Principios de la animación

Principios de la animación

1. 1. Aplastar y estirar

   • Es cuando una forma plana se mueve sobre el papel de un dibujo a otro, hay una rigidez marcada que se enfatiza con el movimiento.

2. 2. Anticipación

   • Esto se consigue precediendo cada acción importante con un movimiento específico que anticipe para la audiencia lo que va a suceder.

3. 3. Puesta en escena

   • La puesta en escena es el principio más general de todos y que cubre muchas áreas ya que se retrotrae hasta el teatro.

4. 4. Acción hacia delante o pose a pose

   • El animador, simplemente, empieza haciendo un dibujo tras otro, tomando nuevas ideas mientras trabaja, hasta que llega al final de la escena.

5. 5. De inicio a fin y sobreposición

   • Cuando un personaje que entraba en escena llegaba al punto para su próxima acción, a menudo se paraba por completo y abruptamente. Esto era rígido y no parecía natural, pero nadie sabía qué hacer para solucionarlo.

6. 6. Salidas y entradas lentas

   • Cuando el animador había trabajado en sus poses y las había redibujado hasta que eran lo mejor que podía hacer, él. Programaba esos dibujos clave para que se moviesen rápidamente de uno a otro, para que el grueso de las imágenes en una escena estuviese en (o cerca) de esos extremos

7. 7. Arcos

   • Thomas y Johnston (1981) cuentan en su libro que muy pocos organismos vivos son capaces de moverse de forma que tengan una entrada y salida, subida y bajada, con precisión mecánica.

8. 8. Acción secundaria

   • Una idea puesta en escena se puede reforzar con acciones auxiliares en el cuerpo: “Una figura triste, retira una lágrima mientras se aparta.

9. 9. Programar el tiempo

   • El viejo ejemplo de la pelota que rebota es utilizado tan frecuentemente porque muestra muchos aspectos distintos de la animación. Una pelota va rebotando a lo largo del suelo y cada rebote, el "boink", es el tiempo, los impactos.

10. 10. Exageración

    • Los animadores Disney, relatan en su libro que había cierta confusión entre ellos cuándo Walt Disney pedía más realismo, para después criticar que no era lo bastante exagerado. En la mente de Walt Disney, probablemente no había diferencia. Si un personaje tenía que estar triste, debía hacerse más triste; alegre, más alegre; preocupado, más preocupado; loco, aún más loco. Algunos artistas sentían que exageración significaba un dibujo distorsionado o una acción tan violenta que era molesta. Vieron que no estaban entendiendo la cuestión.

11. 11. Dibujo sólido

    • Creación del espacio tridimensional de los dibujos para que se vean en 3D. Para ello hay que tener en cuenta el volumen y el peso del personaje para no caer en la simetría.

12. 12. Atractivo

    • A la hora de crear un personaje es importante que el público conecte con él, da igual que sea del bando bueno o malo, guapo o feo, lo importante es que resulte cautivador para el espectador. En ese sentido los rasgos del personaje serán fundamentales.

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