Análisis de la película Her de Spike Jonze

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HER

NO HAY ANTAGONISTA

Título original: Her

País: Estados Unidos

Año: 2013

Dirección: Spike Jonze

Guión: Spike Jonze

Reparto: Joaquin Phoenix, Amy Adams, Scarlett Johansson

Género: Ciencia ficción, Drama****, Comedia

La idea de esta película se puede resumir en una frase: humanos estableciendo relaciones sentimentales con la inteligencia artificial de sus dispositivos móviles.

Las localizaciones, ambientación que vemos en algunos planos son una delicia para los sentidos, consiguiendo que te quedes embobado ante el paisaje (urbano y natural) que la película despliega delante de nuestros ojos. Esta cualidad se potencia, aún más, con la banda sonora, entre los que podemos encontrar a Arcade Fire, The Breeders o Nickodemus.

Cualquiera que tenga un interés por la tecnología y cómo ésta afecta a la sociedad debe ver esta película, siendo capaz detener la vorágine tecnológica en la que estamos inmersos y abrir un agujero por el que mirar a nuestro futuro más inmediato, y eso se agradece.

PLANOS

Durante la película Theodore interactúa con diferentes personajes y vale la pena prestar atención a cómo el tipo de plano y encuadre varía según su relación con ellos. El ejemplo más evidente quizás sea el del personaje de Amy, interpretado por Amy Adams, su vecina y amiga. En los primeros compases Amy vive con su novio Charles, por lo que se presenta principalmente a través de planos medios, con una cierta distancia debido a la necesidad de incluir a su pareja en el encuadre. Podría decirse que fuesen un sólo ente y deben presentarse siempre en compañía, impidiendo la intimidad entre Theodore y Amy. Hay un breve momento en el que ambos conversan a solas, aún con un plano medio, pues en cuanto van a comenzar a hablar de cuestiones más personales aparece Charles, desapareciendo esa sensación de cercanía y dando paso a otra conversación, como si la anterior nunca hubiese existidO.

Posteriormente Amy acaba su relación con Charles y desde ese momento se produce un progresivo acercamiento entre Theodore y ella mientras se afianza su amistad. Esto se refleja en la utilización de primeros planos en sus conversaciones, utilizando encuadres que los presentan como iguales, o incluyéndolos a ambos en un mismo plano pero respetando su individualidad, quedando uno fuera del enfoque. Esta cercanía se va cimentando hasta llegar al plano final donde se revierten algunas de éstas constantes. Ambos están juntos, permitiéndose incluso el contacto físico, pero se les presenta desde un plano alejado que nos permite ver la gran cantidad de espacio que hay a su alrededor. De esta manera parecen haber salido de una burbuja, donde la cercanía y la intimidad ya no limitan el espacio de cada uno.

Esa imagen contrasta directamente con la cita a ciegas que tiene Theodore durante la película con una chica interpretada por Olivia Wilde. La cena se resuelve mediante un habitual intercambio de sencillos planos y contraplanos. Ambos se están conociendo y se muestran desinhibidos y naturales. Sin embargo tras la cena pasan a intimar más hasta besarse apasionadamente en la calle. La cercanía física entre ambos, algo que parecen desear, se refleja en la manera de rodar, utilizando primeros planos muy cercanos en los que la cámara parece estar a punto de interponerse entre ambos en busca de la cercanía al rostro. Esto hace que apenas quede espacio para otra cosa que no sean sus rostros, produciendo una sensación de agobio que da al espectador una pista de lo forzado e incómodo de la situación, advirtiendo que la situación no es tan idílica como puede parecer y algo no marcha bien entre ambos, como demuestra la resolución de la escena.

Pero sin ninguna duda la relación más cercana y sincera es la que desarrolla Theodore con Samantha, a pesar de que ella no sea un ser humano. Ambos hablan continuamente contándose sus intimidades, miedos y deseos más profundos, sin que parezca haber secretos entre ellos. Uno de los momentos cumbre de la película llega cuando ambos tienen su primera relación sexual, obviamente no de manera ortodoxa sino mediante una conversación. El tono de la conversación va aumentando hasta que la pantalla funde a negro y nos quedamos a solas con sus voces. No hay espacio en el que integrarse ni presencia física de ambos, y sin embargo parecen haberse fundido junto con la pantalla. Alcanzan así la intimidad definitiva, sin nada que pueda limitarlos pues todo queda al servicio de la imaginación. Un hermoso gesto para definir una gran historia de amor.

