TEATRO

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ETAPA EXPLORATORIA

1. Qué es teatro?

2. Cuál es la importancia del teatro?

3. Que es escenario?

4. Qué elementos son indispensables para hacer teatro?

5. Porqué el teatro es un arte?

6. Qué es un títere?

7. Qué es un teatríno?

8. Desarrollar este test sobre conceptos básicos:

https://es.educaplay.com/es/recursoseducativos/24494/el_teatro.htm

9. Qué son Herramientas Asincrónicas?

10. Qué son Herramientas sincrónicas?"

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QUE ES TEATRO?

ES UNA FORMA DE DAR A CONOCER LAS EMOCIONES DE UNA PERSONA, MEDIANTE ACTUACIONES DE UNA MANERA UN POCO EXAGERADA Y DRAMATIZADAS

CUAL ES LA IMPORTANCIA DEL TEATRO?

DESDE DIFERENTES PUNTOS DE VISTA , ES EXPRESAR LOS SENTIMIENTO MAS PROFUNDOS, Y LAS EMOCIONES QUE A SIMPLE VISTA NO SE PUEDEN EXPRESAR CON LAS PERSONAS DE NUESTRO AMBIENTE SOCIAL Y SENTIMENTAL.

QUE ES ESCENARIO?

ES UN LUGAR , O UN MEDIO DONDE SE DA LA POSIBILIDAD DE ACTUAR, EN ESTA CASO DEL TEATRO, ESTE BRINDA LA FORMA DE LA TEMATICA, SONIDO SEGUN SEA EL CASO, Y LUCES A LA ACTUACION.

QUE ELEMENTOS SON NECESARIOS PARA HACER TEATRO

-LOS ACTORES

-LA AMBIENTACION

- DECORACION DEL LUGAR

-SONIDOS EFECTOS

-VESTUIARIO

PORQUE EL TEATRO ES UN ARTE?

POR ES LA FORMA DE EXPRESION CORPORAL DE LAS PERSONAS, Y LA FORMA DE DAR A CONOCER UN TALENTO.

QUE ES UN TITERE?

ES UN MUÑECO, CREADO POR UN PERSONA, QUE IDENTIFICA LOS SENTIMIENTOS , CON VARIADOS COLORES Y VARIADAS DECORACIONES .

QUE ES UN TEATRINO?

ES UN "CUARTICO" DONDE SE OCULTAN , LAS PERSONAS PARA HACER TEATRO CON ESTOS MIMOS!

ALLI DIVIERTEN , A CUALQUIER PERSONA CON SUS DIFERENTES HISTORIAS, Y DIFERENTES TITERES.

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CONSULTA GUIADA

1. Defina Oralidad

2. Aspectos generales de teatro

* Definición

* Clases

* Vocalizacion

3. Que es un títere?

4. Pasos y elementos para crear un títere

5. Pasos para crear una obra teatral

Tecnologia

6. Herramientas Asincronicas

·Concepto

·Wiki

·Foros

· E-mail

·Blog

· Webquest

·Cmaptools

· Calameo

·Voki

7. Herramientas Sincronicas

·Concepto

·Pizarra virtual

·Chat

·Audioconferencia

·Video conferencia

· Skipe

8. Realiza un cuadro comparativo entre aspectos de las herramientas sincrónicas y asincrónicas

9. Sitios y servicios de Internet

10. Pasos para crear un blog

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CUADRO COMPARATIVO

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TEATRO DE SOMBRAS

El origen del Teatro de Sombras se remonta a los tiempos del hombre prehistórico, cuando éste hacía sombras con sus manos y su cuerpo frente al fuego de las cavernas.

Ya en el siglo IV a.C. en el Mito de la Caverna de platón se nos presentan las sombras como indicadores de la realidad que no son ellas, pero que suponen el continuo recuerdo y referencia de esa realidad del ser. La sombra, a caballo entre lo real y lo ficticio, entre el ser y el no ser, a medio camino entre lo mágico y lo religioso, suponen la imagen más palpable del mundo de lo abstracto, del mundo de las ideas, de aquello que trasciende lo que nuestros sentidos perciben.

Los orígenes del teatro de sombras los encontramos en la India y en China.

En India y después en Indonesia el titiritero de sombras era un hombre muy especial llamado Dalang, era un artista sacerdote y al representar las epopeyas a través de las sombras entraba en contacto con el mundo superior y restablecía el equilibrio entre las fuerzas negativas y positivas de la comunidad. Por otro lado a través de los mitos tenía la función de educar y transmitir valores al pueblo.

En Indonesia esta tradición se mantiene muy viva y continua estando ligada a los rituales y a la unión y comunicación con la comunidad.

Las marionetas las fabrican con piel de búfalo y son figuras muy estilizadas y caladas de distintos tamaños bellamente pintadas. Los personajes son héroes, princesas, dioses, gigantes, animales...

La pantalla es de tela de lino y la luz que utilizan una veces de lámpara de aceite (fuego) y otras luz eléctrica.

“Hubo un tiempo en que todos los muñecos fueron dioses, ancestros que vieron el origen del mundo para que se lo comunicaran a los mortales. Ellos vivieron como sombras y de sus propias sombras nació el teatro de sombras.”

En china nos cuentan una leyenda que representa para los chinos el origen del teatro de sombras, cuenta que el emperador Wu-Ti, había perdido a su mujer Wang, por la sentía un profundo amor. Cae en la más completa apatía. Todos en la corte ensayan modos de devolverle el gusto por la vida, pero ni los juglares, ni los bufones, ni los cocineros le podían hacer olvidar su tristeza.

Aparece entonces Sha-Wong, que se declara capaz de hacer revivir a la bella Wang. Coloca a el emperador ante una tela tendida entre dos postes y sobre la cual hace aparecer unas sombras de su bien amada. Habla con el emperador de recuerdos comunes....hasta que un día el emperador olvida la promesa de no tocar la tela. Tira de la tela y descubre a Sha-Wong agitando una figura de mujer delante de una lámpara. Comprende el montaje y monta en cólera.

Existen dos versiones del final: la primera es la muerte de Sha-Wong decapitado y la segunda es la de que rinde homenaje al montador de sombras y el emperador hace que siga con su arte.

El teatro de sombras chino es el único que incorpora decorados, mobiliario, plantas, palacios y animales, reales o fantásticos. Las figuras son de piel de camello o de buey. Al igual que en el resto de países, las representaciones tienen carácter sagrado, y los personajes representan a los seres del más allá.

El teatro de sombras llegó a Europa a través de las rutas de evangelización de los jesuitas. En 1772, Dominique Séraphin instaló su teatro de sombras en Versalles, en el que cosechó grandes éxitos. Asimismo, las compañías de funambulistas y cómicos italianas contribuyeron en gran medida a difundir este tipo de teatro por toda Europa.

En Europa, el teatro de sombras aparece en el S.XVIII en Francia con la romántica fascinación de las siluetas negras y revivió a principios del S.XX en el Cabaret del Chat Noir a con el teatro Seraphin.

En Europa el teatro de sombras experimental se desarrolló en Alemania por un grupo de artistas entre los que estaba Lotte Reininger y unen el teatro de sombras con el cine, el origen de la animación.

La sombra representa en casi todas las culturas el alma como ente separable del cuerpo y capaz de sobrevivirlo. Representa la fuerza oculta o espiritual de las cosas, su aura.

La sombra equivale a magia, a los sueños, al subconsciente, a la muerte, al más allá, al alma, al espíritu. Sus formas inestables y siempre cambiantes son una invitación al juego imaginativo y creativo, una constante estimulación de la fantasía.

Es por ello que las sombras representan historias con una fuerte carga fantástica, por sus posibilidades de insinuar sin dejar ver, de deformar la realidad y dotarla de unas características que en otros medios sería difícil de conseguir.

La sombra nos traslada a un mundo informe, no creado, en donde se reflejan nuestras pasiones, nuestros miedos, nuestras divisiones interiores.

Esta en un plano intocable, inalcanzable. Para ejercer cualquier efecto sobre ella, es imposible dirigirse a ella de forma directa. Todo es sutil, es aparente, es de una causalidad superior. La sombra no se deforma directamente sino que se debe deformar el cuerpo o la fuente de luz que la manifiestan. La sombra solo es tocable en otra dimensión, la física.

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HISTORIA DEL TEATRO

El teatro nació en Atenas, Grecia, entre los siglos V y VI Antes de Cristo. Los atenienses celebraban los ritos en honor a Dionisio, dios del vino y de la vegetación. Estas primitivas ceremonias rituales acaban evolucionando hacia el teatro, constituyendo uno de los principales logros culturales de los griegos. Cada una de las ciudades y colonias contó con un teatro.

El primer teatro construido fue dedicado a Dionisio. Se dividía en tres partes la orquesta, el lugar para los espectadores y la escena. Los primeros teatros griegos constaban de dos formas: un espacio circular donde se alzaba la estatua de Dionisio y el hemiciclo para los espectadores. Se accedía a través de dos callejones. Las gradas tenían forma de semicírculo.

Los romanos adoptaron la forma y la disposición de los teatros griegos pero construyeron gradas en los lugares donde no existían colinas.

