ARTE DIGITAL

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Definición:

El arte digital es una corriente artística que se realiza principalmente gracias a la tecnología informática. Este estilo de arte se diferencia de otros estilos tradicionales principalmente porque el resto de las clases artísticas no son tecnológicas y este tipo de arte sí. En el arte digital se introduce en un procedimiento de desmaterialización de las representaciones artísticas que se retrotrae con el ingreso de la fotografía como el principal medio de las artes en el siglo XIX.

https://tiposdearte.com/arte-digital-que-es/

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Características:

Para caracterizar este concepto mas conocido y utilizado en la actualidad, puedo comenzar diciendo que se caracteriza por componer obras que utilizan elementos digitales, como la palabra lo dice. Comprende el proceso de producción y el de exhibición.

Es un arte humano destacado por su expresion de sensaciones, ideas.Conforma una vision grafica expresada por medio informativo a base de herramientas. El arte digital permite crear mundos alternativos como forma de expresión, estos no son físicos, pero poseen una realidad original, ya que se utilizan diferentes técnicas como la programación de la física del entorno, el modelado tridimensional y el comportamiento de sus objetos.

Las obras de arte visual nacen a mediados del año 1980, y esta combinado con el arte interactivo, aunque no dependa uno de otro. La unión de estas dos artes permite una interfase de comunicación con la obra, permitiendo interactuar por medio del movimiento del cuerpo un video captado por sensores, para así poderlos aplicara la pantalla. El arte digital crea la obra mediante unos parámetros variables que son establecidos por el artista.

http://alejandrotrapaga-imd.blogspot.com.co/2008/09/caracteristicas-del-arte-digital.html

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Tipos:

Estos son algunos de los tipos de arte digital que se pueden encontrar:

https://es.slideshare.net/Naryta/arte-digital-1088234

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Herramientas:

Dispositivos: son aparatos o mecanismos que cumplen funciones específicas, por ejemplo un teléfono inteligente, una cámara web, una tableta gráfica, un escáner, una rotuladora digital o una impresora 3D, entre otros.

Aplicaciones: son programas para realizar tareas específicas, por ejemplo la edición de imágenes, de audio o de vídeo, la creación de objetos 2D y 3D, la compresión y descompresión de archivos, entre otras.

Plataformas: son escenarios digitales o sistemas de funcionamiento que integran equipo informático, programas y sistema operativo.

Servicios: los hay para alojar contenido, enviar mensajes y archivos, colaborar en red, disponer de librerías de imágenes y fuentes tipográficas, entre otros.

http://toyoutome.es/blog/dentro-del-taller-del-artista/31242

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Aplicaciones:

Google Art ProjectEsta aplicación de Google permite acceder a 339 colecciones de distintos museos y galerías. Entre ellas está el Rijkmuseum, el Reina Sofía, la National Gallery, el Museo Van Gogh o el Museo Nacional de Arte Mexicano. El usuario podrá ver una obra de Rembrandt como si la estuviera palpando: la resolución llega hasta 7,000 millones de pixeles. Hay ocho mil artistas catalogados.

MoMA

El Museo de Arte Moderno también está disponible para iPhone y Android y permite realizar tours artísticos por las salas de este renombrado museo ubicado en Nueva York. Se pueden observar esculturas y pinturas, además de enterarse de las exhibiciones gratuitas.

Museo del Louvre

Hay más de 150 obras maestras de la historia del arte disponible para el smartphone. Está la colección más selecta, desde los faraones de Egipto, pasando por la mitología griega, la genialidad de Da Vinci o Delacroix, hasta la actualidad. Incluye información detallada de cada obra.

Daily Art

Esta aplicación muestra una obra de arte por día. Puede leer las descripciones del autor y los detalles de la técnica utilizada. La lectura está linkeada a otras páginas como Wikipedia para ampliar o profundizar los datos.

Art Authority

Se trata de una pinacoteca digital, con una colección de 65 mil obras. La mayoría de piezas artísticas pertenecen a creadores americanos. Hay un especial énfasis en compartir la experiencia por redes sociales.

Art Finder

Esta es la vitrina de los nuevos talentos. Su misión es fomentar el trabajo de artistas emergentes. En el catálogo hay creadores de 62 países, a quienes se les puede comprar sus obras por Internet.

