubre 1913), para piano. [1. Prélude; 2. Le Magasin de jouets; 3. Le Champ de bataille; 4. La Bergerie à vendré; 5. Après fortune faite; 6. Epilogue.] Ballet 1914 — Le Palais du Silence / No-ja-li, ballet en un acto de Georges de Feure. Ballet 1914-19 — La Boîte à joujoux, ballet para niños de André Hellé (orquestado por Caplet). Ballet 1898-99 — Berceuse, para "La Tragédie de la mort", pieza en un acto de René Peter. (abril 1898-99). Música incidental 1900-01 — Música de scène para les Chansons de Bilitis, poemas de Pierre Louÿs [1. Chant pastoral; 2. Les Comparaisons; 3. Les Contes; 4. Chanson; 5. La Partie d'osselets; 6. Bilitis; 7. Le Tombeau sans nom; 8. Les Courtisanes égyptiennes; 9. L'Eau pure du bassin; 10. La Danseuse aux crotales; 11. Le Souvenir de Mnasidica; 12. La Pluie du matin.] Música incidental Entre muchas otras más.   https://www.buscabiografias.com/biografia/.../Claude%20Debussy  

Igor Stravinsky - Igor Stravinski  (1882/06/17 - 1971/04/06)   Nació el 17 de junio de 1882 en Oranienbaum (hoy Lomonosov). Hijo de un bajo de la Ópera Imperial de San Petersburgo. Cursó estudios de derecho en la universidad de esta ciudad, donde conoce al hijo del compositor ruso Nikolái Rimski-Kórsakov, quien dirigió sus primeras composiciones musicales. En 1908 el empresario ruso Sergei Diáguilev, le propone que componga para sus Ballets Rusos. El pájaro de fuego (1910) y Petrushka (1911), tuvieron un éxito rotundo sobre todo por su rica orquestación y sus melodías que evocaban la música tradicional rusa. Sin embargo, en el estreno de La consagración de la primavera (1913), no fue tan afortunado, la coreografía vanguardista de Vaslav Nijinski, las disonancias y los ritmos asimétricos provocaron una reacción del público tan fuerte que ni siquiera los bailarines podían oír la orquesta. Igor Stravinski falleció el 6 de abril de 1971 en Nueva York y fue enterrado en Venecia. Obras  1898 Tarantella, para piano 1902 Scherzo, para piano 1902 Romance, para voz y piano 1904 Sonata en Fa sostenido menor, para piano 1907 Sinfonía en Mi bemol 1907 El fauno y la pastora, para mezzosoprano y orquesta Op. 2 1907 Pastorale, para soprano y piano 1908 Quatre Etudes, para piano Op.7 1908 Scherzo fantastique 1908 Fuegos artificiales 1908 Dos melodías for mezzosoprano y piano Op.6 1910 Dos poemas de Paul Verlaine, para barítono y orquesta Op.9 1910 El pájaro de fuego, para orquesta 1911 Petrushka, para orquesta 1911 Dos poemas de K. Balmont para voz y piano u orquesta pequeña 1912 El rey de las estrellas, para coro de hombres y orquesta 1913 Trois poésies de la lyrique japonaise para voz y piano 1913 Trois petites chansons, para voz y piano 1913 La consagración de la primavera 1914 El ruiseñor 1914 Vals de las flores, para dos pianos 1914 El Ruiseñor para solistas vocales, coro y orquesta 1914 Tres piezas para cuarteto de cuerdas https://www.buscabiografias.com/biografia/verDetalle/3371/Igor%20Stravinsky%20-%20Igor%20Stravinski

Alexander Scriabin  Moscú, 1872 - 1915  Compositor y pianista ruso. Aleksandr Skriabin fue el único hijo de la pareja formada por una pianista y un abogado. Debido al fallecimiento de su madre cuando él contaba un año de edad y a los viajes que realizaba su padre, fue criado por su tío Lyubov y su abuela. Comenzó a estudiar piano a los once años con Georgy Konyus y más tarde con Zverev en el Conservatorio de Moscú. Adquirió también conocimientos de teoría musical con Taneyev y otras disciplinas musicales con Antón Arensky y Vasili Safonov. A partir de 1885 empezó a componer música y a escribir poesía y en 1892 finalizó sus estudios en el conservatorio. Muy pronto mostró sus dotes como intérprete y enseguida pasó a formar parte de la gran hornada de pianistas rusos de la época, entre los que figuraban Lhevinne y el también alumno de Zverev, Rachmaninov. En sus recitales como solista, Alexander Scriabin interpretaba sus propias obras y composiciones de Bach, Mendelssohn, Schumann, Liszt y Chopin. Al practicar obras de Balakirev y Liszt sufrió una lesión en la mano derecha, lo que le llevó a componer sus piezas Op. 9, en las que la mano izquierda tiene un papel primordial. Sonata per pianoforte n. 8 op. 66 (1912-1913) Sonata per pianoforte n. 9 op. 68, "La Messa nera" (1912-1913) Sonata per pianoforte n. 10 op. 70 (1913) Preludio op. 2 n. 2, 1889 12 Studi op. 8, 1894 8 Studi op. 42, 1903 Preludio e Notturno op. 9 (per la mano sinistra), 1894 24 Preludi op. 11, 1888-96 6 Preludi op. 13, 1895 5 Preludi op. 15, 1895-6 5 Preludi op. 16, 1894-5 Concerto per pianoforte e orchestra in Fa diesis minore op. 20 (1896) Sinfonia n. 1 op. 26 in Mi Maggiore (1900) Sinfonia n. 2 op. 29 in Do minore (1903) Sinfonia n. 3 op. 43, "Il Poema divino" (1905) Poema Sinfónico op. 54, "Il Poema dell'estasi" (1908) Poema Sinfónico op. 60, "Prométhée, Le Poème du Feu" (1910) https://www.biografiasyvidas.com/biografia/s/scriabin.htm

