PLAN LECTOR

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PLAN LECTOR

Título del artículo que acaba de leer

¿Según el libro “lecturas sobre danza y coreografía” quien fue la primera licenciada en Historia del Arte y la segunda en Bellas Artes?

¿La danza se ha consolidado como carrera propia? Justifique su respuesta

¿Qué sucede con los textos publicados en los últimos treinta años?

¿El libro que está proponiendo la escritora es para qué clase de público?

¿De qué época Vicente Escudero toma los momentos artísticos?

Escriba la biografía de 5 escritores o personajes de la lectura, con su imagen

¿Qué conclusión tiene acerca de lo leído?

Resumen de la lectura

Escriba una frase que le haya llamado la atención de la lectura

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SOLUCIÓN PLAN LECTOR

LEER, BAILAR, ESCRIBIR

Licenciadas: Amparo Écija licenciada en Historia del

Arte y Isabel de Naverán licenciada en Bellas Artes.

La danza no se ha consolidado como carrera propia, porque no la consideran como profesional sino mas bien como costumbre o cultural.

Diversidad de textos publicados en los últimos treinta

años están aún sin lograr traducirse.

Un libro para estudiantes, investigadores y artistas, ademas las personas que les fascina pensar que leer y escribir.

Esta expresion artística coincide con la guerra civil española ocurrida el 17 de julio de 1936-1 de abril de 1939

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VICENTE ESCUDERO

Vicente Escudero Urive (Valladolid, 27 de octubre de 1888 -

Barcelona, 4 de diciembre de 1980) fue un bailarín y coreógrafo de flamenco

español; teórico de la danza, conferenciante, pintor, escritor; y

ocasionalmente actor cinematográfico y cantautor.

Nacido en el seno de una familia humilde —su padre era

zapatero—, Vicente Escudero dio sus primeros pasos de baile siendo todavía un

niño sobre las tapas de las alcantarillas de su barrio de San Juan. Ya de

adolescente, y con una formación totalmente autodidacta, combinó las

actuaciones en locales de la ciudad y provincia con trabajos como linotipista

en varias imprentas. Años más tarde, decidió ir al Sacromonte a aprender de los

maestros gitanos y, poco después, se vio con la confianza suficiente para

empezar a actuar en los cafés de Madrid. Consiguió entrar en el Café de la

Marina, en la calle de los Jardines, 21, pero allí duró solo tres días, porque

aunque su baile gustó al público, sus compañeros se plantaron al verse

incapaces de seguir su palmeo anárquico, como él mismo reconoció tiempo

después: «en realidad tenían razón, ya que entonces se llevaba un ritmo medido

y cualquier variación en el sonido de las palmas o el compás desorientaba a

todo el mundo». Este fracaso le llevó a pasar una temporada dando tumbos por

España, hasta que fue a dar con Antonio de Bilbao en el Café Las Columnas de

aquella ciudad. Antonio le acogió como discípulo, y con sus enseñanzas le

introdujo en los secretos del flamenco.

Su estilo puntero y artístico, con el que popularizó el

flamenco, era fiel a la pureza y tradición, con total apego a sus técnicas y

normas.2 Se esforzó, además, por dar al baile flamenco una autenticidad basada

en la reciedumbre y la virilidad. En su Decálogo del buen bailarín, difundido en

la sala El Trascacho de Barcelona en 1951,2 Vicente Escudero dejó claro lo que

el consideraba fundamental para su estilo de bailar:

Bailar en hombre.

Sobriedad.

Girar la muñeca de dentro a fuera, con los dedos juntos.

Las caderas quietas.

Bailar asentao y pastueño.

Armonía de pies, brazos y cabeza.

Estética y plástica sin mistificaciones.

Estilo y Acento.

Bailar con indumentaria tradicional.

Lograr variedad de sonidos con el corazón, sin chapas en los

zapatos, sin escenarios postizos y sin otros accesorios.

https://es.wikipedia.org/wiki/Vicente_Escudero

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Vaslav Nijinsky

Vaslav Nijinsky (ruso: Вацлав Фомич Нижинский, transliterado

Vátslav Fomich Nizhinski; Kiev, Ucrania, Imperio ruso, 12 de marzo de 1890 - Londres,

8 de abril de 1950) fue un bailarín de ballet y coreógrafo ruso de origen

polaco.

Nijinsky fue uno de los más dotados bailarines en la

historia, y se hizo célebre por su virtuosismo y por la profundidad e

intensidad de sus caracterizaciones. Podía realizar el en pointe (en:Pointe

technique), una rara habilidad entre los bailarines de su tiempo (Albright,

2004) y su habilidad para realizar saltos que parecían desafiar la gravedad fue

también legendaria.

Nació en Kiev en una familia de bailarines polacos

rusificada; pese a su pobre conocimiento del polaco, se consideraba a sí mismo

un polaco.[cita requerida] En 1900 se unió a la Escuela del Ballet Imperial,

donde estudió con Enrico Cecchetti, Nicholas Legat y Pável Gerdt. A los 18 años

tenía papeles principales en el Teatro Mariinski.