Una representación consta de dos elementos esenciales: actores y público. La representación puede ser mímica o utilizar el lenguaje. Los personajes no tienen que ser siempre seres humanos. Los títeres o el guiñol han sido muy apreciados a lo largo de la historia. Se puede realzar una representación mediante el vestuario, el maquillaje, los decorados, los accesorios, la iluminación, la música y los efectos especiales. Estos elementos se usan para ayudar a crear una ilusión de lugares, tiempos, personajes diferentes, o para enfatizar una cualidad especial de la representación y diferenciarla de la experiencia cotidiana.

TEATRO GRIEGO

Las formas teatrales del drama griego eran la tragedia, el drama satírico, la comedia y el mimo. Las dos primeras estaban consideradas las más civilizadas, mientras que las dos últimas se asociaban con lo primitivo.

Los actores iban vestidos con la ropa al uso pero portaban máscaras que permitían la visibilidad y ayudaban al espectador a reconocer la característica del personaje.

LA TRAGEDIA

La tragedia es una representación dramática capaz de conmover y causar pena, que tiene un desenlace funesto. Destacaron los escritores ESQUILO, SÓFOCLES y EURÍPIDES.

Aquí se presentan algunas características de la tragedia:

a) Las obras son solemnes, escritas en verso y estructuradas en escenas-

b) Las historias están basadas en mitos o antiguos relatos.

c) Eran obras de poca acción.

Aristóteles decía que la tragedia debe estar lo más que se pueda bajo un mismo periodo de sol o excederlo un poco. En poco más de un siglo los griegos crearon dramas y comedias que aún interesan y conmueven.

Esquilo ha sido llamado el padre del drama griego porque contribuyó a que las representaciones teatrales se transformaran en espectáculos. Sus obras más conocidas son Prometeo encadenado y Antígona.

Sófocles era instruido, amable y tolerante y gozó de gran simpatía y popularidad. Sus principales obras Antígona y Edipo Rey se siguen llevando a escena.

Eurípides tenía fama de huraño. Sus principales obras son Electra y Orestes, Efigenia en Aulida y Efigenia en Taurida.

Los grandes trágicos griegos establecieron las características del teatro que se ha convertido en el género literario que todos conocemos.

LA COMEDIA

La comedia se desarrolló hacia la mitad del siglo V Antes de Cristo. Las comedias más antiguas que se conservan son las de ARISTÓFANES. Tienen una estructura muy cuidada derivada de los antiguos ritos de fertilidad. Su comicidad consistía en una mezcla de ataques satíricos a personalidades públicas. Para el siglo IV Antes de Cristo, la comedia había sustituido a la tragedia como forma dominante.

Luego apareció un tipo de comedia local, llamada "nueva". En las obras de MENANDRO, el gran autor de comedias nuevas, la trama gira alrededor de una complicación o situación que tiene que ver con amor, dinero, problemas familiares y similares.

TEATRO ROMANO

El teatro romano no se desarrolló hasta el siglo III Antes de Cristo. Al principio se asociaba con festivales religiosos, pero la naturaleza espiritual se perdió pronto. Al incrementarse el número de festivales, el teatro se convirtió en un entretenimiento. No es de extrañar que la forma más popular fuera la comedia. El periodo de creación dramática romano empezó en el siglo II Antes de Cristo, y estuvo dominado por las comedias de PLAUTO y TERENCIO, que eran adaptaciones de la comedia nueva griega. Las obras se basaban en una intriga de carácter local.

Este primer período se denomina clásico, porque comprende el teatro de las civilizaciones clásicas, Grecia y Roma, y las obras están escritas en griego o latín.

Alrededor del final del siglo II Después de Cristo, el teatro literario entra en declive y es sustituido por otros espectáculos y entretenimientos más populares. La Iglesia cristiana atacó el teatro romano y contribuyó al declive del teatro así como a considerar a las personas que participaban en él como inmorales. Con la caída del Imperio romano en el 476 Después de Cristo, el teatro clásico decayó en Occidente y no resurgió hasta 500 años más tarde. Sólo los artistas populares, conocidos como juglares y trovadores, sobrevivieron y proporcionaron un nexo de continuidad.

TEATRO MEDIEVAL

El teatro español, al igual que el europeo, surge vinculado al culto religioso. La misa, es en sí misma un drama, una representación de la muerte y resurrección de Cristo. Serán los clérigos los que creen los primeros diálogos teatrales: los tropos, con los que escenificaban algunos episodios relevantes de la Biblia. Estas representaciones, se fueron haciendo más largas y espectaculares dando lugar a un tipo de teatro religioso que fue el teatro medieval por excelencia. Poco a poco se fueron añadiendo elementos profanos y cómicos a este tipo de representaciones que, por razones de decoro, terminaron por abandonar las iglesias y comenzaron a realizarse en lugares públicos.

TEATRO MEDIEVAL PROFANO

En el siglo XIV, el teatro se emancipó del drama litúrgico para representarse fuera de las iglesias y evolucionó en ciclos que podían contar con hasta 40 dramas. Algunos estudiosos creen que los ciclos surgieron de forma independiente. Eran producidos por toda una comunidad cada cuatro o cinco años. Las representaciones podían durar de dos días a un mes.

Como los intérpretes eran aficionados y analfabetos, las obras se escribían en forma de copla de fácil memorización.

AUTOS

Durante este periodo, surgieron obras folclóricas, farsas y dramas pastorales y persistían varios tipos de entretenimientos populares. Todo esto influyó en el desarrollo de los autos durante el siglo XV. Los autos diferían de los ciclos religiosos en el hecho de que no se trataba de episodios bíblicos, sino alegóricos, y estaban representados por profesionales como los trovadores y juglares.

TEATRO DEL RENACIMIENTO

La Reforma protestante supuso el fin del teatro religioso en el siglo XVI, y el teatro profano ocupó su lugar. Aunque los autos y los ciclos parezcan estar muy lejos de los dramas de Shakespeare y Moliére, los temas de la baja edad media, el giro hacia temas más laicos y preocupaciones más temporales y la reaparición de lo cómico y lo grotesco contribuyeron a la nueva forma de hacer teatro. La participación de actores profesionales en las obras fue sustituyendo a los entusiastas aficionados.

TEATRO NEOCLÁSICO

El teatro del renacimiento tomó una forma nueva con visos de clasicismo. Esta fórmula es conocida como neoclasicismo.

Las primeras muestras de teatro renacentista en Italia datan del siglo XV. Las primeras obras son en latín, pero acaban escribiéndose en lengua vernácula y estaban basadas en modelos clásicos. Este teatro no fue una evolución de las formas religiosas. Se trataba de un proceso académico. Eran obras pensadas para ser leídas, aunque fuera por varios lectores y en público, y con fines didácticos.

CREACIÓN DE LA ÓPERA

Las elaboradas exhibiciones escénicas y las historias alegóricas de los intermezzi, y los continuos intentos de recrear la producción clásica, llevaron a la creación de la ópera a finales del siglo XVI. Aunque el primer teatro de corte clasicista tenía un público limitado, la ópera se hizo muy popular. A mediados del siglo XVII, se estaban construyendo grandes teatros de la ópera en Italia.

COMMEDIA DELL'ARTE

Mientras la elite se entretenía con el teatro y el espectáculo de estilo clasicista, el público en general se divertía con la commedia dell'arte, un teatro popular y vibrante basado en la improvisación.

DESARROLLO DEL TEATRO FRANCÉS

A finales del siglo XVI era popular en Francia un tipo de comedia similar a la farsa. Este fenómeno dificultó el establecimiento del drama renacentista. En aquel tiempo no existían en París edificios dedicados al teatro, utilizándose recintos destinados al juego de pelota. La influencia italiana en Francia llevó a popularizar representaciones que fueron denominados ballets.

Moliére está considerado como el gran dramaturgo francés. Sus farsas y comedias de costumbres reciben en su mayoría una influencia directa de la commedia dell’arte, pero van más allá de su objetivo específico y pueden considerarse como observaciones sobre las limitaciones y errores del género humano. Muchas de sus obras están imbuidas de una cierta amargura.

Sus principales obras son El tartufo, El avaro, El enfermo imaginario y Las preciosas ridículas.

Moliére fue también un actor cómico de excepción en su tiempo, y trabajó con el objetivo de alterar el estilo histriónico y ampuloso que entonces dominaba la escena francesa.

TEATRO ISABELINO INGLÉS Y DE LA RESTAURACIÓN

El teatro renacentista inglés se desarrolló durante el reinado de Isabel I a finales del siglo XVI. En aquel tiempo, se escribían tragedias academicistas de carácter neoclásico que se representaban en las universidades. La mayoría de los poetas isabelinos tendían a ignorar el neoclasicismo o, lo usaban de forma selectiva. A diferencia del teatro continental, el teatro inglés se basó en formas populares, en el vital teatro medieval, y en las exigencias del público en general.

Las obras se representaban durante los meses más cálidos en teatros circulares y al aire libre.

Bajo la influencia del clima de cambio político y económico en la Inglaterra del momento, así como de la evolución de la lengua, dramaturgos como Thomas Kyd, Ben Jonson y Christopher Marlowe dieron lugar al nacimiento de un teatro dinámico, épico y sin cortapisas que culminó en el variado y complejo trabajo del más grande genio del teatro inglés, WILLIAM SHAKESPEARE.