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BOLIVIA

Año

2001

País

Argentina

Director

Adrián Caetano

Reparto

Freddy Flores, Rosa Sánchez, Óscar Bertea, Enrique Liporace, Marcelo Videla, Alberto Mercado, ...

Género

Drama | Inmigración

En Argentina existe la discriminación hacia los peruanos, bolivianos, paraguayos, etc., y esta película la retrata muy bien, al punto de que nos muestra la cara más horrible de este asunto.

Me he sentido identificado con ese pobre muchacho que deja a su familia, mujer e hijos en su Bolivia natal, y llega a Buenos Aires con la sola intención de encontrar una oportunidad por mísera que sea.

Desde ese lugar de humildad tiene que aguantar las prepotencias de los argentinos, que no tienen reparos en humillarlo toda vez que pueden.

Un film sencillísimo, cuya única finalidad es capturar esos momentos de miseria, decadencia y soledad de los personajes: el dueño del bar, sus dos empleados, y sus clientes.

Todos tienen vidas difíciles, todos sufren sus propios problemas, todos tienen motivos para no ser felices. Aunque en esta historia quienes peor lo llevan son los inmigrantes.

Filmada en 16mm y no en 35mm, como las películas usuales, debido al alto costo de este tipo de celuloide, y en blanco y negro, Bolivia es una película chica pero a la vez muy grande

Sin embargo, Bolivia parece -debido a la imparcialidad y la frialdad de su puesta en escena- haber sido hecha sin nadie detrás de ella, sin que nadie haya ido creándola, como si solamente se hubiera ido a un bar y filmado lo que pasaba allí, sin intervención de un director de cine.

Este es el gran truco del cine realista de más alto valor artístico. Generar la sensación de estar capturando la realidad y sus hechos allí mismo, cuando suceden, cuando en realidad todo es producto del conocimiento, dominio y aplicación de los códigos y normas que hacen a la concreción de una representación casi documental o realista del tema tratado.

PLANOS

El film comienza con distintos planos del bar donde trabajará Freddy; el reloj, la tradicional parrilla, los vasos, algunas fotos de momentos memorables del fútbol argentino, un cartel que dice “se necesita parrillero”, y la voz de Enrique que indica el funcionamiento y las tareas al nuevo empleado, describen el espacio de ese tradicional bar donde se desarrollará gran parte de la trama. Esta secuencia de planos se cierra con un diálogo: Enrique pregunta “¿Y aprendiste a hacer asados allá en Perú?”; Freddy responde: “No, yo no soy peruano, soy boliviano.” Aquí Freddy reafirma su origen, acto necesario para quien, al cruzar las fronteras, su identidad se hace difusa, se confunde; no importa quién soy, lo cierto es que no pertenezco a este lugar. La música de Los kjarkas –propia de Bolivia- y el partido de fútbol entre Argentina y Bolivia, suceden a esta escena. ¿Dónde se plasma la diferencia entre argentinos y bolivianos? ¿En el fútbol? ¿En la música? Esta pregunta que estará presente a lo largo del film.

Este cortejo sucede fuera del lugar de trabajo y ellos son los dos únicos personajes que la cámara sigue por fuera del bar. Son quienes logran salir de ese espacio claustrofóbico y ser algo más que simples empleados que responden ante los mandatos del patrón. Aunque quizás esa salida no sea para encontrar un mejor lugar, Freddy va a hablar por teléfono a su país y se encuentra con un ambiente hostil; se aprovechan de él al cobrarle casi el total de su jornal -que de por sí no es mucho-; camina por una calle de Buenos Aires en la noche y es interpelado por la policía –de civil-; le piden documentos, revisan sus cosas, lo interrogan y amenazan; duerme en la mesa de un bar, encontrándose en la misma situación que algunos clientes que él mismo tuvo que echar horas antes del lugar donde trabaja. Escenas que quizás resulten naturalizadas para quienes viven en la Argentina, donde el “morochito” es sospechoso y el recién llegado vulnerable y excluido a la vez.N