Erik Satie  (1866/05/17 - 1925/07/01)   Nació el 17 de mayo de 1866 en Honfleur, Normandía. Su madre y su padre eran compositores. Un organista ciego le enseñó a tocar órgano cuando contaba 7 años. Cursó estudios en el Conservatorio de París y cuando ya tenía 40 años con los compositores Vincent d'Indy y Albert Roussel en la Schola Cantorum. Trabajó como pianista en un café. Conoció a Debussy, al que le unió una estrecha amistad. Autor de obras para piano, como Gymnopédies (1888) y Gnossiennes (1890), Préludes flasques pour un chien (1913), Sonatine burocratique (1917) y 3 morceaux en forme de poire (1903, para piano a cuatro manos). Considerado un maestro por los innovadores de Les Six, a quienes conoció a través de Jean Cocteau, además influyó en otros compositores como Claude Debussy y Maurice Ravel así como en laÉcole d´Arcueil (Henri Cliquet-Pleyel, Roger Désormière, Maxime Jacob y Henri Sauguet). Otras de sus obras destacadas son los ballets Parade (1917), con decorados y coreografía de Pablo Picasso, Mercure (1924) y  Socrate (1919) para cuatro pianos y orquesta de cámara, basado en los Diálogos de Platón. Erik Satie murió el 1 de julio de 1925, en París. Obras 1884 Allegro, para piano 1885 Valse-ballet, para piano 1885 Fantaisie Valse, para piano 1886 Deux Quatuors (sketches only) 1886 Trois Mélodies  1886 Les fleurs 1886-87 Chanson  1886-88 Quatre Ogives, para piano 1887 Trois Sarabandes, para piano 1888 Deux rêveries nocturnes, para piano 1888 Gymnopédies I, II et III en (orch. la 1 y 3 por Debussy), para piano 1889 Chanson Hongroise, para piano 1889-91 Gnossiennes I, II, III, IV, V y VI, para piano 1890 Danse, para pequeña orquesta 1891 Hymne pour le Salut Drapeau! (manuscrito), para piano 1891 Leit-motiv du ""Panthée", para piano 1891 Prélude du Prince du Byzance, (perdida), para piano 1891 Première pensée rose+croix, para piano 1892 Trois Sonneries de la Rose + Croix, para piano 1892 Noël (perdida), para piano https://www.buscabiografias.com/biografia/verDetalle/8758/Erik%20Satie