Christopher Marlowe se hizo famoso por las obras El judío de Malta y El doctor Fausto. Ben Johnson destaca por Volpone o el zorro.

Obras de William Shakespeare como Hamlet, Macbeth, Romeo y Julieta, Julio César, El rey Lear, Otelo o El sueño de una noche de verano, se siguen representando con la misma viveza que cuando fueron escritas.

TEATRO ESPAÑOL DEL SIGLO DE ORO

El siglo XVII fue el Siglo de Oro del teatro en España. Este Acota uno de los periodos más fértiles de la dramaturgia universal, si bien la propia forma de denominar esta época ha sido conflictiva de unos países a otros.

Se crean las primeras salas teatrales llamadas corrales de comedias, que eran gestionadas por las hermandades, verdaderos precedentes del empresario teatral moderno. Van a proliferar los autores, las obras y las compañías. El teatro deja de ser un acontecimiento restringido para convertirse en un producto competitivo, sujeto a las leyes de la oferta y la demanda. Un interesante debate teórico acompaña el nacimiento y desarrollo de esta forma nueva de entender el teatro. Dos autores de la época nos sirven para ilustrar el sentido y la evolución de este debate y del arte teatral: CERVANTES y LOPE DE VEGA, pero también debemos de citar a CALDERÓN DE LA BARCA Y TIRSO DE MOLINA.

Lope de Vega dio forma definitiva a la comedia española convirtiéndola en género nacional. Escribió cerca de 2000 obras que Menéndez Pelayo clasificó en religiosas, mitológicas, legendarias, pastoriles, caballerescas, novelescas, de costumbres y enredos. Sus principales obras son El mejor alcalde el rey, Peribañez y el Comendador de Ocaña, Fuenteovejuna o Porfiriar hasta morir.

Miguel de Cervantes legó una obra fecundísima entre las que podemos destacar La dama boba, El caballero de Olmedo, La niña de plata y El castigo sin venganza.

Calderón de la Barca llevó a la perfección la técnica de la escena y se teatro barroco llegó a representarse ante la corte. Sus obras más conocidas son El alcalde de Zalamea, La vida es sueño, El mayor monstruo, Los celos, El príncipe constante y El mágico prodigioso.

Tirso de Molina es el creador del tipo de Don Juan en El burlador de Sevilla. Otras obras suyas son El vergonzoso en palacio, Don Gil de las calzas verdes y El condenado por desconfiado.

TEATRO DEL SIGLO XVIII

El teatro del siglo XVIII era en gran parte de Europa, un teatro de actores. Estaba dominado por intérpretes para quienes se escribían obras ajustadas a su estilo Estos actores adaptaban clásicos para complacer sus gustos y adecuar las obras a sus características. Las obras de Shakespeare eran alteradas hasta no poder ser reconocidas no sólo para complacer a los actores sino, también, para ajustarse a los ideales neoclásicos.

Destacamos a Goethe y Schiller los más importantes representantes del teatro alemán. Goethe destaca por Las penas del joven Werhter. Goetz van Berlichingen, Egmont, Wilheim Meister y Fausto.

Schiller escribió dramas clásicos de la cultura alemana como Los bandidos, Don Carlos, Guillermo Tell y Wallestein.

TEATRO DEL SIGLO XIX

A lo largo del siglo XVIII ciertas ideas filosóficas fueron tomando forma y finalmente acabaron fusionándose y cuajando a principios del siglo XIX, en un movimiento llamado romanticismo.

Uno de los principales renovadores del teatro en este siglo es el noruego Henrik Ibsen, fundador del teatro de ideas en oposición al teatro, de acción propiamente dicha. Analiza en sus obras las relaciones sociales y humanas del siglo XIX.

Destacamos entre sus obras Casa de muñecas, Espectros, Hedda, Gabler y Peer Gynt.

TEATRO ROMÁNTICO

El romanticismo apareció en Alemania, un país con poca tradición teatral antes del siglo XVIII. Alrededor de 1820, el romanticismo dominaba el teatro en la mayor parte de Europa.

El teatro romántico español buscó la inspiración en los temas medievales y presenta a un héroe individual dominado por las pasiones. Se recuperan las formas y estructuras del teatro del Siglo de Oro. La voz engolada y el verso rotundo triunfan en el teatro romántico español. Su gran figura es José Zorrilla, el autor de Don Juan Tenorio. El tema del burlador es retomado con gran libertad por Zorrilla y en su entusiasmo romántico hace que sea el amor quien redime al seductor. La fuerza y encanto de este personaje y obra ha conseguido que nunca haya dejado de representarse en algún teatro español.

MELODRAMA

Las mismas fuerzas que condujeron al romanticismo también, en combinación con varias formas populares, condujeron al desarrollo del melodrama, el género dramático más arraigado en el siglo XIX. El melodrama como literatura es a menudo ignorado o ridiculizado, cuando menos desdeñado por los críticos, porque aporta imágenes de villanos que se atusan el bigote o heroínas sujetas a vías de tren.

TEATRO BURGUÉS

Proponía una recreación de lo local y de la vida en el hogar. El espectador debía tener la impresión de asistir a un hecho real y a ello vino a contribuir el escenario de tres paredes con el objetivo de que el público observe a través de la imaginaria cuarta pared.

NATURALISMO Y CRÍTICA SOCIAL

A mediados del siglo XIX el interés por el detalle realista, las motivaciones psicológicas de los personajes, la preocupación por los problemas sociales, condujo al naturalismo en el teatro. Acudiendo a la ciencia en busca de inspiración, los naturalistas sintieron que el objetivo del arte, como el de la ciencia, debía ser el de mejorar nuestras vidas. Los dramaturgos y actores, como los científicos, se pusieron a observar y a retratar el mundo real.

APARICIÓN DEL DIRECTOR

El naturalismo es responsable en gran medida de la aparición de la figura del director teatral moderno. Aunque todas las producciones teatrales a lo largo de la historia fueron organizadas y unificadas por un individuo, la idea de un director que interpreta el texto, crea un estilo de actuación, sugiere decorados y vestuario y da cohesión a la producción, es algo moderno.

REALISMO PSICOLÓGICO

Las obras demuestran problemas sociales como la enfermedad genética, la ineficacia del matrimonio como institución religiosa y social, y los derechos de las mujeres, pero también son valiosos por sus convincentes estudios de individuos.

TEATRO DEL SIGLO XX

Desde el renacimiento en adelante, el teatro parece haberse esforzado en pos de un realismo total, o al menos en la ilusión de la realidad. Una vez alcanzado ese objetivo a finales del siglo XIX, una reacción antirrealista en diversos niveles irrumpió en el mundo de la escena.

En el siglo XX el teatro toma un impulso renovador. Las ideas naturalistas, simbólicas, realistas, impresionistas y neorrománticas, han sumado su influencia a la del cine.

En los comienzos de siglo destacamos en España a Jacinto Benavente y Ramón María del Valle Inclán.

La producción de Jacinto Benavente alcanzó las 130 obras. Destacamos La noche del sábado, gente conocida, Campo de arnillo, Rosas de otoño, Pepa Doncell. Recibió el premio Nobel de Literatura en 1922.

Ramón María del Valle Inclán se sitúa en la corriente modernista e impone lirismo a su prosa. Se caracteriza por la suntuosidad de su estilo. Sus principales obras son Águila de blasón, Romance de lobos, Cara de plata, Divinas palabras y Luces de Bohemia.

Federico García Lorca destaca por el lenguaje lleno de metáforas y por inusitadas figuras renovadoras. Se nutre de lo más genuino y popular de la tierra española. Sus obras más destacadas son Mariana Pineda, Doña Rosita la soltera, La zapatera prodigiosa, Bodas de sangre, Yerma y La Casa de Bernarda Alba.

TEATRO SIMBOLISTA

Los simbolistas hicieron una llamada a la "desteatralizació" del teatro, que se traducía en desnudar el teatro de todas sus trabas tecnológicas y escénicas del siglo XIX, sustituyéndolas por la espiritualidad que debía provenir del texto y la interpretación. Los textos estaban cargados de simbología de difícil interpretación, más que de sugerencias. El ritmo de las obras era en general lento y semejante a un sueño.

TEATRO EXPRESIONISTA

El movimiento expresionista tuvo su apogeo en las dos primeras décadas del siglo XX, principalmente en Alemania. Exploraba los aspectos más violentos y grotescos de la mente humana, creando un mundo de pesadilla sobre el escenario. Desde un punto de vista escénico, el expresionismo se caracteriza por la distorsión, la exageración y por un uso sugerente de la luz y la sombra.

GRUPOS TEATRALES

Quizás se deba a la influencia de Antonin Artaud la aparición de una serie de grupos de teatro durante la década de 1960.

TEATRO DEL ABSURDO

De la segunda guerra mundial nació el teatro del absurdo, que carece de lógica, lo que de ningún modo se puede vincular o relacionar con un texto dramático o un contexto escénico.