La cámara pocas veces se asoma a un afuera del bar. Presenta un espacio cerrado cargado de una permanente circulación de miradas, de manos que intercambian comida, dinero, droga y el control remoto del televisor. Todo se posiciona en un mismo nivel, una síntesis de un austero mercado donde no hay intervención, nada es regulado pero todo tiene cierto orden y cada personaje cumple un rol determinado: el dueño del bar, el empleado, la moza, el cliente y el televisor. Esa austeridad, también está presente en la composición de la imagen; filmada en blanco y negro, con una textura porosa y gastada, donde nada brilla. Se restringen los datos que brinda la imagen. Hay una doble economía, por un lado la filmación en 16 mm en blanco y negro que tiene un menor costo de producción y, por el otro, se reduce el tiempo invertido en puesta en escena –decorados, iluminación, vestuario, maquillaje-. Aquí, por intención o por azar, la sencillez y la sobriedad están presentes en la trama, en la composición de los personajes, como también en la puesta y la filmación.

los personajes: en el desarrollo de la trama todos son tomados de la misma manera, a partir de un plano medio4 . No encontramos encuadres que marquen alguna particularidad de los mismos, ni contrapicados que nos demuestren superioridad de un personaje sobre otro; ni tampoco lo contrario, inferioridad de uno sobre otro. Es cierto que podemos decir que en la dinámica del cotidiano cada personaje cumple un rol determinado, pero resulta imperioso preguntarnos qué aspectos de la vida del Oso o de Marcelo o de Enrique son diferentes a los de Freddy. Todos comparten ese espacio de austeridad del que hablábamos antes, consumen lo mismo, tienen deudas, viven la crisis económica.

La única cámara subjetiva en toda la película5 se plantea cuando el Oso dispara desde el taxi, provocando la muerte de Freddy. A través de los ojos del personaje, el espectador es ubicado en la posición de un sujeto que al no soportar la diferencia la elimina.

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DOS DIAS, UNA NOCHE

Fecha de estreno 24 de octubre de 2014 (1h 35min)

Dirigida por Jean-Pierre Dardenne, Luc Dardenne

Reparto Marion Cotillard, Fabrizio Rongione, Catherine Salée más

Género Drama

Paises Francia, Bélgica, Italia

historia individual con la que pueden identificarse miles de personas

En el cine de los Dardenne, los protagonistas suelen verse encarados a un conflicto ético en un escenario de precariedad social. En Dos días, una noche no es tanto la protagonista como su entorno quien se enfronta a un dilema. La película podría haberse estructurado en torno a la disyuntiva a la que se ven abocados los colegas de Sandra: decidir entre el compañerismo laboral o el estatus social. Pero a los directores no les interesa encarar el film hacia este camino, ni mucho menos elaborar un discurso moralista y aleccionador al respecto. Por el contrario, acompañan a Sandra para escuchar todas y cada una de las razones de los trabajadores que, por las circunstancias del momento, quizá no se pueden permitir el lujo de renunciar a un extra del sueldo aunque ello repercuta en otra compañero.

Hablar de los Dardenne es hablar de cine social. En su filmografía.

Un género caracterizado por la crítica y la denuncia de la sociedad desigual e injusta en la que vivimos y más ahora donde la crisis económica está tan presente. Una crisis que afecta ferozmente en el ámbito laboral, empresas que por una bajada sustancial de la producción despiden a sus trabajadores, con lo que supone quedarse en paro y la gran dificultad de volver a encontrar un trabajo capaz de cubrir la gran cantidad de gastos. Los Dardenne aprovechan la difícil situación actual para explicar la historia de una mujer que pide a sus compañeros de trabajo que rechacen una prima y así evitar que la despidan.