Wolfgang Amadeus Mozart  (1756/01/27 - 1791/12/05)   Nació el 27 de enero de 1756 en Salzburgo. Fue el séptimo hijo de Leopold Mozart y Anna Maria Pertl, aunque de sus seis hermanos sólo sobrevió una niña, Maria Anna, a la que llamaban Nannern. Su progenitor describió su nacimiento como un "milagro de Dios" porque parecía demasiado pequeño y débil para sobrevivir. Estudió con su padre, conocido violinista y compositor que trabajaba en la orquesta de la corte del arzobispo de Salzburgo. Con sólo tres años ya interpretaba piezas en el piano. A los cinco, compuso sus primeras obras y hacía gala de una extraordinaria capacidad para la improvisación y la lectura de partituras. La música de Mozart se publicó cuando tenía solamente siete años, entonces ya era reconocido como un experto violinista. Más tarde tocó en París, Bruselas y Londres, donde ya se le consideró un genio. Mozart falleció en Viena el 5 de diciembre de 1791. Sus últimas palabras fueron: "El sabor de la muerte en mis labios... Siento algo que no es de este mundo". Fue enterrado en una fosa común junto a otros doce cadáveres.   ObrasÓperas KV 35 — 1767 — Die Schuldigkeit des ersten Gebotes Parte I22 (La obligación del primer mandamiento) KV 38 — 1767 — Apollo et Hyacinthus (Apolo y Jacinto) KV 5026 — 1768 — Bastien und Bastienne (Bastián y Bastiana) KV 5129 — 1768 — La finta semplice (La falsa ingenua) KV 8731 — 1770 — Mitridate, re di Ponto (Mitrídates, rey del Ponto) KV 111 — 1771 — Ascanio in Alba (Ascanio en Alba) KV 126 — 1772 — Il sogno di Scipione (El sueño de Escipión) KV 135 — 1772 — Lucio Silla (Lucio Sila) KV 196 — 1774 — La finta giardiniera (La falsa jardinera) KV 208 — 1775 — Il re pastore (El rey pastor) KV 34542 — 1773 — Thamos, König in Ägypten (Thamos, rey de Egipto) KV 34443 — 1779 — Zaide (Zaida) KV 366 — 1781 — Idomeneo, re di Creta (Idomeneo, rey de Creta) KV 384 — 1782 — Die Entführung aus dem Serail (El rapto en el serrallo) KV 422 — 1784 — L'oca del Cairo (La oca del Cairo) KV 43046 — 1784 — Lo sposo deluso (El esposo engañado) KV 486 — 1786 — Der Schauspieldirektor (El empresario teatral) KV 492 — 1786 — Le nozze di Figaro (Las bodas de Fígaro) KV 527 — 1787 — Don Giovanni (Don Giovanni o Don Juan) KV 588 — 1790 — Così fan tutte (Así hacen todas) KV 621 — 1791 — La clemenza di Tito (La clemencia de Tito) KV 620 — 1791 — Die Zauberflöte (La flauta mágica)Sinfonías Nº1 en mi bemol mayor (1764) Nº2 en si bemol mayor (1764) Nº3 en mi bemol mayor (1764) Nº4 en re mayor (1765) Nº5 en si bemol mayor (1765) Nº6 en fa mayor (1767) Nº7 en re mayor (1768) Nº8 en re mayor (1768) Nº9 en do mayor (1769 ó 1770) Nº10 en sol mayor (1770) Nº11 en re mayor (1770) Nº12 en sol mayor (1771) Nº13 en fa mayor (1771) Nº14 en la mayor (1771) Nº15 en sol mayor (1772) Nº16 en do mayor (1772) Nº17 en sol mayor (1772) Nº18 en fa mayor (1772) Nº19 en mi bemol mayor (1772) Nº20 en re mayor (1772) Nº21 en la mayor (1772) Nº22 en do mayor (1773) Nº23 en re mayor (1773) Nº24 en si bemol mayor (1773) Nº25 en sol menor (1773) Nº26 en mi bemol mayor (1773) Nº27 en sol mayor (1773) Nº28 en do mayor (1774) Nº29 en la mayor (1774) Nº30 en re mayor (1774) Nº31 ("París") en re mayor (1778) Nº32 en sol mayor (1779) Nº33 en si bemol mayor (1779) Nº34 en do mayor (1780) Nº35 ("Haffner") en re mayor (1782) Nº36 ("Linz") en do mayor (1783) Nº37 en sol mayor (1783) Nº38 ("Praga") en re mayor (1787) Nº39 en mi bemol mayor (1788) Nº40 en sol menor (1788) Nº41 ("Júpiter") en do mayor (1788)Misas Nº1 en sol mayor, KV 49 (47d), Missa brevis Nº1 Nº2 en re menor, KV 65 (61a), Missa brevis Nº2 Nº3 en do mayor, KV 66 Missa Dominicus Nº4 en do menor, KV 139 (47a) Waisenhausmesse (Misa del orfanato) Nº5 en sol mayor, KV 140 (235d), Missa brevis Nº6. Pastorale Nº6 en fa mayor, KV 192 (186f), Missa brevis Nº3 Nº7 en do mayor, KV 167, Missa in honorem Ssmae Trinitatis o Missa Trinitatis Nº8 en re mayor, KV 194 (186h), Missa brevis Nº4 Nº9 en do mayor, KV 220 (196b) Missa brevis Nº5, 'Spatzenmesse' Nº10 en do mayor, KV 257 Misa Credo Nº11 en do mayor, KV 258 Missa brevis Nº7 'Spaur' o 'Misa Piccolomini' Nº12 en do mayor, KV 259, Missa brevis Nº8 Nº13 en do mayor, KV 262 (246a), Missa longa Nº14 en si ? mayor, KV 275 (272b), Missa brevis Nº9 Nº15 en do mayor, KV 317 Krönung (de la Coronación) Nº16 en do mayor, KV 337, Missa Aulica Nº17 en do menor, KV 427 (417a) Große Nº18 en re menor, KV 626 Réquiem   https://www.buscabiografias.com/biografia/verDetalle/2237/Wolfgang%20Amadeus%20Mozart