TEATRO CONTEMPORÁNEO

El teatro realista continuó vivo en el ámbito comercial, sobre todo en Estados Unidos. El objetivo parecía ser el realismo psicológico, y se emplearon para este fin recursos dramáticos y escénicos no realistas. Existen obras basadas en la memoria, secuencias sobre sueños, personajes puramente simbólicos, proyecciones y otros recursos similares. Incorporan diálogos poéticos y un fondo sonoro cuidadosamente orquestado para suavizar el realismo crudo. La escenografía era más sugerente que realista.

MUSICAL

En la década de 1920 los musicales surgieron a partir de una libre asociación en forma de serie de canciones, danzas, piezas cortas cómicas basadas en otras historias, que algunas veces eran serias, y se contaban a través del diálogo, la canción y la danza. Un grupo a cargo de Richard Rodgers y Oscar Hammerstein II perfeccionó esta forma en la década de 1940. Ya durante la década de 1960 gran parte del espectáculo había dejado el musical para convertirse en algo más serio. A finales de la década siguiente, posiblemente como resultado de crecientes problemas políticos y económicos, volvieron los musicales bajo un signo de desmesura y lujo, haciéndose hincapié en la canción, el baile y la comedia fácil.

EL TEATRO EN LATINOAMÉRICA

Se tienen pocas nociones de cómo pudieron ser las manifestaciones escénicas de los pueblos precolombinos, pues la mayor parte de éstas consistían en rituales religiosos. Existe un único texto dramático maya, descubierto en 1850, el Rabinal-Achi, que narra el combate de dos guerreros legendarios que se enfrentan a muerte en una batalla ceremonial. Su representación depende de distintos elementos espectaculares como el vestuario, la música, la danza y la expresión corporal. A partir de la época colonial, el teatro se basa en los modelos procedentes de España.

No es hasta mediados del siglo XX cuando el teatro latinoamericano ha adquirido cierta personalidad, al tratar temas propios tomando como punto de partida la realidad del espectador a quien va destinado. Se caracteriza por su notable vigor. Surge el teatro social.

El dramaturgo Augusto Boal, en Brasil, desarrolló técnicas de teatro callejero y para obreros, y es autor del texto Teatro del oprimido. Grupos como Rajatabla y La Candelaria se han preocupado por realizar un teatro que sirva como medio de discusión de la realidad social, sin dejar al margen el aspecto espectacular y estético del drama.

EL TEATRO ORIENTAL

El teatro oriental en general tiene ciertas características en común que lo distinguen del teatro posrenacentista occidental. El teatro asiático es presentacional, ya que la idea de representación naturalista es del todo ajena a él. Aunque los teatros de los diferentes países varían, son obras integradoras de las diversas artes que mezclan literatura, danza, música y espectáculo.

TEATRO INDIO Y DEL SURESTE ASIÁTICO

El teatro indio en sánscrito floreció en los siglos IV y V. Las piezas estaban estructuradas sobre la base de nueve rasas, o humores, más que en los personajes, ya que el eje de las obras eran las cuestiones espirituales. Los escenarios tenían una decoración laboriosa, pero no se usaban técnicas representacionales. Los movimientos de cada parte del cuerpo, la recitación y la canción estaban rígidamente codificados. Las marionetas y el teatro danzado, han sido muy apreciados en varios momentos de la historia de la India.

En el Sureste asiático, el teatro de marionetas es la forma dominante, en especial el wayang kulit, o marionetas de sombras, en Java. En algunos sitios las marionetas son tan apreciadas que los actores estudian sus movimientos para imitarlos.

TEATRO CHINO

El teatro chino empezó a desarrollarse en el siglo XIV; era muy literario y tenía convenciones muy estrictas. Desde el siglo XIX, ha sido dominado por la ópera de Pekín. En ella se da una importancia primordial a la interpretación, el canto, la danza y las acrobacias más que al texto literario. La representación puede describirse como una colección de extractos de varias obras literarias combinados con una exhibición acrobática. La acción tiende a ser oscura y el énfasis se centra en la habilidad de los actores. El escenario es una plataforma desnuda con el mobiliario estrictamente necesario. Las acciones son estilizadas, los papeles codificados y el maquillaje es elaborado y grotesco; los colores son simbólicos. Bajo el gobierno comunista la temática ha cambiado, pero el estilo ha seguido siendo más o menos el mismo.

TEATRO JAPONÉS

El teatro japonés comenzó en el siglo VII Después de Cristo y es el más complejo de Oriente. Sus dos géneros más conocidos son el teatro nô y el kabuki. Nô, el teatro clásico japonés es estilizado; la síntesis de danza-música-teatro extremadamente controlada intenta evocar un ánimo particular a través del relato de un hecho o historia. Está muy relacionado con el budismo Zen. El apogeo del nô tuvo lugar en el siglo XV. El kabuki data del siglo XVI y es más popular en estilo y contenido. Otros géneros dramáticos japoneses son el bugaku, un refinado teatro danzado, así como un teatro de marionetas o muñecos llamado bunraku, en el que los intérpretes sobre el escenario manipulan unas marionetas casi de tamaño natural. Todas las formas dramáticas se apoyan en el ritual, la danza y la tradición. Son elegantes y bellas, y ponen el énfasis en valores opuestos a los del teatro occidental.

http://www.islabahia.com/arenaycal/2010/173_julio_agosto/miguel_a_fernandez173.asp

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1. DEFINA ORALIDAD

en lingüística, designa el modo de comunicación verbal a través de sonidos producidos por medio del aparato fonador humano (laringe, faringe, fosas nasales y cavidad bucal), y percibidos por medio del oído. Es el primer modo de comunicación complejo utilizado en las sociedades humanas antes de la escritura, que no necesariamente nace en todas.

https://es.wikipedia.org/wiki/Oralidad

2. ASPECTOS DEL TEATRO

.El teatro se caracteriza por ser obras que son representadas por actores, pudiendo ser de tintes trágico-cómicos.

.Tiene la característica de que se puede implementar música para acompañar la representación, haciendo de la obra un melodrama, pudiendo ser esta una ópera, opereta, o comedia musical.

.Se caracteriza por seguir un guion o libreto, en el cual se plasman las acciones y diálogos que deben de realizar los actores, para la realización de la obra.

.Es característico del teatro la utilización de varios vestuarios para la interpretación de los diversos personajes, en las distintas situaciones que sean requeridas por el tema de la obra que se esté representando.

El teatro en la actualidad se caracteriza por la búsqueda de exteriorizar las ideas.

Como en el teatro abstracto en el cual se busca mediante la expresión corporal u oral, ya sea narrativa combinada con diálogos y monólogos, así como por medio de la expresión con el uso de movimientos corporales exagerados y la utilización de luces y sombras aunadas a escenografías abstractas.

Otra característica del teatro actual, son las obras expresamente infantiles, con las que se busca además de distraer, enseñar lecciones morales.

También se caracteriza por los llamados “Musicales”, que son obras teatrales en donde se baila y canta para expresar diálogos y acciones de los personajes, aunque cabe destacar que este estilo teatral se inició en el siglo XIX, y se popularizó a finales del mismo siglo, pero tubo su mayor expansión durante el lapso comprendido entre los años 20 y 60 del siglo XX. También se caracteriza el teatro de la actualidad, por obras inspiradas en ideologías políticas, siendo representadas en países como la antigua Unión Soviética y la actual Republica Popular China. Son obras características de teatro actual: Cats, y Un tranvía llamado deseo.

Dentro del género teatral, se cuentan las Óperas, Operetas, Zarzuelas, Ballets y otros géneros, que han sido interpretadas a través de los siglos, desde que se comenzaron a hacer hasta la actualidad. Se interpretan en los teatros de todo el mundo de forma regular, siendo característico que se hagan varias temporadas en el transcurso del año, en donde se interpretan obras clásicas y actuales.

En el teatro actual, se cambian de escenarios donde el escenario es cambiado rápidamente con materiales ligeros asemejando los lugares en donde se desarrolla la historia.

EL TIEMPO COMO CATEGORÍA TEATRAL.

En la consideración del “ TIEMPO ESCÉNICO ” se tienen en cuenta tres niveles estrechamente relacionados:

Se tiene en cuenta siempre que:

• Tiempo de la historia y Tiempo del discurso pueden teóricamente coincidir, pero dicha coincidencia es muy difícil (algunas obras teatrales experimentales, por ejemplo). La posibilidad más habitual es la de que el tiempo de la historia sea más amplio que el tiempo del discurso, quedando entonces aquél asumido en éste. Como ejemplos valdrían desde tragedias en las que se cuenta una larga historia de auto conocimiento asumida en el diálogo de los personajes ( Edipo Rey) hasta historias de amplitud mucho menor que necesariamente son conocidas por los personajes que dialogan pero que han de formar parte de dicho diálogo con la finalidad de informar al público de determinados hechos pasados (la “ comedia de salón” por ejemplo).

• Las relaciones entre Tiempo de la historia y Tiempo del discurso son perfectamente analizables mediante las categorías utilizadas por G. Génette2 en la narrativa: “ orden”, “ ritmo” y “ frecuencia”.

• El Tiempo de la historia es casi siempre más amplio que el Tiempo del discurso y que

el Tiempo de la representación.