Los Dardenne otorgan a la película una estructura reiterativa, el discurso de Sandra se repite (en ocasiones incluso de manera exacta) una y otra vez con el objetivo de cambiarles la opinión para no perder un empleo que le complicaría en exceso llegar a fin de mes. Dicha repetición que se corresponde con el planteamiento de la película, no llega a hacerse cansina, las respuestas de sus compañeros son mucho más que unos simples ‘sí’ o ‘no’, ya que muestran en qué situación se encuentran. Personas a las que esos 1000 € extra les sirve para cubrir gastos diversos y en algunos casos ayudan cuando sólo es un miembro de la familia el que está trabajando.

consigue indirectamente es que el público se identifique con la situación de Sandra y se ponga no sólo en su lugar, sino que reflexione qué decisión tomaría si fuese uno de sus compañeros.

Fabrizio Rongione, habitual en la filmografía de los Dardenne, que interpreta a Manu, el marido de Sandra, que tiene el objetivo de motivar a su mujer para que busque concienciar a sus compañeros, un personaje que puede considerarse como un antidepresivo para Sandra, mucho más sano que un medicamento.

PLANOS

Como en la inmensa mayoría de películas de los Dardenne, la trama es sencilla, y como en casi todas ellas, siendo necesaria, no es lo esencial

Olivier Gourmet), fuera de plano en toda la película pero omnipresente en los diálogos, hasta el momento del desenlace

Binoche, Isabelle Huppert ó Catherine Deneuve, siempre talentosas sin demasiados adornos, por algo tiene un Oscar. Ella soporta todo el peso de la película, acaparando el 90% de los planos.

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El JEFE DE TODO ESTO

País

Dinamarca

Director

Lars von Trier

Guion

Lars von Trier

Música

No tiene

Fotografía

Lars von Trier

Reparto

Jens Albinus, Peter Gantzler, Louise Mieritz, Iben Hjejle, Mia Lyhne, Henrik Prip,Casper Christensen

Productora

Coproducción Dinamarca-Suecia-Francia; Zentropa

Género

Comedia | Trabajo/empleo. Dogma

Pero no hay que engañarse, porque el verdadero jefe de todo esto es Lars Von Trier, en esta comedia sobre las relaciones laborales y la figura del actor. Lars no sólo no se oculta como su personaje, sino que en un acto narcisista, se mete en la pelí­cula a través de la voz en off en tres ocasiones. Al principio de la peli, donde nos avisa de que vamos a ver una comedia ligera y cuyo único propósito es hacernos pasar un buen rato, hacia la mitad, con la presentación de un nuevo personaje y dando su visión sobre la estructura de la comedia clásica, y al final, despidiéndose de nosotros.

Sven a su vez va descubriendo los errores que comete Ravn, y la venta de la empresa a los finlandeses inicialmente fracasa. Ravn, que desea fervientemente vender la empresa, despide a todo el personal, escondiéndose tras Sven, el supuesto jefe. Inesperadamente, Sven afirma que el “verdadero dueño” está en USA, y cómicamente, todos lo aceptan, lo perdonan, lo quieren. Tras un conmovedor discurso de Sven, Ravn acepta ser el auténtico dueño, y cancela la venta, pero Sven, quien a efectos legales aún es el dueño, firma la venta de la empresa tras indignarse por una burla a Antonio Gambini.

PLANOS

Planteada en un inicio para ser rodada dentro de la doctrina Dogma, Lars finalmente descartó esta opción, ya que cada vez le cansa más utilizar la cámara al hombro. En cambio, ha utilizado lo que él denomina técnica de Framing, que consiste en colocar la cámara fija en un punto de la escena, sin que haya nadie detrás del objetivo, por lo que en muchos momentos los actores quedan partidos por la mitad, y algunos elementos no quedan encuadrados. No utiliza el fuera de campo con sentido narrativo, sino básicamente estético, para mí­, antiestético.

El prota quiere hacer de cada momento una gran interpretación, ser el centro de atención.