Ludwig Van Beethoven  (1770/12/16 - 1827/03/26)   Nació el 16 de diciembre de 1770 en Bonn, Alemania. Hijo de Johann van Beethoven y María Magdalena Keverich. Recibió el nombre de Ludwig en honor a su abuelo, maestro de capilla y padrino en su bautizo. Durante mucho tiempo creyó que había nacido en 1772, dos años después de su nacimiento, probablemente porque su progenitor quería presentarlo más joven que otros niños genios. Su padre, tras descubrir su potencial le obligó a practicar arduamente pretendiendo que se convirtiera en un genio similar a Mozart. La música de Beethoven nunca ha perdió su lugar central en el repertorio de conciertos. Algunos trabajos tuvieron un inmediato y específico impacto en la siguiente generación de compositores. La influencia de la popular Séptima Sinfonía, por ejemplo, se puede escuchar en la "Gran Sinfonía en C Mayor", de Schubert, o la "Sinfonía Italiana" de Mendelssohn, "Harold en Italia" de Berlioz, y la "Sinfonía en C" de Wagner. La influencia de la Novena Sinfonía fue aún más profunda; su especial carácter tuvo un profundo efecto en Bruckner y Brahms, y la combinación de fuerzas instrumentales y corales comenzaron una serie de trabajos sinfónicos híbridos, de Berlioz hasta Mahler. Ludwig Van Beethoven falleció el 26 de Marzo de 1827 en Viena. Muchos años después, se sostiene que la causa de su muerte fue un tratamiento médico a base de plomo, según concluyó Christian Reiter, del Instituto de Medicina Forense de la Universidad de Medicina de Viena. Este médico analizó restos de sus cabellos hasta ser capaz de disponer de una visión médica de los últimos 400 días de su vida. Durante la investigación, se detectó que 111 días antes del deceso, el compositor sufría ya de una sobrecarga de plomo. En esas fechas, Beethoven era tratado en Viena de una pulmonía. El doctor Andreas Wawruch atacó la enfermedad con sales de plomo, habitualmente empleadas en la época contra el exceso de mucosidad.  Obras Opus 1 Trío para piano n.º 1 en mi♭ mayor 1792-1793 1 Trío para piano n.º 2 en sol mayor 1792-1794 1 Trío para piano n.º 3 en do menor: más tarde arreglado para quinteto de cuerdas como Opus 104 1792-1794 2 Sonata para piano n.º 1 en fa menor: el segundo movimiento usa material del Cuarteto para piano WoO 36 Número 3 1793-1795 2 Sonata para piano n.º 2 en la mayor 1794-1795 2 Sonata para piano n.º 3 en do mayor: el primer movimiento usa material del Cuarteto para piano WoO 36 Número 3 1794-1795 3 Trío para cuerdas en mi bemol mayor: Existe un arreglo incompleto para trío de piano que figura como Hess 47; Hess 25 también puede ser una versión más antigua del finale de este trío. 1794 4 Quinteto de cuerdas en mi bemol mayor: después fue el Octeto Opus 103 1795 5 Sonata para piano y violonchelo n.º 1 en fa mayor 1796 5 Sonata para piano y violonchelo n.º 2 en sol menor 1796 6 Sonata para piano a dos manos en re mayor 1796-1797 7 Sonata para piano n.º 4 en mi bemol mayor 1796-1797 8 Serenata para trío de cuerdas en re mayor (arreglada más tarde para piano y viola como Opus 42) 1796-1797 9 Trío de cuerdas en sol mayor: Hess 28 es el segundo trío para el scherzo 1797-1798 9 Trío de cuerdas en re mayor 1797-1798 9 Trío de cuerdas en do menor 1797-1798 10 Sonata para piano n.º 5 en do menor: véase también WoO 52, WoO 53 y Hess 69 1795-1797 10 Sonata para piano n.º 6 en fa mayor 1796-1797 10 Sonata para piano n.º 7 en re mayor 1797-1798 11 Trío para piano, clarinete o violín y violonchelo en si bemol mayor 1797-1798 12 Sonata n.º 1 para piano y violín en re mayor 1797-1798 12 Sonata n.º 2 para piano y violín en la mayor 1797-1798 12 Sonata n.º 3 para piano y violín en mi bemol mayor 1797-1798 13 Sonata para piano n.º 8 en do menor:Pathétique 1797-1798 14 Sonata para piano n.º 9 en mi mayor: También arreglada para Cuarteto de cuerdas Hess 34 1798-1799 14 Sonata para piano n.º 10 en sol mayor 1799 15 Concierto n.º 1 para piano y orquesta en do mayor 1795-1800 16 Quinteto para piano, oboe, clarinete,trompa y fagot en mi bemol mayor 1796-1797 16 Cuarteto con piano en mi bemol mayor 1796-1797 17 Sonata para piano y trompa en fa mayor 1800 18 Cuarteto de cuerdas n.º 1 en fa mayor: Hess 32 es una versión anterior 1798-1800 18 Cuarteto de cuerdas n.º 2 en sol mayor: Cuarteto de las reverencias 1798-1800 18 Cuarteto de cuerdas n.º 3 en re mayor 1798-1800 18 Cuarteto de cuerdas n.º 4 en do menor 1798-1800 18 Cuarteto de cuerdas n.º 5 en la mayor 1798-1800 31 Sonata para piano n.º 16 en sol mayor 1802 31 Sonata para piano n.º 17 en re menor:Sturm-Sonate («La tempestad») 1802 31 Sonata para piano n.º 18 en mi bemol mayor 1802 32 Canción: An die Hoffnung («A la esperanza») (primer arreglo; el segundo es Opus 94 1804-1805 33 Bagatela para piano en mi bemol mayor: Andante grazioso quasi allegretto; número 1 de 7 bagatelas 1801-1802 33 Bagatela para piano en do mayor:Scherzo; número 2 de 7 bagatelas 1801-1802 33 Bagatela para piano en fa mayor:Allegretto; número 3 de 7 bagatelas 1801-1802 33 Bagatela para piano en la mayor:Andante; número 4 de 7 bagatelas 1801-1802 33 Bagatela para piano en do mayor:Allegro ma non troppo; número 5 de 7 bagatelas 1801-1802 33 Bagatela para piano en re mayor:Allegretto quasi andante; número 6 de 7 bagatelas 1801-1802 33 Bagatela para piano en la bemol mayor: Presto; número 7 de 7 bagatelas 1801-1802 34 6 variaciones para piano en fa mayor sobre un tema original 1802 35 15 variaciones con fuga para piano en mi bemol mayor: Eroica-Variationen 1802 36 Sinfonía n.º 2 en re mayor 1801-1802 https://www.buscabiografias.com/biografia/verDetalle/2181/Ludwig%20Van%20Beethoven