• En el Tiempo de la representación se integra el Tiempo del discurso (diálogos entre los personajes, intercambio de signos verbales) más el tiempo en el que se producen, suceden, etc., los signos no verbales (sonidos, música, movimiento, gestualidad, etc.)

• El Tiempo de la representación coincide siempre con el del público, siendo variable según cada tradición teatral o cultural: en la actualidad, el tiempo de la representación suele oscilar entre una y dos horas, pero en los siglos XVI y XVII en España o en la Antigua Grecia eran mucho más amplios, por ejemplo.

• La única categoría de análisis común a los tres tiempos es la “ duración”, entendida como cantidad de tiempo transcurrida entre el comienzo y el final (de la historia, del discurso y de la representación).

EL ESPACIO COMO CATEGORÍA TEATRAL.

Es indudable que, frente a otros géneros literarios y formas de espectáculo, la categoría del “espacio” tiene una especial relevancia en el teatro, dado que impone a la obra –tanto al texto dramático como al texto espectacular- unos condicionamientos evidentes:

• Hace que el discurso adopte la forma de “diálogo en situación”, siempre en tiempo presente y con unos límites de fonación y audición propios.

• Hace que el número de personajes, el movimiento y distancia entre ellos, sean limitados.

• Hace que, normalmente, no se muestren dos o más acciones de forma simultánea.

• Etc.

De entrada, los teóricos del teatro suelen distinguir entre “ ÁMBITOS ESCÉNICOS ” –conjunto formado por el lugar de la acción o “escenario” y lugar de la expectación “

http://www.ejemplode.com/63-arte/3337-caracteristicas_del_teatro.html

QUE ES UN TITERE?

Un títere es un muñeco que se mueve mediante hilos u otro procedimiento. Puede estar fabricado con trapo, madera o cualquier otro material y permite representar obras de teatro, en general dirigidas al público infantil.

Más concretamente podemos establecer que existen tres grandes tipos de títeres:

Títere de guante. Como su propio nombre indica, es aquel que tiene forma de guante por lo que el artista que trabaja con él inserta su mano en este para luego moverlo a su antojo. No obstante, existe una variación y es aquel conjunto de títeres que se insertan en los dedos.

Títere de hilos, que se mueve a través de unos hilos que tiene enganchados y en cuyo final se encuentran las manos del titiritero que es el que los moverá.

Títere de peana. Se dan en llamar así porque tiene un soporte de madera y también una varilla que son los elementos que permiten trabajar con él al tiempo que sostenerlo.

Las sombras y las siluetas, sean articuladas o no, también son conocidas como tipos de títeres.

http://definicion.de/titere/

PASOS Y ELEMENTOS PARA CREAR UN TITERE

Materiales:

Un calcetín

Un trozo de fieltro rojo

Restos de lana

2 botones

Pegamento para telas

Hilo y aguja

Tijeras

Paso a paso:Comienza con un calcetín sin par que no tenga utilidad. Puede ser un calcetí viejo o roto, pues el títere igualmente quedará muy simpático.

Corta un trozo de fieltro rojo y pégalo en la parte de atrás del calcetín.

Haz un rollito de lana con los dedos, átalo y córtalo para hacer el pelo del títere.

Luego cóselo en la parte delantera del calcetín, encima de los botones que simularán los ojos.

Cose los botones en el calcetín.

Y así terminamos el títere de El rincón de los peques.

PASOS PARA CREAR UNA OBRA TEATRAL

1

Busca un guion. Tú, el productor, eres la primerísima persona que iniciará el proceso de crear una obra. Antes de que pueda suceder cualquier otra cosa, tú (o tu equipo o ambos) debes decidir qué obra producir. Podrías decidirte por un clásico del teatro como Los miserables, Muerte de un viajante, Miss Saigón o Un lunar en el sol, obras muy conocidas como estas tienen producciones con frecuencia, incluso décadas después de su debut. Sin embargo, también podrías decidir debutar con una obra nueva. Si este es el caso, deberás darle mucha importancia a buscar guiones de calidad de escritores talentosos, a quienes puedas encontrar en una variedad de lugares como universidades, compañías de teatro o a través de un agente o editor.

Ten en cuenta que las obras son propiedades intelectuales y, como tales, a menudo tendrás que pagar regalías para poder usarlas. Asegúrate de contactar al escritor, su agente o al dueño de los derechos si el guion que has elegido no es de dominio público.

2

Busca un director. El director es el "jefe" de la obra en lo que concierne a las decisiones creativas. Él dirige a los actores cuando ensayan, tiene la palabra final en las decisiones estéticas como el diseño de la utilería y de la escenografía, y al final será quien reciba gran parte de la gloria (o desprecio) que la obra genere tras ser estrenada. El productor es el responsable de encontrar un director apropiado para la obra. Este puede ser un amigo, un socio profesional o alguien que recién empieza y muestra mucha potencial. Sin embargo, ten en cuenta que el director siempre podría declinar la invitación a dirigir o intentar negociar una tarifa más alta. Como productor, es tu trabajo encontrar directores de reemplazo o participar en las negociaciones conforme sea necesario.

Algunos productores también asumen el papel de director. Esto es una gran carga de responsabilidad para una sola persona, así que sé cauteloso respecto a tomar este doble papel a menos que tengas mucha experiencia.

3

Busca financiamiento. Una de las funciones más importantes del productor es pagar por la obra. Si tienes los recursos suficientes para pagar toda la obra tú mismo, podrías elegir ser su único financiador. Sin embargo, muchas obras reciben financiamiento de un grupo de inversionistas, personas adineradas que esperan cobrar un porcentaje de las ganancias. En este caso, es tu trabajo como productor hacer una "propuesta de venta" de la obra a los inversionistas, sin importar si son tus amigos personales o desconocidos ricos, en un intento por conseguir que acepten pagar por ella.

También es tu trabajo mantener felices y al día a estos inversionistas a lo largo de la producción, notificándoles de cambios de producción, nuevas proyecciones de venta y cosas por el estilo.

4

Busca un local. Las obras necesitan un espacio físico para los ensayos y las presentaciones. Como productor, tu trabajo es conseguir este espacio para tu producción. Este local debe albergar los aspectos técnicos de tu producción (en términos del tamaño del escenario, sistema de sonido, etcétera) y debe tener el tamaño suficiente para alojar a tu audiencia proyectada. Otros aspectos que quizás debas considerar son:

El costo de usar el local. Diferentes locales tienen diferentes reglas sobre cómo repartir las ganancias de las entradas y cosas por el estilo.

Si el local provee su propio equipo de empleados (recolectores de entradas, etc.).

Si el local proporciona o no un seguro de responsabilidad.

Las cualidades estéticas y acústicas del local

La historia del local

5

Programa audiciones. Toda obra necesita un elenco, incluso los unipersonales. Si tienes buenos contactos, podrías tener algunos actores en mente para ciertos papeles en tu producción, en cuyo caso podrías contactarlos directamente para ofrecérselos. Si no, deberás programar audiciones. Asegúrate de publicitar estas audiciones para que los actores potenciales sepan dónde y cuándo estar para intentar conseguir un papel en tu producción.

Concentra tus esfuerzos promocionales en lugares donde es probable que se reúnan actores como compañías de teatro, escuelas de arte y grupos con los que probablemente estén en contacto con agencias de talento.

6

Contrata personal de apoyo. Los actores no son para nada las únicas personas que trabajan en una obra. Los tramoyistas, técnicos de iluminación y sonido, diseñadores de vestuario, coreógrafos e innumerables miembros más del personal de apoyo colaboran para hacer una producción exitosa. Como productor, tendrás que supervisar la contratación del equipo de apoyo, aunque no necesariamente los dirigirás en sus tareas diarias, pues esto por lo general se delega a distintos administradores.

Ten en cuenta que si bien muchos locales proporcionan su propio equipo de trabajadores para la entrada, boleterías y sala, algunos no lo hacen y en estos casos tendrás que contratarlos por tu cuenta, además de los demás miembros del equipo.

7

Elige tu elenco. Por lo general, el director tiene la última palabra en lo que concierne al elenco, pues él es quien trabajará con los actores para crear el producto final. Sin embargo, dependiendo de tu relación con el director, tu opinión podría tener peso en el proceso de selección del elenco, especialmente si ya has trabajado en los aspectos creativos de la producción teatral.

Parte2

Puesta en escena

1

Programa los ensayos. Las obras requieren mucha preparación y ensayos para estar listas y presentarse en frente de una audiencia. Colabora con el director para establecer un programa riguroso pero razonable que gradualmente incremente en intensidad conforme se acerque la noche de estreno. Ten en cuenta el precio, la disponibilidad del espacio para practicar y las fechas de los demás eventos que se vayan a realizar en el local de tu elección. Algunos recursos informativos de teatro recomiendan programar cuando menos 1 hora de ensayo por cada página en el guion.[1]

Asegúrate de reservar tiempo al final de tu programa de ensayos para realizar ensayos técnicos y cuando menos un ensayo general. Los ensayos técnicos les dan a los actores, al director y al equipo técnico la oportunidad de recorrer la obra completa y arreglar cualquier problema en el aspecto técnico de la producción: luces, sonido, vestuario y efecto especiales. Los ensayos generales consisten en realizar la obra en su totalidad como si una audiencia estuviese viendo sin descansos ni interrupciones. Por ejemplo, si un actor se olvida de su parlamento, la obra debe continuar como lo haría en una presentación real.