Un momento decisivo para Nijinsky fue su encuentro con

Serguéi Diáguilev, un miembro de la élite de San Petersburgo e importante

patrón de las artes, que promovía el arte visual y musical de Rusia en el

extranjero, particularmente en París. Nijinsky y Diáguilev se hicieron amantes,

y Diáguilev comenzó a involucrase en dirigir la carrera de Nijinsky. En 1909

Diáguilev llevó una compañía a París, con Nijinsky y Anna Pávlova en los

papeles estelares. El espectáculo tuvo gran éxito e incrementó las reputaciones

tanto de los papeles estelares como de Diáguilev en los círculos artísticos de

Europa. Diáguilev creó Les Ballets Russes en sus inicios, y con el coreógrafo

Michel Fokine, hizo una de las compañías más conocidas de su tiempo.

https://es.wikipedia.org/wiki/Vaslav_Nijinsky

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Mary Wigman

Mary Wigman, nombre artístico de Karoline Sophie Marie

Wiegmann (Hannover, 13 de noviembre de 1886 - Berlín, 19 de septiembre de 1973)

fue una bailarina alemana, principal musa de la danza expresionista.

Estudió con Rudolf von Laban y tuvo estrechos contactos con

el grupo expresionista Die Brücke, mientras que, durante la Primera Guerra

Mundial, se relacionó con el grupo dadaísta de Zúrich. Para ella, la danza era

una expresión del interior del individuo, haciendo especial hincapié en la

expresividad frente a la forma. Así otorgaba especial importancia a la

gestualidad, ligada a menudo a la improvisación, así como al uso de máscaras

para acentuar la expresividad del rostro. Sus movimientos eran libres,

espontáneos, probando nuevas formas de moverse por el escenario, arrastrándose

o deslizándose, o moviendo partes del cuerpo en actitud estática, como en la

danza oriental. Se basaba en un principio de tensión-relajación, lo que

procuraba mayor dinamismo al movimiento. Además utilizó las nociones de caída-recuperación

para diagramar las posibilidades entre estos dos polos, que ella consideraba

como "muertes"(uno de los motivos por los cuales, sus exploraciones

en el movimiento la anclaron en un periodo de la historia de la danza No

Formalista, sino expresionista). Fue concretamente quien comenzó a utilizar la

quietud como potencial en el movimiento, no como sinónimo de silencio ni vacío.

Creó coreografías realizadas enteramente sin música, a la vez que se liberaba de

las ataduras del espacio, que en vez de envolver y atrapar al bailarín se

convirtió en una proyección de su movimiento, persiguiendo aquel viejo anhelo

romántico de fundirse con el universo.

https://es.wikipedia.org/wiki/Mary_Wigman

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Isadora Duncan

Angela Isadora Duncan, conocida como Isadora Duncan (San

Francisco, 27 de mayo de 1877 - Niza, 14 de septiembre de1927) fue una

bailarina y coreógrafa estadounidense, considerada por muchos como la creadora

de la danza moderna.

Isadora Duncan nació en la ciudad californiana de San

Francisco. Su padre Joseph abandonó la familia cuando Isadora era aún muy

pequeña, siendo posteriormente acusado de fraude bancario, y encarcelado. Esto

creó en el hogar de los Duncan una difícil situación de penuria económica,

hecho que influyó al parecer en el alejamiento de la familia de la fe católica

que habían profesado (Isadora se declaró varias veces durante su vida como

«atea convencida»). Isadora Duncan abandonó la escuela a la edad de diez años y

comenzó junto con su hermana Isabel a impartir clases de danza a otros niños de

su barrio, mientras su madre, Dora, daba lecciones de piano para sustentar a la

familia y se encargaba de la educación de sus hijos. Predominaban en las lecciones

musicales Mozart, Schubert y Schumann, que tuvieron una indiscutible influencia

en el posterior desarrollo artístico de Isadora.

Durante su etapa en Londres, Isadora Duncan, siempre

inquieta y autodidacta, pasa largas horas en el Museo Británico. Le fascinan

las expresiones artísticas de la antigua Grecia, de las que toma formas, que

serán luego características de su danza, tales como inclinar la cabeza hacia

atrás como las bacantes.

Es en esta época cuando comienza a consolidarse el estilo

único de Isadora. Se trata de una danza muy alejada de los patrones clásicos

conocidos hasta entonces, incorporando puestas en escena y movimientos que

tenían más que ver con una visión filosófica de la vida ligada quizá al

expresionismo (línea de pensamiento artístico incipiente por aquella época), y

por tanto a una búsqueda de la esencia del arte que solo puede proceder del

interior.

Llegó a Buenos Aires por primera vez en 1916. Formó la

revolución, la bailarina californiana tenía en ese momento 38 años y su fama y

su éxito habían alcanzado, particularmente en Europa, alturas extraordinarias.