Instrumentos digitales: A diferencia de los instrumentos analogicos,que funcionan con sistemas mecanicos un instrumento digital lo hace en base a circuitos electronicos,por lo tanto su estudio abarca una mayor profundidad.Un instrumento dijital tiene circuitos que utiliza componentes electrinicos especiales,por ejemplo,comparadores,conversores analogicos-digitales,amplificadores entre otros.Por lo tanto,presenta muchas ventajas con respecto a los instrumentos analogicos. ALGUNAS DE ESTAS VENTAJAS SON LAS SIGUIENTES: Instrumentos digitales: Construccion robusta resiste golpes caidas;Facil lectura utiliza display numerico;Posibilidad de medir varias magnitudes (V,R,I frecuencias,factor de potencia,transistores,diodos,capacitores);Mayor exactitud y precision al operar con componentes electronicos y sin partes moviles;Costo relativamente economico posibilidad de lectura a distancia;Permite medir CA y C,para varios rangos a medida;Algunos instrumentos permiten visualizar de forma de onda en pantalla LCD. Instrumentos Analogicos: Fragil no puede golpearse o caerse;Lectura dificil interpretar escala;Limitacion de valores a medir;Menor exactitud por operar con sistemas macanicos de movimiento;Costo relativamente medio y alto;No permite lectura a distancias alejadas;Algunos solo miden en un sistema y se necesita ampliar el alcance;No permiten visualizacion de forma de onda. https://www.wikiteka.com/apuntes/instrumentos-digitales/     Placas:  Teclados:  Un teclado electrónico es un instrumento de teclado que generalmente puede reproducir muchos sonidos, similares o no a los que producen otros instrumentos musicales. En algunos casos, su funcionamiento se basa en mecanismos eléctricos, electrónicos o digitales que crean los sonidos. Aquí se encuentran tanto los sintetizadores como otros instrumentos originalmente creados para imitar pianos (Rhodes, Piacen) mediante muestras (en inglés samples) de sonidos previamente grabados. Estos pueden venir fijos “de fábrica”, o ser capturados y manipulados mediante un sampler.   instrumentos de viento: El Aerophone AE-10 de Roland es un vanguardista instrumento-digital de viento que fusiona el acomodo de las llaves del acordeón tradicional con los flexibles sonidos que necesites – van integrados a bordo. Los intérpretes experimentados se sentirán instantáneamente como en casa, gracias al familiar sistema de alojamiento de las llaves tipo saxofón tradicional, a los dinámicos sonidos SuperNATURAL y al sensor de aliento que reacciona tal como el de tu instrumento acústico de viento favorito. La gran selección de sonidos recrea fielmente los modelos de saxofón desde soprano hasta barítono, más instrumentos de viento como clarinete y trompeta, instrumentos de cuerdas, e incluso sintetizadores. Con sus bocinas integradas a bordo, capacidad de alimentación por baterías y conectividad DAW, el Aerophone AE-10 de Roland es la versátil elección para todo-lugar, te asistirá en todo escenario musical. https://www.wikiteka.com/apuntes/instrumentos-digitales-de-viento

sintetizador de viento: Un sintetizador de viento, también llamada controlador por viento, es un instrumento electrónico utilizado para imitar distintos instrumentos de viento. El sintetizador en sí mismo no produce sonidos, sólo secuencias de control para ser reproducidas por un sintetizador de sonido tradicional. https://www.wikiteka.com/apuntes/instrumentos-digitales-de-viento

Tuba eléctrica Se define Tuba Eléctrica o Tuba Duranguense, como el sonido empleado para tuba y una charcheta (similar a una banda de viento) principalmente en la música de género duranguense. Se trata de hacer dos funciones: tuba y charcheta en un sintetizador o teclado cualquiera, es más recomendable que se pueda dividir para tener los dos sonidos muy bien ecualizados. El efecto más adecuado para la tuba en todos los sintetizadores generalmente son los Brass, puesto que no se llama Tuba como muchos piensan. El efecto se selecciona según el gusto y el oído de cada individuo. La tuba puede tocarse con cualquier mano, dependiendo de que condición sea la persona, diestro o zurdo. La forma más común es con la mano izquierda, desde luego la charcheta se toca con la mano contraria. https://www.wikiteka.com/apuntes/instrumentos-digitales-de-viento

respuestas consultadas de la etapa exploratoria: Música La música es, según la definición tradicional del término, el arte de organizar sensible y lógicamente una combinación coherente de sonidos y silencios utilizando los principios fundamentales de la melodía, la armonía y el ritmo, mediante la intervención de complejos procesos psico-anímicos. El concepto de música ha ido evolucionando desde su origen en la Antigua Grecia, en que se reunía sin distinción a la poesía, la música y la danza como arte unitario.    Origen de la música: El origen de la música es desconocido, ya que inicialmente no se utilizaban instrumentos musicales para interpretarla, sino la voz humana, o la percusión corporal, que no dejan huella en el registro arqueológico. Se puede inferir que la música se descubrió en un momento similar a la aparición del lenguaje. https://definicion.de/ritmo-sonido-origen-de-la-musica/   El sonido en la música El sonido, en combinación con el silencio, es la materia prima de la música. En la música los sonidos se califican en categorías como: largos y cortos, fuertes y débiles, agudos y graves, agradables y desagradables. El sonido ha estado siempre presente en la vida cotidiana del hombre. A lo largo de la historia el ser humano ha inventado una serie de reglas para ordenarlo hasta construir algún tipo de lenguaje musical. https://definicion.de/ritmo-sonido-origen-de-la-musica/   Ritmo: El ritmo musical, por lo tanto, es una fuerza o un movimiento formado por una cierta sucesión de sonidos. Puede decirse que el ritmo de la música se compone de ciclos que se reiteran en intervalos temporales. Las notas y los silencios se presentan a lo largo de una melodía y definen el ritmo de la misma. En el ritmo entra en juego la repetición, en determinados intervalos, de sonidos breves, largos, débiles y fuertes. https://definicion.de/ritmo-sonido-origen-de-la-musica/   melodia: Una melodía es una sucesión de sonidos que es percibida como una sola entidad. Se desenvuelve en una secuencia lineal, es decir a lo largo del tiempo, y tiene una identidad y significado propio dentro de un entorno sonoro particular. En su sentido más literal, una melodía es una combinación de alturas y ritmo, mientras que en sentido más figurado, el término en ocasiones se ha ampliado para incluir las sucesiones de otros elementos musicales como el timbre. Se puede considerar que la melodía es el primer plano respecto del acompañamiento de fondo. Pero una línea melódica o una voz no tiene necesariamente que ser una melodía en primer plano. https://es.wikipedia.org/wiki/Melod%C3%ADa     Mesa de mezclas de audio Las mesas de mezclas de audio o mezcladora de sonidos es un dispositivo electrónico al cual se conectan diversos elementos emisores de audio, tales como micrófonos, entradas de línea, samplers, sintetizadores, gira discos de vinilos, reproductores de cd, reproductores de cintas, etc. Una vez que las señales sonoras entran en la mesa estas pueden ser procesadas y tratadas de diversos modos para dar como resultado de salida una mezcla de audio, mono, multicanal o estéreo. El procesado habitual de las mesas de mezclas incluye la variación del nivel sonoro de cada entrada, ecualización, efectos de envío, efectos de inserción, panorámica (para los canales mono) y balance (para los canales estéreo). Otras mesas de mezclas permiten la combinación de varios canales en grupos de mezcla (conocidos como grupos) para ser tratados como un conjunto, la grabación a disco duro, la mezcla entre 2 o más canales mediante un crossfader... Estas mesas se utilizan en diferentes medios, desde estudios de grabación musical, radiofónicos, televisivos o de montaje cinematográfico, como herramienta imprescindible en la producción y emisión de audio. También son la herramienta primordial para los DJ y otros músicos de directo. https://es.wikipedia.org/wiki/Mesa_de_mezclas_de_audio      