2

Consigue un seguro de responsabilidad. Algunos locales tienen seguro de responsabilidad en sus producciones teatrales, otros no. En caso de que algún actor o miembro de la audiencia se lastime durante la obra, los paquetes de seguro de responsabilidad cubren el costo, protegiéndote a ti y al local de pagarlo de sus bolsillos. Por ende, te recomendamos tener seguro de responsabilidad en la mayoría de las producciones, especialmente las que tengan muchas acrobacias, pirotécnicos y cosas por el estilo.

3

Coordina la creación o compra de escenografías, vestuarios y utilería. Hacer utilería, escenografías y vestuarios especialmente diseñados puede demorar mucho. ¡La construcción de escenografías particularmente complicadas, por ejemplo, podría tener que iniciarse incluso antes de que los actores empiecen a ensayar! Como productor, tendrás que contratar, coordinar y delegar diseñadores y técnicos para que le den vida a tu obra.

Si tu producción cuenta con poco capital, no necesariamente tienes que crear de la nada todos los aspectos físicos de tu obra. Podrías, por ejemplo, organizar una búsqueda de ropa vieja y pasada de moda como una fuente de vestuario. También podrías pedir voluntarios en la comunidad local para que te ayuden a construir tus escenografías. El teatro puede ser una excelente oportunidad para unir a tu comunidad con un propósito divertido y entretenido.

4

Haz un programa de presentaciones. Por lo general, las producciones teatrales no se presentan una sola vez. Las producciones de gran envergadura en teatros famosos pueden presentarse muchas veces a la semana durante meses, pero incluso las producciones más pequeñas suelen tener un "recorrido" teatral que consiste en varias presentaciones. Como productor, tendrás que decidirte por un programa de presentaciones que tenga en cuenta los días feriados, los compromisos de tu equipo y las fuerzas de mercado como las temporadas de mayor y menor asistencia al teatro y cosas por el estilo.

Intenta presentar tu obra por todo el tiempo que creas poder vender suficientes boletos para generar ingresos. Si la obra agota los boletos, tienes la posibilidad de agregar presentaciones extra.

5

Publicita la obra. La publicidad es parte esencial del trabajo del productor y quizás sea el factor más importante para determinar si tu local estará repleto el día del estreno. Deberás correr la voz sobre tu obra con todos los métodos dentro de los límites de tu presupuesto. Podrías, por ejemplo, comprar una pauta comercial en radio y televisión, alquilar un panel comercial o distribuir volantes en las universidades locales. Dependiendo de la envergadura de tus recursos de publicidad, el dinero que gastes en el presupuesto publicitario de tu producción puede variar de insignificante a enorme.

No todas tus opciones promocionales cuestan dinero. Si puedes atraer a un periódico o canal de noticias local a tu producción para que realice un reportaje o nota, obtendrás publicidad gratis. Además, Internet ofrece muchas opciones promocionales sin costo pues las redes sociales y el correo electrónico son completamente gratis.

6

Supervisa la obra durante toda su trayectoria. Tus labores como productor no terminan después de la noche de estreno. Si bien debe quedar poca, si es que alguna, preparación o planificación, aún seguirás siendo el principal responsable de casi todos los aspectos de la producción de la obra. Prepárate para resolver los problemas conforme aparezcan. Podrías tener que coordinar la reparación o el reemplazo de utilería con desperfectos, eliminar conflictos de programación reprogramando presentaciones y cosas por el estilo. Le conviene a tu obra tener una trayectoria sin baches ni problemas, así que no asumas un papel inactivo después de su estreno.

Como hemos indicado anteriormente, algo que casi siempre tendrás que hacer es mantener a tus inversionistas al día en el estado de la obra, particularmente con respecto a su éxito financiero. Quizás esperen que les presentes informes financieros, lo que puede ser una experiencia estresante si la obra no genera dinero.

7

Remunera a tu equipo e inversionistas. Cuando tu obra empiece (esperemos) a generar ganancias con la venta de entradas, tendrás que empezar a pagarle un porcentaje del dinero ganado a los inversionistas financieros. A menudo, el local pedirá un porcentaje considerable de la venta de las entradas. Como productor, estarás a cargo de distribuir el dinero que ganes de manera que llegue a las manos correctas. Sin importar si tu obra genera ganancia o no, también tendrás que asegurarte de que a tus laboriosos actores y equipo de producción les paguen lo que se les debe.

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Herramientas Asincronicas:

HERRAMIENTAS ASINCRONICAS

Las herramientas de comunicación asincrónicas son aquéllas en las que la comunicación no se produce a tiempo real, es decir, en las que los participantes no están conectados en el mismo espacio de tiempo.

Las principales características de la comunicación asincrónica son:

· Es independiente del lugar. La comunicación se produce entre dos o más personas que pueden -o no- encontrarse físicamente ubicadas en contextos distintos.

· Es temporalmente independiente. Esto quiere decir que para que la comunicación tenga lugar, no es necesario que los participantes coincidan en el mismo tiempo. Un alumno puede enviar un mensaje al foro o un correo electrónico y éste no tiene por qué ser leído al instante por el resto de compañeros y tutores.

· Se basa en el texto. Esta comunicación solo se desarrolla en formato escrito (o textual).

· La comunicación tiene en lugar en grupo o individual. En los foros, la comunicación se produce en presencia de varios comunicantes, en cambio, en el correo electrónico la comunicación se produce de forma individual, es decir, un alumno (o tutor) envía un mensaje a otro alumno (o a un tutor).

Wiki

Un wiki o una wiki (del hawaiano wiki, «rápido»)[1] es un sitio webcuyas páginas pueden ser editadas por múltiples voluntarios a través del navegador web. Los usuarios pueden crear, modificar o borrar un mismo texto que comparten. Los textos o «páginas wiki» tienen títulos únicos. Si se escribe el título de una «página wiki» en algún lugar del wiki entre dobles corchetes ([[...]]), esta palabra se convierte en un «enlace web» a la página wiki.

Foros

Un foro es una página Web donde se coloca alguna pregunta sobre un tema en especial, esperando a que alguna persona que se pasea por los foros o que tiene una duda como la nuestra y pueda resolverla lo haga.

Cuando se resuelve la pregunta, la respuesta nos aparecerá en la línea siguiente de nuestra duda.

E-mail

El correo electrónico, en inglés electrónico email o e-mail, es un método para crear, enviar y recibir mensajes a través de sistemas de comunicación electrónica.

La mayoría de los sistemas de correo electrónico de hoy en día utilizan Internet, siendo el correo electrónico uno de los usos más populares de Internet.

BLOG

Son un espacio virtual que permite de forma personal escribir a través de internet artículos de texto acerca de cualquier tema, pudiéndole agregar imágenes, videos, audios, enlaces a otras páginas web o a otros blogs, etc.

Como permite una gran interactividad, los blogs se han convertido rápidamente en una potente herramienta de comunicación y de opinión acerca de cualquier tema o noticia.

Sise usa un blog con fines educativos pasa a denominarse edublog permitiendo que los estudiantes creen su propio conocimiento, centrado el aprendizaje en una verdadera formación personal continua a través del intercambio constante de opiniones e información.

http://leidy-matias.blogspot.com.co/

WEBQUEST

WebQuests son actividades estructuradas y guiadas que evitan estos obstáculos proporcionando a los alumnos una tarea bien definida, así como los recursos y las consignas que les permiten realizarlas.

En lugar de perder horas en busca de la información, los alumnos se apropian, interpretan y explotan las informaciones específicas que el profesor les asigna.

Cmaptools

cmaptools es una herramienta para confeccionar esquemas conceptuales. el objetivo del programa consiste en presentar gráficamente conceptos teóricos.

este fin lo lleva a cabo mediante una completa lista de recursos visuales que permiten vincular ideas de diferentes formas.

cmaptools dispone de un acceso vía internet a una ingente colección de trabajos que pueden servirnos como guía para nuestro proyecto, o simplemente como base que modificar para empezar a diseñar un mapa conceptual.

convertir los esquemas directamente en formato web es otra de las aportaciones realmente gratificantes de este programa, ya que facilita enormemente la publicación y difusión de los trabajos.

http://recursoseducativosparaegb.bligoo.com/content/view/1123512/Que-es-CmapTools.html#.WWUN2bLhDIU

CALAMEO

es una herramienta que ofrece la posibilidad de crear, alojar y compartir publicaciones interactivas. Admite y convierte una gran variedad de tipos de archivos (PDF, Word, Powerpoint, OpenOffice, etc… ) en un documento que se puede leer pasando las páginas como en un libro “virtual”

Para poder crear un documento en Calameo sólo se requiere un registro, que es totalmente gratuito, ya sea a través de vuestra cuenta de correo o incluso vuestro perfil de #FB que es más rápido y fácil. Así lo hemos preferido hacer nosotros por lo menos

Voki

es una herramienta interesante que podemos tomar para el aula de idiomas (excelente, para inglés). Se trata de un widget (como un "extra") gratuito que produce un "voki" o personaje (avatar) que se mueve y habla el texto que le introducimos. Este "voki" resultante lo podemos insertar en una página web, blog, wiki, etc. o bien enviarlo por correo electrónico e incluso por móvil. Como usa la tecnología text-to-speech (pasar de texto a voz), nos puede ser de gran utilidad para ayudar a nuestros alumnos a la reflexión de su propio texto y nos puede ayudar también con la pronunciación de una forma lúdica. ¿Y qué mejor, si uno aprende divirtiéndose?