All City

El arte callejero no podía quedar solo en los muros. También están digitalizados. En esta ‘app’ se encuentran grafitis, esténciles y murales. Y lo interesante es que cualquier persona puede subir su creación.

Google Gogles

Especial para viajeros. Se trata de un almacén de datos de obras y monumentos de todo el mundo. Una guía importante para hacer turismo y conocer la historia de cada vestigio cultural.

Tayasui Sketches

Si en las ‘apps’ anteriores, el objetivo solo era hacernos sentir la experiencia de observar una obra de arte, con Tayasui Sketches usted mismo puede ser el artista, pues recrea una paleta de colores real.

Brushes

Utilizada por diseñares gráficos que con un menú básico y simplificado, acerca la creación al alcalce de neustors pulgares.

http://gestion.pe/tecnologia/diez-aplicaciones-amantes-arte-2092047

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Influencias:

La era digital ha influido en las artes plásticas: la reproducción masiva de obras de arte en Internet, novedosas técnicas que permiten conservar el patrimonio artístico y formas innovadoras de creación artística son algunas de las repercusiones en este campo.La digitalización ha producido una transformación, evolución o modificación en las artes plásticas. Colorado (2003) ya destacó que «el arte y su historia están sufriendo una auténtica renovación gracias a los efectos que los nuevos soportes multimedia les aportan como vía de comunicación y creación». A través del nuevo escenario digital se difunden multitud de obras de arte. La reproducción del patrimonio artístico en este nuevo soporte no ha dejado indiferente a investigadores de diversas disciplinas que han teorizado sobre las aportaciones y los efectos que genera. Mientras, otros investigadores se han centrado en demostrar las infinitas innovaciones al campo científico y al patrimonio artístico que el sistema digital está aportando a las artes plásticas. Investigaciones recientes realizadas en España han demostrado que el uso de la tecnología 3D en este sector ofrece posibilidades de explotación inimaginables.Lo cierto es que las nuevas redes han creado una industria visual, por su infinita cabida para reproducir y difundir las artes plásticas. El nuevo escenario digital ha generado una nueva forma de difundir y adquirir cultura artística: - Constituye un campo fértil para el desarrollo de la expresión artística. - La Red otorga a los artistas un lugar propio donde exhibir su trabajo; atrás queda depender de salones y galerías para dar a conocer sus creaciones. Y también les ofrece la posibilidad de descargar programas gratuitos para hacer obras de arte digitales, así como nuevos recursos. Un nuevo tipo de creación artística que exige a sus creadores un alto nivel, no solo de conocimientos artísticos sino también técnicos. - Igualmente permite a las instituciones artísticas exhibir sus colecciones. Unas exposiciones que permiten la interactividad con el usuario a través de los recursos que ofrece la Red: chat, mensajería y foros, entre otros. Actualmente son multitud de museos los que se han insertado al escenario digital, como el museo Thyssen , el Museo de Arte contemporáneo de Castilla y León o el Museo Artium en Vitoria . Algunos 2 3 4 incluso ofrecen la posibilidad al usuario de hacer visitas virtuales, como el Museo Nacional de Arte Romano en Badajoz o el Museo Guggenheim en Bilbao.

https://telos.fundaciontelefonica.com/url-direct/pdf-generator?tipoContenido=articuloTelos&idConteni...

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Historia arte contemporaneo:

El arte contemporáneo, explicado técnicamente, es un concepto que se utiliza paradenominar de manera general a las expresiones artísticas originadas durante el siglo XX, es decir, de una manera más coloquial podríamos decir que el arte contemporáneo es el que está realizado en nuestra época, pero esto es dependiendo de la persona que hable de él ya que hay varias formas de entender este concepto. Para algunas personas este concepto surgió en las última década, para otros este concepto se creó en la Segunda Guerra Mundial (1945), también hay personas que creen que este concepto se desarrolló en la Edad Contemporánea (finales del siglo XVIII). Por lo tanto, todo depende de quién utilice este concepto ya que mucha diversidad de opiniones en el origen de este concepto. Aunque definición más general de este concepto es que nació en el último siglo. Criterios para determinar cuando es arte contemporáneo PublicidadUno de los criterios juzga como contemporáneo aquel arte surgido a partir de la eclosión vanguardista de los inicios del siglo XX. Estas propuestas artísticas, se distinguieron por presentar una serie de ideas que revolucionaron la institución del arte, como la ruptura con los modelos tradicionales o su carácter crítico y experimental, tenemos de ejemplo los movimientos artísticos contemporáneos como el fovismo, el expresionismo, el cubismo, el futurismo, el neoplasticismo, el dadaísmo y el surrealismo.