Pero el golpe atroz que había representado para ella la muerte en 1913 de sus

dos pequeños hijos en un accidente de auto cerca de París, alteró su vida de

una manera definitiva. Las extravagancias de Isadora —que incluían una

despreocupación completa por el dinero, lo tuviera o no— se volvieron más

acusadas y lo mismo ocurrió con su desinterés por las convenciones sociales.

https://es.wikipedia.org/wiki/Isadora_Duncan

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Pina Bausch

Philippina Bausch conocida como Pina Bausch, (Solingen, 27

de julio de 1940-Wuppertal, 30 de junio de 2009) fue una bailarina, coreógrafa

y directora alemana pionera en la danza contemporánea. Con su estilo

vanguardista, mezcla de distintos movimientos, Bausch propone piezas de danza

que se componen en cooperación entre distintas expresiones: movimientos

corporales, emociones, sonidos y escenografía que configuran piezas enmarcadas

en la corriente de la danza teatro, de la cual Bausch es pionera e influencia

constante de generaciones posteriores.

Pina Bausch nació en Solingen, cerca de Düsseldorf, en

Alemania, en plena Segunda Guerra Mundial. Fue la tercera hija del matrimonio

compuesto por August y Anita Bausch, quienes tenían un restaurante, donde la

futura bailarina creció y tomó sus primeras clases de danza. Fue entonces

cuando sus padres se percataron de su extrema flexibilidad física y talento,

por lo que decidieron apoyarla para que en 1955, a los 15 años, fuera a

estudiar con el coreógrafo Kurt Jooss en la Folkwang School deEssen, donde Pina

adquiriría las bases de la danza expresionista alemana que serían la base de su

entonces incipiente carrera.

El trabajo de Pina Bausch está conectado con la tradición de

la danza expresionista alemana –la Ausdruckstanz-, encarnando sentimientos de

angustia humana existencial,anomia y disociación. Todos sus trabajos comparten

similitudes esenciales: ausencia de argumento (en un sentido clásico), del

sentido convencional de la progresión en escena y de referencias a lugares

geográficos específicos. Sin embargo, la obra de Bausch tiene “una gran

atmósfera de humor malvado, un patrón de tantalización romántica y

humillación”.1 Su trabajo se basa en la creación de breves episodios de diálogo

y acción a menudo centrados en situaciones surrealistas, en el uso del cuerpo y

en las relaciones entre este, el escenario y el vestuario.

https://es.wikipedia.org/wiki/Pina_Bausch

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8. Conclusion

La escritura, el dialogo y la danza en la coreografía, aguardan una relación. Ya que, escribir es responsabilizarse, asumir sus consecuencias, dialogar es comunicarse con el mundo, y bailar es hacerse responsable del cuerpo, cuya posición corresponde al cuerpo y su modo de ser representado.

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9. Resumen

Cuando hacia el año 2000 comenzamos a investigar no existían suficientes textos sobre danza y coreografía actual, o los que había se encontraban casi siempre en idiomas distintos al nuestro, en países a los que había que viajar porque sus fuentes no estaban digitalizadas o porque los textos más interesantes eran publicados en revistas y catálogos no reconocidos académicamente. Salvo algunas excepciones, las reflexiones verdaderamente relevantes llegaban demasiado tarde. Al decir comenzamos no estamos utilizando el plural mayestático que incluiría también a los lectores y lectoras de este libro, sino que nos referimos a nosotras mismas, Amparo Écija e Isabel de Naverán, la primera licenciada en Historia del universitarios pretendíamos aportar un punto de vista crítico sobre la danza producciones coreográficas y sobre cómo éstas dialogaban con otras esferas del arte a día de hoy la danza no se ha consolidado como carrera propia. investigar en torno a la danza de finales del siglo XX y comienzos del siglo XXI en España implicaba necesariamente ponerla en contexto : observar su idiosincrasia y A través inclinación al fascismo que Mary Wigman escenificó en su pieza de grupo Totenmal, decide reinventar la danza expresionista del periodo de entre guerras despojándola de “ su patetismo y su fatalismo universal ” ( Servos, 1984 ) y crea un nuevo lenguaje para la danza teatro ya esbozada por quien había sido su maestro, Kurt Jooss. setenta, Pina Bausch estiliza la emoción ; la danza llora, grita, se desespera y, “ Bailar es una acción visible de la vida ” afirmaba casi veinte años antes en Estados Unidos Merce Cunningham, si bien mediante un lenguaje radicalmente diferente al de Bausch donde el puro movimiento definía la identidad del bailarín ; y también la identidad de un lenguaje que se reconstruye, como hace William Forsythe, por Pero la generación que sucede a Cunningham se revela contra esa imagen del bailarín y la danza, se calza unas zapatillas de deporte y democratiza los cuerpos, los espacios y los diálogos de la danza rompiendo con su La danza apuesta por el lenguaje y la forma.

https://loinsignificante.files.wordpress.com/2014/07/lecturassobredanzaycoreografiaok.pdf

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10. Frase

“Hay que endurecer sin perder la ternura

jamás”– Che Guevara