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HERRAMIENTAS SINCRONICAS

Son las herramientas utilizadas para la comunicación en tiempo real, para ello los estudiantes deben conectados en el mismo tiempo sin importar la distancia que medie entre los usuarios sincronía es la "coincidencia de hechos o fenómenos en el tiempo". En el caso de la comunicación entre profesor-estudiante, mediada por la tecnología, se refiere al uso del software o servicios en red (Internet) donde el profesor y el estudiante se encuentren en el mismo horario a través de la misma herramienta. Como

*Chat, videoconferencia, audioconferencia, skipe, mensajería instantánea, teléfono. Entre otros.

PIZARRA DIGITAL

Una pizarra digital (PD) es un sistema tecnológico, generalmente integrado por un ordenador y un videoproyector, que permite proyectar contenidos digitales en un formato idóneo para visualización en grupo. Se puede interactuar sobre las imágenes proyectadas utilizando los periféricos del ordenador: ratón, teclado.

La superficie de proyección puede ser una pizarra blanca (recomendado), una pantalla de proyección o incluso una pared blanca.

La interacción se realiza necesariamente con los periféricos del ordenador: teclado, ratón, tableta gráfica... (que conviene sean inalámbricos tipo Bluetooth).

Componentes básicos de una PD:

Un ordenador: es conviene que el aula tenga conexión a Internet.

Un videoproyector: es conviene que el videoproyector esté fijo en el techo.

Pizarra blanca donde proyectar.

CHAT

El chat es un sistema mediante el cual dos o más personas pueden comunicarse a través de Internet, en forma simultánea, es decir en tiempo real, por medio de texto, audio y hasta video, sin importar si se encuentra en diferentes ciudades o países.

VIDEOCONFERENCIA

La videoconferencia es una tecnología que proporciona un sistema de comunicación bidireccional de audio, video y datos que permite que las sedes receptoras y emisoras mantengan una comunicación simultánea interactiva en tiempo real. Para ello se requiere utilizar equipo especializado que te permita realizar una conexión a cualquier parte del mundo sin la necesidad de trasladarnos a un punto de particular.

AUDIO CONFERENCIA

La audioconferencia es la interacción entre grupos de personas en dos o más sitios en tiempo real usando telefonía de alta calidad, movilidad, y manos libres. Utiliza redes de comunicaciones convencionales como POTS e ISDN.

La audioconferencia es la modalidad más antigua y sencilla de teleconferencia. Su uso se ha extendido para diversos fines que van desde el ámbito de los negocios hasta la educación. No utiliza medios visuales, siendo de menos costosa que una videoconferencia.

La audioconferencia permite la interacción entre individuos ubicados físicamente en lugares distantes, utiliza tecnología de fácil acceso permitiendo mayor cobertura. Aunque tiene existe la posibilidad de que uno de los participantes en la audioconferencia monopolice el uso de la palabra.http://www.cavsi.com/preguntasrespuestas/que-es-audioconferencia/

SKYPE

Skype es una aplicación o programa que puedes instalar en tu computador, ordenador o teléfono móvil para comunicarte con personas de cualquier parte del mundo por medio de llamadas, video conferencias y mensajería instantánea. Además, puedes compartir cualquier tipo de archivo con tus contactos y, lo mejor, completamente gratis. Si tienes crédito en tu cuenta de Skype, puedes llamar a cualquier teléfono ya sea móvil o fijo sin importar el lugar del mundo al que desees comunicarte.

Skype no solo te ofrece servicio de chat, sino muchas opciones para que puedas comunicarte con tus familiares o amigos. A continuación te mostraré algunas de las ventajas que te ofrece esta herramienta.

Las ventajas de usar Skype

Las llamadas son gratuitas para cualquier persona que use Skype, sin importar el lugar del mundo en donde se encuentre.

Puedes hacer llamadas a teléfonos fijos o celulares a precios muy económicos. Todo depende del plan que escojas.

Con crédito en tu cuenta, puedes hacer video conferencias grupales y disfrutar de momentos increíbles con tus familiares y amigos.

Puedes hacer llamadas grupales hasta con 24 personas al mismo tiempo y hablar todo lo que quieras totalmente gratis.

Puedes enviar mensajes a teléfonos fijos o móviles desde tu cuenta de Skype.

Puedes crear tu propio número de teléfono para que te puedan llamar como si tuvieras uno en los Estados Unidos.https://www.gcfaprendelibre.org/tecnologia/curso/skype/que_es_y_como_se_crea_una_cuenta_en_skype/1.do

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SITIOS Y SERVICIOS DE INTERNET

Sitios en internet

Los sitios en internet son lugares virtuales que pueden ser vistos a través de una computadora con acceso a la world wide web. Estos están compuestos por imágenes, texto y la mayoría de las veces cuentan también con sonido. El ciber nauta puede interactuar con todo esto según sus intereses.

Los sitios en internet son una necesidad hoy en dia para toda empresa que requiera presencia, ya que de lo contrario estaría perdiendo ventas, al ser el internet el primer medio en el que los clientes potenciales buscan algún producto o servicio.

Toda empresa importante requiere de sitios en internet para que sus clientes puedan estar al tanto de sus ofertas, promociones, actualizaciones y catalogos. Por lo que es una herramienta fundamental para las ventas.

http://www.birlain.com/sitios_internet.html

SERVICIOS DE INTERNET

Ya hemos afirmado que Internet es mucho más que la WWW, y que la red posee una serie de servicios que, en mayor o menor medida, tienen que ver con las funciones de información,comunicación e interacción. Algunos de los servicios disponibles en Internet aparte de la Web, son el acceso remoto a otros ordenadores (a través de telnet o siguiendo el modelo cliente/servidor), la transferencia de ficheros (FTP), el correo electrónico (e-mail), los boletines electrónicos y grupos de noticias (USENET y news groups), las listas de distribución, los foros de debate y las conversaciones en línea (chats).

El correo electrónico y los boletines de noticias Usenet fueron las primeras formas de comunicación que se usaron sobre Internet, pero la red ofrece hoy una amplia gama de instrumentos y contextos para el acceso y la recuperación de documentos, la comunicación y la interacción. Además, el acceso y la distribución de información ya no se limitan al texto en código ASCII, como en los primeros tiempos de Internet, sino que abarcan todas las morfologías de la información: texto, imagen, audio, vídeo, recursos audiovisuales, etc. En Internet también se puede escuchar la radio, ver la televisión, asistir a un concierto, visitar un museo o jugar a través de la red. El empleo del Internet ha crecido exponencialmente gracias a muchos de estos usos y, especialmente, por la facilidad de manejo que permite hoy la propia World Wide Web.

Así pues, existen unos servicios que permiten el intercambio de mensajes personales (correo electrónico, grupos de noticias, listas de distribución, foros, etc.), otros adecuados para la interacción mediante conversaciones en tiempo real (chats) y otros dedicados al suministro y acceso a la información (World Wide Web, FTP, etc.).

En el campo concreto de la documentación, nos interesa saber que en Internet existen o han existido numerosas herramientas que facilitan la localización de información o el acceso dentro de la red, como: Whois, X.500, Gopher, Archie, WAIS y WWW. En la actualidad la gran mayoría de estas herramientas han evolucionado y se encuentran hoy accesibles dentro de la Web. Por ejemplo, el protocolo telnet que facilitaba la conexión de un ordenador remoto a una red abierta y que se utilizaba para conectarse a los grandes catálogos de bibliotecas, centros de documentación y bases de datos, ha desaparecido prácticamente, puesto que se ha impuesto de forma casi en exclusiva el modelo de cliente/servidor convirtiendo Internet en una red de redes mucho más abiertas, con ordenadores (tanto servidores como clientes) mucho más potentes. Hoy es posible acceder a estos grandes catálogos mediante la interfaz que ofrecen los navegadores de la Web.