acercamiento a la robótica báica usando LEGO     Cuando pensamos en robótica o en programación, antiguamente solía asaltarnos el estereotipo de números, letras y enunciados en lenguajes complejos, manejados por aquellos que en su infancia y adolescencia ya apuntaban maneras y resultaban un poco raros, o incluso nerds, como se les conoce en América. Ese modelo ya no existe y ahora el nuevo cool entre niños y adolescentes es saber programación, robotics y otras nuevas asignaturas relacionadas con las TIC, que despuntan con notable protagonismo entre los más jóvenes. ¿Qué es la robótica? Aunque podemos encontrar muchas definiciones de la robótica, una podría ser “la ciencia que estudia el diseño y creación de máquinas que son capaces de ejecutar acciones con un cierto grado de inteligencia”, explica el experto. “Más complejo es hablar sobre lo que técnicamente se considera un robot, porque cuando se nos viene a la cabeza esta palabra, siempre nos imaginamos humanoides o máquinas con formas asimiladas a seres vivos, al ser la imagen transmitida habitualmente por los medios y la industria del cine”. La robótica: ¿Una nueva asignatura para los niños de hoy? Desde el punto de vista de entendidos como José Luis Pastor, sí: “La robótica, como otras áreas de conocimiento, se ha transformado para poder ser usada y disfrutada por la sociedad en general”. Hace unos años, los conocimientos que eran necesarios para poder programar acciones básicas en un robot, estaban solamente al alcance de unos pocos científicos con grandes conocimientos de informática y electrónica. http://www.theluxonomist.es/2016/05/24/robotica-lo-mas-cool-entre-los-ninos/patricia-peyro

Realiza la siguiente consulta sobre mezclador de musica: ¿Qué Es La Mezcla De Audio? Escribe el nombre de 10 Programa Para Mezclar sonidos o música ¿Qué Es La Ecualización? ¿Qué Son Las Dinámicas? ¿Qué Es La Compresión? ¿Qué Es El Reverb? Pega Una imagen De Un Mezclador De Sonido Con Sus Respectivas Partes Explique Y Pega Imágenes De Cada Parte Del Mezclador De Música  