Otro criterio utilizado para las manifestaciones contemporáneas es aquel que toma como punto de partida el inicio de la Postmodernidad, que va de finales de la década del 60 e inicios de los años 70, o el fin de la segunda guerra mundial, en 1945. Este arte contemporáneo está formado por movimientos como el arte pop, el nuevo realismo francés, el arte povera, el arte conceptual, el minimalismo y el expresionismo abstracto, así como con el hiperrealismo, la neofiguración, las instalaciones o la deconstrucción.

Y por último criterio tenemos el que vincula el inicio del arte contemporáneo con el principio de la Edad Contemporánea, a finales del siglo XVIII con la revolución francesa.

El Arte Contemporáneo: Un antes y un después El arte contemporáneo viene de finales del S. XIX, este concepto creado en el siglo XX fue el resultado de arrastrar varias técnicas del siglo XIX, es más se considera que el principal punto de partida de este nuevo concepto fue del Impresionismo y el Postimpresionismo. Se dice esto porque de esos movimientos artísticos se desarrolló las vanguardias más famosa y conocida del Siglo XX. Entre esas vanguardias podemos encontrar: el fauvismo, el constructivismo, el neoplasticismo, el cubismo, el expresionismo, el surrealismo, el futurismo y el dadaísmo. Todas estas corrientes tienen una serie de elementos comunes en su ideología, pero no en lo estilístico, tienen un punto en común y es la pasión de innovar y conceder al arte un espacio muy distinto al que poseía antes.

Por ello podemos decir que, el arte contemporáneo se caracteriza por tener una conciencia de grupo dentro de cada uno de ellos y lo dejan reflejado en sus respectivos manifiestos. Niegan el pasado y buscan un nuevo lenguaje expresivo basado en una visión diferente de la realidad, a la que ya no imitan, interpretan. El deseo de novedad los lleva a experimentar con el color, las formas y la composición, es querer encontrar una nueva manera de expresión que no encaje con todo lo que se había hecho hasta ese momento. Así pues comenzó a desarrollar un sinfín de formas nuevas y a comenzar desde un espacio nuevo donde la forma y el color adquirieron propiedades fuertes.

El arte contemporáneo del Siglo XX En el Siglo XX el arte rompe con todos los conceptos tradicionales y crea unas características nuevas y en definitiva esenciales. En cualquier obra contemporánea podremos observar que la personalidad del hombre es un objeto de disputa ya que el artista puede disfrutar de una libertad completa, en la libertad completa también tenemos que meter a los poetas y pensadores que tendrán que interpretar la realidad y enseñar el camino al futuro. Las técnicas usadas en el arte contemporáneo pone al artista en una postura de ser capaz de interpretar todo, pero el arte se expresará mediante la irracionalidad producida por la insatisfacción y la intranquilidad.

Es evidente que la libertad de crear e proyectar cualquier posibilita al artista cualquier tipo de exceso. Estos excesos van desde los creativos, dentro de este grupo podemos encontrar a las vanguardias denominadas como arte degenerado, hasta los productos artísticos del consumo colectivo que por otro lado varios expertos del arte lo califican como de “muy mal gusto”

Vanguardias históricas del arte contemporaneo El fauvismo: se identifica por la sustitución de la paleta de tonos naturalistas empleada por los impresionistas por un fuerte colorido y un dibujo de trazo muy marcado para crear un mayor énfasis expresivo.

El impresionismo: se valora los contenidos y las actitudes emocionales, es una expresión del propio yo, con una composición desgarrada y un color más violento y contenidos simbólicos.

El cubismo: se destaca por la superficie plana y la bidimensionalidad del lienzo y propone una forma de perspectiva que se basa en la multiplicidad de los puntos de vista. Tiene una primera etapa llamada cubismo analítico, donde los artistas buscaban la descomposición de las formas tridimensionales en elementos geométricos y una segunda etapa llamada cubismo sintético que se desarrollan experiencias con el collage.

El futurismo: es un estilo llamado cubismo dinámico porque los artistas se interesaban por la representación del movimiento y la velocidad a través de la repetición rítmica de líneas e imágenes.