Von Trier, presenta un detalle innovador y atípico, en esta ocasión es su creación AUTOMAVISION, un elemento o mejor dicho sistema, un recurso innovador respecto a las tomas y enfoques presentados que nos brinda otra perspectiva para apreciar el filme, y que, por supuesto, generará opiniones divididas en su apreciación, pero es normal, es un filme de Lars Von Trier.

El elemento sorpresa de esta película es su innovador sistema Automavision, en el que cambia constantemente de enfoque, pues las tomas finales del filme son decididas por azar, una vez hechas todas las numerosas tomas desde los diversos ángulos y cámaras, es el azar el que decide el orden en que irán en la secuencia final.

Este sistema crea un efecto de ambiente casi lúdico, impredecible, omnipresente. Así es realizada la totalidad del filme, salvo cuatro secuencias justificadas con narración de Von Trier. Von Trier es un demente, cada película suya es una novedad, un debate, es irreverencia, Automavision llega a crear momentos de verdadero delirio. Entrando en la historia misma, a parte de la evidente sátira a la cultura laboral yanqui ilustra el odio de daneses y finlandeses, y mantiene la comicidad hasta el final, la imprevisibilidad y ridículo hasta el final. Inevitablemente, unos la llamarán mamarracho, marcianada, disparate, yo me limitaré a decir, buena comedia, Lars.

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OLDBOY

Año Protagónico: Yoo Ji-Tae como Lee Woo-Jin:

2003

País

Corea del Sur

Director

Park Chan-wook

Reparto

Choi Min-sik, Yu Ji-tae, Kang Hye-jeong, Ji Dae-han,Oh Dal-su, Kim Byeong-ok, ...

Género

Thriller. Intriga | Secuestros / Desapariciones. Venganza. Manga. Película de culto

La venganza en el cine es un recurso muy utilizado y que ha dado pie a grandes películas, porque permite una gran variedad de consecuencias dramáticas y un acercamiento casi automático del espectador hacia el personaje, al que comprende con un par de destellos (comprende, que no justifica).

Oldboy', el realizador nos pone en la piel de un hombre que se comporta, en más de una ocasión, como un animal, un ser irracional que funciona a través de estímulos y que no piensa lo que hace, su venganza, su objetivo, está en su mente porque es la respuesta que su organismo le obliga a cumplir.

Como decía antes, si algo destaca de 'Old Boy' es su estética, su inmejorable estética. La película goza de una apabullante fuerza visual que consigue arrastrar al espectador al mismo infierno/cielo que vive Daesu en todo momento, disfrutando de unas imágenes bellísimas (por mucho que la mayoría impliquen tragedia).

Estamos ante una de esas cintas en las que independientemente de cuándo pulses "pausa", te queda un fotograma digno de enmarcar. Y es que Chan-Wook exprime al máximo cada fotograma,

El montaje también resulta clave en la película, siendo la película una especie de puzzle donde hasta que no pongas piezas importantes en su sitio, no vas a comprender el conjunto; igualmente, resultan llamativas secuencias donde se juega partiendo la pantalla, mostrando dos caras de la misma realidad

PLANOS

En conclusión, elegí esta escena porque la primera vez que la vi me dejó muy sorprendido. No es nada usual encontrarse planos secuencia en películas de acción, y menos aún si se trata de una lucha y con tantos personajes implicados. Sin embargo el director consigue que el resultado sea muy poderoso tanto visualmente como narrativamente, y que el espectador se mantenga hipnotizado por las imágenes sin pensar en otra cosa que no sea el posible final del protagonista.

A pesar de que es uno de los momentos más identificados con la influencia de los videojuegos, lo cierto es que no era la intención de su director, según él mismo ha proclamado. Lo que no quiere decir que, inconscientemente, no hubiera asimilado la iconografía visual de los juegos de de lucha en dos dimensiones, como Street Fighter

PLANOS

Chan-wook comienza a tomarse su tiempo con flashbacks que nos llevan a la crucial infancia de Oh Dae-su, y lo que parecí­a una venganza en blanco y negro comienza a tomar tintes más grises que demuestran que el ser humano es capaz de moverse en un espectro moral muy amplio, donde ya no te queda tan claro qué es bueno y qué es malo.