MEZCLA DE AUDIO La mezcla de audio es un proceso utilizado en la grabación y edición de sonido para balancear y equilibrar el volumen relativo y la ecualización de las fuentes de sonido que se encuentran presentes en un evento sonoro. Comúnmente estas fuentes de sonido son distintos instrumentos musicales en una banda o las secciones de una orquesta. De igual forma se manejan parámetros de volumen y ubicación para lograr darle una especialidad al evento sonoro, simulando así lugares y atmósferas mediante la manipulación de efectos y otros parámetros, para poner al público en contacto pleno con el intérprete de la obra musical. También se utiliza para remover frecuencias innecesarias así como ruidos indeseados para dar un espacio a cada elemento dentro de la mezcla. Este método también es usado por disc jockeys productores. La mezcla de audio es muy relativa, ya que el mismo conjunto de sonidos puede ser mezclado por distintos sonidistas, lo cual genera mezclas bastante distintas unas de otras. Sin embargo las herramientas utilizadas en las mezclas de audio son siempre las mismas, pero cada sonidista las utiliza de manera distinta. Otra acepción de mezcla es la llevada a cabo por los Disc-jockeys de club en las cabinas de lugares como bares, clubs o discotecas, que seleccionan y mezclan música grabada propia o de otros compositores y artistas para ser escuchada y/o bailada por una audiencia, para lo que necesitan llevar a cabo mezclas suaves y sin que se noten entre discos. https://es.wikipedia.org/wiki/Mezcla_(audio)   Programa Para Mezclar sonidos o música -MixPad, programa de grabación y mezclas multipista -Traktor 2 Pro – Native Instruments (posibilidad de mezclar hasta cuatro temas a la vez más 8 sample) -Ableton LIVE (idónea para actuaciones en vivo) -Virtual DJ Pro de Atomix (puede reproducir un número enorme de pistas de forma simultanea, ya que dispone de hasta 99 decks virtuales (obviamente, no es recomendable intentar mezclar 99 pistas a la vez, pero sin embargo es una cantidad que ofrece una impresionante flexibilidad y opciones creativas).) -Mixxx (amplia gama de formatos de audio.) - Serator DJ (innovadora en los primeros momentos de transición entre el mundo del vinilo y la era de los DJ´s digitales hace ya más de una decada.) -Gibson Deckadance(4 decks de mezcla, 16 slots para smaples, muy configurable y personalizable, un precio inferior a las opciones más populares.) -Cross de Mixvibes (posibilidad de manejar el programa de forma remota a través de las aplicaciones disponibles para Android o iPhone.) -Algoriddim Djay Pro (posibilidad de hacer sesiones mezclando canciones de tu cuenta de Spotify, lo cual hace de este sistema algo realmente portable.) -Mixed in key (es facilitar la mezcla armónica, es decir, la mezcla de canciones que tengan escalas musicales compatibles entre sí.) https://productordj.com/programas-dj-guia-software/     Ecualizar En el diccionario castellano ecualizar significa en alta fidelidad, ajustar dentro de determinados valores las frecuencias de reproducción de un sonido con el fin de igualarlo a su emisión originaria. http://lexicoon.org/es/ecualizar   Dinámica La dinámica en música hace referencia a las graduaciones de la intensidad del sonido. Dentro de la terminología musical se denomina matiz dinámico o de intensidad a cada uno de los distintos grados o niveles de intensidad en que se pueden interpretar uno o varios sonidos, determinados pasajes o piezas musicales completas.1​2​3​4​ La intensidad musical es la cualidad que diferencia un sonido suave de un sonido fuerte. Depende de la fuerza con la que el cuerpo sonoro sea ejecutado y de la distancia del receptor de la fuente sonora. Acústicamente la intensidad depende de la amplitud de las vibraciones5​ y particularmente está conectada a una magnitud definida como intensidad acústica, que se mide en W/m2 o más comúnmente en decibelios (dB) cuando se mide logarítmicamente (Nivel de presión sonora).6​ En psicoacústica la diferencia que mide la percepción de la intensidad musical se define como sonoridad. https://es.wikipedia.org/wiki/Din%C3%A1mica_(m%C3%BAsica)   Compresión La compresión de audio es una forma de compresión de datos, específicamente en la reducción del tamaño de los archivos de audio. Los algoritmos de compresión de audio normalmente son llamados códecs de audio. Existen dos tipos de compresión, basados en algoritmo de compresión sin pérdida o algoritmo de compresión con pérdida. El sonido son oscilaciones que se transmiten por un medio material, medio que normalmente es el aire. Cuando hablamos de audio estamos hablando de una adaptación del sonido a otro medio, el paso a un soporte. Existen diferentes soportes de audio como pueden ser el vinilo, las cintas magnéticas o un formato digital como WAV, MP3 u OGG. La compresión de audio es un proceso por el cual se reduce la tasa de bits de una señal digital de audio buscando como fin la reducción de su peso en disco. El audio más cercano o fidedigno con respecto al sonido real es el normalmente el WAV de 32 bits y 192 Khz. A medida que se comprime el audio se reducen estos valores, con lo cual se pierde fidelidad con respecto al sonido físico. https://es.wikipedia.org/wiki/Compresi%C3%B3n_de_audio   Reverb La reverberación es un fenómeno que se produce en recintos o salas cerradas en las que un sonido dado incide sobre las distintas superficies reflejándose una gran cantidad de veces provocando que las reflexiones aumenten en cantidad y densidad; de tal manera que el sistema auditivo  no es capaz de distinguir las reflexiones individualmente y las integra en una sola masa de sonido. Esa masa de sonido perdura en el tiempo una vez que cesó el sonido y el tiempo en que demora en hacerse inaudible se denomina tiempo de reverberación. Otra manera de definir la reverberación es: El tiempo que demora un sonido en decaer 60 decibeles desde que la fuente sonora cesó de emitir sonido. Por este motivo es que en muchos libros se expresa como RT60 (Reverberation time). http://blog.7notasestudio.com/que-es-el-reverb-como-usarlo-mezclas/  

Perillas: Son potenciómetros circulares usados en los controles de canal para la ganancia, ecualización… Pulsadores o Switches: Pequeños botones que activan o desactivan algunas funciones. Faders: Son potenciómetros lineales, también llamados atenuadores deslizantes. Su función es aumentar o disminuir el nivel de señal. 1. ENTRADAS Las consolas tienen diferentes entradas a través de conectores. Suelen estar en la parte superior o en un panel posterior.

· Entradas para micrófono Son conectores XLR-Canon (1) o Jack-Plug (2), en ambos casos hembras. Siempre es recomendable conectar los micrófonos por las entradas XLR. Las entradas de micrófono se identifican con la palabra MIC. Estas entradas tienen un preamplificador que aumenta la débil señal que sale de un micrófono. Si conectamos el micrófono por otra entrada, como la de línea, llegará un sonido muy bajo a la consola. La mayoría de las consolas traen un interruptor para activar la alimentación Phantom*(3)*. Esta alimentación fantasma, por lo general de +48 voltios, es necesaria para el funcionamiento de los micrófonos de condensador. · Entradas de línea Se identifican como LINE (4). En ellas, conectamos todos los equipos exteriores como caseteras, lectoras de disco compacto, la computadora, instrumentos musicales… Los conectores son Jack-Plug o RCA. · Entradas PHONO Sirven para los tocadiscos o tornamesas que, al igual que los micrófonos, entregan una señal muy baja. En esa entrada también hay un preamplificador. Si hacemos lo contrario, por ejemplo, conectar un lector de CD a una entrada de PHONO, como esa entrada está preamplificada, el sonido llegará saturado a la consola, es decir, tendremos exceso de nivel de audio. · Entradas digitales Las nuevas consolas, aunque sean analógicas, traen conexiones digitales para comunicarse con tarjetas de audio, con la ventaja de tener menos pérdida de calidad que con las conexiones análogas. Las más comunes son FireWire, S-PDIFy USB. 2. SALIDAS