El neoplasticismo: tiene un método que parte de la utilización de líneas rectas que delimitan rectángulos de colores primarios, los artistas quieren destacar la bidimensionalidad de la superficie para expresar su ideal basado en la pureza del arte.

El dadaismo: representa la antítesis del racionalismo y de la abstracción, que surgió durante la Primera Guerra Mundial como una forma de protesta ante los cánones estéticos dominantes, querían representar la libertad absoluta, lo inmediato, la contradicción y la espontaneidad de dadaísmo buscaban derrocar las leyes de la lógica un pensamiento inmóvil, los conceptos abstractos, lo universal y la eternidad de los principios, el caos sobre el orden y romper las fronteras entre el arte y la vida.

El surrealismo: se trataba de ir más allá de la realidad visible asegurando la superioridad del subconsciente y daban importancia a los sueños en la creación artística.

El constructivismo: se origina en Rusia, desde donde empieza a involucrarse a otros lugares de Europa, hasta llegar algunos años después a Latinoamérica, de donde nos vemos muy influenciados. Este movimiento se caracteriza por ser muy abstracto, por lo que se recurre generalmente a figuras geométricas y muy bien definidas.

Etapas del arte contemporáneo en el S.XX

Etapas del arte contemporáneo Podemos observar estas etapas a través de los años entre las que están:

El informalismo: en paralelo eón el expresionismo abstracto de Estados Unidos y abarca todas las tendencias abstractas y gestuales desarrolladas en francia y en el resto de Europa después de la Segunda Guerra Mundial. Se distinguen varias corrientes diferentes como la abstracción lírica, la pintura matérica , la Nueva escuela de París, el tachismo, el espacialismo o el art brut.

El Pop: fue un movimiento artístico del S.XX su característica más importante es el empleo de imágenes de la cultura popular, como los anuncios publicitarios, cómic books, el mundo del cine, entre otros. El arte pop, buscaba utilizar imágenes populares en oposición a la elitista cultura de bellas artes, resaltando lo banal a través del uso de la ironía.

Desconstrucción y Postmodernidad: se caracteriza por su oposición al proyecto del arte moderno visto como una evolución, como un reflejo de la sociedad que lo envuelve y lo genera rechazando el principio programático del arte de vanguardia, asumiendo el fracaso de los movimientos de vanguardia, siendo un arte autorreferencial, el arte habla del arte, sin pretender hacer una labor social

https://tiposdearte.com/que-es-el-arte-contemporaneo/

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Dibujo:

El dibujo es el arte visual de representar algo en un medio bi o tridimensional mediante diversas herramientas y/o métodos. El dibujo convencional se realiza con lápiz, pluma, grafito o crayón, pero existen múltiples técnicas y posibilidades asociadas al dibujo.

Artístico: en este tipo de dibujo se expresan las ideas del artista, haciendo uso de diferentes técnicas, como la perspectiva, e incluso de materiales, ya uqe existe una extensa variedad de lápices y otros elementos para dibujar, como el carboncillo.

Técnico: este segundo tipo es utilizado para hacer representaciones de diferentes cosas, por ejemplo planos de arquitectura o dibujos topográficos. En el dibujo técnico la principal intención es representar de la mejor forma posible, de la más exacta, las dimensiones y la forma de un objeto determinado. Es la clase de dibujo que utilizan los profesionales en su trabajo (ingenieros, arquitectos, geólogos, etcétera). A su vez, el dibujo técnico tiene cuatro clasificaciones: natural, continuo, industrial y definido.

http://concepto.de/dibujo/#ixzz4dW19uM75

http://www.definicionabc.com/general/dibujo.php

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Diseño:El diseño es constituido por trazos o una delineación con el fin de proyectar un objeto u obra. También, es la disciplina que se encarga de la creación de obras u cosas como edificios, figuras, entre otros.

La palabra diseño está tomada del italiano, pero en castellano existe la palabra "designio", cuyo origen proviene del latín designare, compuesta por de y signare que significa “dar nombre o signo a algo”, de igual forma, proviene la palabra diseñador.

Diseño grafico:

El diseño gráfico también conocido como diseño en comunicación visual es una disciplina y profesión que tiene como fin realizar, proyectar, idear mensajes con objetivos claros y determinados a través de la imagen.