· Master o Main(5)  Es la salida principal de una consola. En las de radio es la que llevamos al transmisor y se conoce como salida de programa o PGM. En las consolas de producción es la señal que grabamos y, en las de DJ´s o conciertos, es la salida que amplificamos para que todos la escuchen. Son salidas estéreo con dos canales, izquierdo-*L*eft y derecho-*R*ight, con conectores Jack o XLR. · Alterna o Subgrupos (6)  En las consolas de radio es la conocida como PGM2 o audición, una segunda señal que puede usarse para monitores, grabación… En las consolas grandes hay varias salidas alternas llamadas subgrupos o buses. Son muy útiles para grabar o para el monitoreo. Supongamos que estamos grabando un disco por pistas. La salida master no tendrá mucha utilidad ya que no queremos, de momento, una señal sumada. El canal de entrada de la guitarra lo asignamos al subgrupo 1. La conexión de la salida subgrupo 1 la llevaremos, a través de una tarjeta de audio multicanal, a uno de los canales virtuales de la computadora, y así sucesivamente con todos los instrumentos. De esta forma, cada uno tiene su camino directo e independiente. Este camino comienza y termina con conectores Plug o XLR. · REC, Tape o grabación (7)  Muchas consolas de producción carecen de las salidas de subgrupo, pero en vez de ello tienen un envío para grabar la mezcla que sale de la consola en un casete o en una computadora. En algunas consolas esta salida se indica como Tape Out. En la mayoría son conectores RCA. · Control Room (8)  Esta salida es la que se usa para el monitoreo. Veamos un caso concreto de un pequeño estudio de producción. La salida master la llevamos a la entrada de grabación de la computadora. Pero necesitamos escuchar sonido mientras editamos. Para eso usamos la salida de Control Room. Con el master controlamos el volumen de la señal que grabamos, pero el sonido que escuchamos es independiente y lo manejamos con botones diferentes. La salida de Control Room se lleva a un amplificador de sonido y la salida de éste a unas cornetas o monitores de estudio. A veces, escuchamos alto el sonido de la sala y bajamos el master. Esto es un error. El master hay que dejarlo en 0 db y el que tenemos que bajar o subir es el Control Room. Esta salida de monitoreo también la tienen muchas consolas de radio. Se usa para escuchar en el estudio o en la sala de locución lo que sale al aire. Por ejemplo, estamos en un programa en vivo y está sonando un corte de una entrevista. Los invitados necesitan escucharla y, si no tienen audífonos para todo el mundo, se colocan unos altavoces que sirven de retorno. La mayoría de consolas de radio profesionales tienen un sistema de muteo de las salidas de monitoreo. Es decir, que al acabar la música y abrir el canal del micrófono para que hablen los locutores, el monitoreo se corta y ya no se escucha nada por los altavoces. Esto evita acoples, ese efecto inaguantable que se produce cuando hablas por un micrófono delante de un altavoz. · Phones (9)  Para conectar unos audífonos o auriculares y monitorear el audio con ellos.

3. CONTROLES DE SALIDA Acabamos de ver los diferentes tipos de salida, pero hay una parte de la consola que las controla a todas. Suele estar a la derecha del equipo. En ese lugar tenemos los faders (10) de la salida principal (master o Main Mix) y los de salida de los subgrupos. Su número dependerá del modelo de la consola. También hay controles para la salida de audífonos, Control Room (11)... Una parte vital que también se encuentra en esta zona son los vumeter (12). Estos indicadores nos permiten conocer el nivel de señal que saldrá de la consola. Si estamos saturando mucho habrá un exceso de señal, los foquitos del vumeter se pondrán en rojo y bajaremos el nivel. Si, por el contrario, nos quedamos cortos y las lucecitas no se prenden, debemos aumentar los niveles de entrada. 4. MÓDULO DE EFECTOS INTEGRADOS Algunas consolas, sobre todo pensadas para producción, traen diferentes efectos integrados como reverberaciones y delays. 5. AUXILIARES A nivel profesional, para conciertos en vivo, por ejemplo, se prefiere usar módulos externos de efectos, aparatos que reciben una señal desde la consola, la procesan y la devuelven. Para estos módulos externos se usan principalmente las entradas auxiliares. Por el SEND mandamos la voz a la entrada del módulo externo de efectos. El equipo le añade una reverberación y regresa la voz procesada a la consola por la entrada de RETURN. La mayoría de estas conexiones se hace con Plugs. USO DE LOS AUXILIARES EN LA RADIOImaginemos que no contamos con una consola de radio para nuestra emisora y colocamos una consola de producción como la que estamos explicando. Para comunicarnos con los locutores que están en cabina desde la sala de control, podemos llevar la señal de salida auxiliar de la consola al amplificador de audífonos que tenemos en el locutorio. Cuando sonamos la canción y queremos hablar con los locutores, sólo tenemos que subir el volumen de Auxiliar PRE y conversar. Si subiéramos el fader principal lo que hablamos se escucharía al aire.

 Ecualizacion Ecualizadores (6)  Todas las consolas los tienen y nos ayudan a ecualizar los sonidos, es decir, jugar con sus frecuencias agudas o altas (Hi), con las medias (Mid) y con las graves o bajas (Lo). Junto a los botones siempre se indica sobre qué frecuencia estamos actuando. En la consola de nuestro ejemplo los agudos son 12 Khz y los graves 80Hz. Las frecuencias medias tienen un tipo de ecualizador más preciso llamado paramétrico. Hay dos botones para esa frecuencia. Con uno (6a) elegimos la frecuencia que queremos modificar (entre 100 Hz y 8 Kkz) y con el otro (6b) le damos más o menos ganancia (de -15 db a + 15 db). Son más difíciles de manejar, pero más exactos. https://radioslibres.net/article/capitulo-5-que-son-todos-esos-botones/