El diseño gráfico se observa en diversas áreas como: el diseño publicitario, el diseño editorial, el diseño de identidad corporativa, el diseño multimedia y web, diseño tipográfico, la cartelería y señalética, entre otros. Uno de los programas más usados para la edición y tratamiento de las imágenes es el Photoshop.

Diseño arquitectonico:

El diseño arquitectónico es la disciplina que tiene por objeto crear propuestas e ideas para la elaboración de espacios físicos encuadrados dentro de la arquitectura. Actualmente, el diseño arquitectónico debe satisfacer las necesidades de espacios habitables para el ser humano, tanto en lo estético como en lo tecnológico.

El diseño arquitectónico establece ciertas etapas: en primer lugar, identificar los componentes del sistema y sus requerimientos particulares; en segundo lugar, convertir a formas útiles todo lo establecido en el programa de diseño arquitectónico; en tercer lugar, diseñar una aproximación del objeto tomando en cuenta: los criterios estructurales, el presupuesto, la función, la forma y en algunos casos la tendencia actual; por último, ordenar los elementos del diseño que fueron establecidos anticipadamente en el programa de diseño.

Diseño web El diseño web consiste en la planificación, diseño y ejecución de sitios web. Para el diseño de una página web se debe: en primer lugar, diseñar la información que se desea publicar; en segundo lugar, establecer la relación jerárquica de las páginas del sitio web a través de hipertexto o HTML y, por último, mejorar o perfeccionar la estructura del contenido de la página web para mejorar la posición en determinadas búsquedas también llamado SEO (Search Engine Optimization). Diseño experimental El diseño experimental permite identificar, cuantificar las causas de un efecto dentro de un estudio experimental. En el diseño experimental se puede transformar 1 o más variable en relación a las causas con el fin de medir el efecto que tienen en otra variable de interés.

El diseño experimental se aplica en la industria, la agricultura, la medicina, la ecología, etcétera.

Diseño curricular El diseño curricular es la metodología que contara el plan de estudio en base a las necesidades de los estudiantes para un desarrollo integral y del campo disciplinar. En referencia a lo anterior, el diseño curricular permite identificar contenidos, cronograma, evaluación y procesos de enseñanza y aprendizaje.

El diseño curricular debe de ser dinámico, participativo y continuo.

https://www.significados.com/diseno/

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MANEJO DE DIFERENTES TECNICAS:

El carboncillo: es el método artístico más antiguo que se

conoce y el de composición más simple, pues consiste en unos palos de madera

(ramitas de vid, sauce o nogal son las más utilizadas) que hemos carbonizado.

Su uso es muy flexible porque mancha con gran facilidad, proporcionando trazos

amplios y la posibilidad de cubrir grandes superficies sombreadas. Por sus

cualidades expresivas permite plasmar la atmósfera, la luz e incluso el color

en los temas realizados con este material.

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Sepia: sepia, ocre sepia, marrón sepia o pardo sepia es un color rojo anaranjado oscuro, de tonalidad pardusca, que corresponde a la coloración del pigmento obtenido de la tinta de la sepia o jibia, un cefalópodo marino similar al calamar.

Históricamente, para la obtención de los pigmentos sepia se ha preferido la sepia común (Sepia officinalis), que se pescaba en el mar Adriático y cuya tinta se usó al menos desde la antigüedad romana. La «tinta» de la sepia es una secreción marrón negruzca que el animal retiene en un órgano especial en forma de bolsa, expulsándola en caso de amenaza, a fin de oscurecer el agua y confundir a sus depredadores.

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Sanguina: La sanguina es una técnica pictórica basada en una variedad de óxido férrico llamada hematites, que se presenta bajo la forma de polvo, barra o placa. Puede tener distintas tonalidades, todas ellas en la gama del rojo -de ahí su nombre, ya que recuerda a la sangre-, desde el rojo anaranjado hasta el rojo pardo violáceo. Llamada antiguamente sinopia –por la ciudad turca de Sinope, de donde procedía la hematites-, fue utilizada en principio para dibujos preparatorios del fresco: el trazado de sanguina era aplicado directamente sobre el revestimiento del muro que se iba a pintar. La sanguina se convirtió en técnica de dibujo propiamente dicha a finales del siglo XIV.

las tres técnicas:http://orlandoanacona.blogspot.com.co/2013/04/tecnicas-de-dibujo-artistico.html