Los servicios que hoy ofrece Internet no sólo se han multiplicado, sino que han evolucionado hacia nuevas y mejoradas funciones y han ganado en facilidad de uso y manejo. A este cambio han contribuido no sólo la velocidad de transferencia de los bits que permiten los modems y routers actuales y la mayor eficiencia y capacidad de las líneas de telecomunicaciones con un gran ancho de banda, sino también, mejoras en el software y las aplicaciones (bases de datos integradas en la Web, motores de búsqueda, agentes inteligentes, etc.) y en el hardware (mayor capacidad de almacenamiento y memoria, incremento exponencial de la velocidad de los procesadores, capacidad de tratar todo tipo de datos no sólo los textuales, sino también los datos multimedia, etc.). El usuario ya no tiene que operar con comandos y algoritmos complejos, sino manejando el ratón sobre iconos e interfaces gráficas e incluso con la voz, y por medio del lenguaje natural.

http://www.hipertexto.info/documentos/serv_internet.htmhttp://www.hipertexto.info/documentos/serv_internet.htm

PASOS PARA CREAR UN BLOG

Crear un blog exitoso no es fácil. Pero tampoco es imposible. Muy a menudo ves bloggers tratando de hacer algo con sus blogs, pero hay muchos de ellos que no encuentran el éxito con sus blogs.Aquí hay algunos de los pasos más importantes que debes efectuar de forma que puedas crear un blog exitoso:

1. Escoge una temática para tu blog:

Es la primera decisión que debes tomar. Escoge una temática que ames -no quiero decir AMOR!- Solo que no te debe ser difícil escribir contenido de calidad en tu blog.

2. Escoge un buen nombre para tu blog:

Supón que quieres escribir acerca del “Basketball”. Y entonces escoges un nombre que esta muy relacionado con este tema. Por ejemplo, “SuperBasket” podría ser un buen nombre para este blog. Por supuesto, debes mirar si este nombre ya lo tiene otro blog, si no es así, regístralo lo más pronto posible.

3. Escoge una plataforma para tu blog:

Es muy importante que te instruyas sobre las plataformas para blogs. Hay varias plataformas que puedes escoger, solo observa: Consejos para bloggers novatos Parte 2: ¿Como comienzo?.

Míralas todas y escoge la que más te guste.

4. Escoge una plantilla para el blog:

Cuando hayas escogido la plataforma para el blog, debes escoger una plantilla para el blog. Hay una gran cantidad de plantillas disponibles en toda la Internet que hacen de esta parte, la más divertida de todas -a mi parecer.

5. Escoge tu frecuencia de publicación:

Este es uno de los factores más importantes a decidir. Cuando tu empiezas a publicar, debes hacerlo de forma regular, así tus lectores sabrán que esperar de ti. Si empiezas a publicar como un loco por un tiempo y después no publicas nada por algún tiempo, te encontrarás con la dificultad de hacer que tus lectores sigan regresando.

6. Sé siempre activo en la blogósfera:

Visita otros sitios, si tienes que decir algo en otros blogs, dilo, no solo lo pienses y te vas, únete a comunidades sociales en Internet (recomiendo para comenzar: MyBlogLog y Technorati) interactúa con otros bloggers alrededor de la web.

7. Escribe artículos interesantes y de calidad en tu blog:

Si puedes hacer esto, tienes un futuro en la blogósfera. Un artículo que te explica más este paso y el quinto paso es: Cantidad vs Calidad: ¿qué es más importante?.

Si piensas que existen otros pasos que pueden ayudar a que un blog sea exitoso, solo ponlos aquí mediante un comentario.

http://www.trazos-web.com/2007/09/11/7-pasos-importantes-para-crear-un-blog-exitoso/

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DRAMATURGOS

MIGUEL DE CERVANTES SAAVEDRA

29 de septiembre 1547 (que se supone) - 22 de abril 1616) era un escritor español que se considera extensamente como el escritor más grande en el idioma español y uno de los novelistas preeminentes del mundo.

Su obra principal, Don Quijote , es considerada la primera novela moderna un clásico de la literatura occidental , y se considera entre las mejores obras de ficción jamás escritas. Su influencia en la lengua española ha sido tan grande que el lenguaje se llama a menudo la lengua de Cervantes ("la lengua de Cervantes"). También ha sido apodado El Príncipe de los Ingenios.

En 1569, en un exilio forzado de Castilla, Cervantes se trasladó a Roma, donde trabajó como ayudante de cámara de un cardenal. Luego se alistó como soldado en un regimiento de infantería de la Armada española y continuó su vida militar hasta 1575, cuando fue capturado por los piratas de Barbary . Después de cinco años de cautiverio, fue liberado mediante el pago de un rescate por sus padres y los trinitarios , una orden religiosa católica, y regresó a su familia en Madrid.

La Numancia (1582)

El trato de Argel (1582)

https://en.wikipedia.org/wiki/Miguel_de_Cervantes

LOPE DE VEGA

Félix Lope de Vega y Carpio ( pronunciación española: 25 noviembre 1562 a 27 agosto 1635) era un español dramaturgo, poeta, novelista y marino. Fue uno de los personajes clave del Siglo de Oro español de la literatura barroca . Su reputación en el mundo de la literatura española es sólo secundaria a la de Cervantes , mientras que el volumen de su producción literaria es inigualable, convirtiéndolo en uno de los autores más prolíficos de la historia de la literatura.

Apodado "El Fénix de los Ingenios" y "monstruo de la naturaleza" (en español: Fénix de los Ingenios , Monstruo de la Naturaleza ; debido al volumen de su obra) por Miguel de Cervantes , Lope de Vega renovó el teatro español a la vez Cuando empezaba a convertirse en un fenómeno cultural de masas. Él definió sus características claves, y junto con Calderón de la Barca y Tirso de Molina, llevó el teatro barroco español a sus mayores alturas. Debido a la perspicacia, la profundidad y la facilidad de sus obras, es considerado como uno de los grandes dramaturgos de la literatura occidental , sus obras todavía se producen en todo el mundo. También fue uno de los mejores poetas líricos de la lengua española, Y autor de varias novelas. A pesar de no ser bien conocido en el mundo de habla inglesa, sus obras se presentaron en Inglaterra tan tarde como la década de 1660, cuando el diarista Samuel Pepysregistró haber asistido a algunas adaptaciones y traducciones de ellos, aunque omite mencionar al autor.

Se le atribuyen unos 3.000 sonetos , 3 novelas , 4 novelas , 9 poemas épicos y cerca de 500 obras teatrales . Aunque ha sido criticado por poner la cantidad por encima de la calidad, sin embargo, al menos 80 de sus obras se consideran obras maestras. Era un amigo de los escritores Quevedo y Juan Ruiz de Alarcón , y el volumen de su vida lo envidiaba no sólo por autores contemporáneos como Cervantes y Góngora , sino también por muchos otros: Goethe deseaba , por ejemplo, haber podido Para producir una obra tan vasta y colorida.

El maestro de danzar (1594) ( El maestro del baile )

Los locos de Valencia ( Locura de Valencia )

https://en.wikipedia.org/wiki/Lope_de_Vega

CALDERON DE LA BARCA

Pedro Calderón de la Barca y Barreda González de Henao Ruiz de Blasco y Riaño , normalmente se conoce como Pedro Calderón de la Barca ( pronunciación española: [peðɾo kaldeɾon de la βarka] ; 17 en 1600 a 25 may 1681), fue un dramaturgo, poeta Y escritor de la Edad de Oro española . Durante ciertos períodos de su vida él era también un soldado y un sacerdote católico romano. Nacido cuando el teatro de la Edad de Oro español fue definido por Lope de Vega , él lo desarrolló más lejos, su trabajo que es considerado como la culminación del teatro barroco español. Como tal, es considerado como uno de los dramaturgos más importantes de España y uno de los mejores dramaturgos de la literatura mundial.

A secreto agravio, secreta venganza

El alcalde de Zalamea

https://en.wikipedia.org/wiki/Pedro_Calder%C3%B3n_de_la_Barca

HUMBERTO DORADO

Humberto Dorado (Bogotá, Colombia, 1951) es un actor, escritor, dramaturgo, guionista, director y productor de teatro, cine y televisión colombiano.

Nació en Bogotá, hijo de un cirujano plástico de Bolívar, Cauca y una docente de Ciénaga, Magdalena,1​

Su carrera artística empieza cuando es llamado para hacer pequeños papeles infantiles en el programa "Hogar, dulce hogar" y en un par de montajes de la Escuela Nacional de Arte Dramático. En su niñez asiste a una representación de Otelo en el Teatro Colón por una compañía española y queda maravillado por la posibilidad de vivir muchas vidas. Fundó el club de teatro "La Urraca" en el colegio Champagnat y la Casa de la Cultura de Pasto. Trabajó y dirigió el Teatro Estudio de La Universidad de los Andes y fue parte del Teatro Libre de Bogotá, al cual estuvo vinculado por 12 años, donde culminó su participación con la co-producción de la obra A puerta cerrada de Jean-Paul Sartre. Luego de conocer a Fanny Mikey, gran promotora del teatro en Colombia, crean una estrecha amistad que perdura hasta la muerte de Fanny en 2008; Humberto escribe una biografía de Fanny que es publicada por la editorial Planeta de Colombia en 2000 bajo el título Por el placer de vivir.

Junto con los directores y productores Alí Humar, Kepa Amuchastegui y Jairo Soto empezó su carrera en el cine y la televisión. Trabajó bajo la dirección de Pepe Sánchez y Escribió luego Cuentos del domingo. Participó como actor y guionista de las películas (1988), Técnicas de duelo: una cuestión de honor (1989), La estrategia del caracol (1993), Águilas no cazan moscas (1994), Perder es cuestión de método (2005), La cara oculta (2011), entre otras. También se ha dedicado como docente dictando clases de guion cinematográfico.

En la televisión colombiana ha participado en telenovelas y series como Calamar (1989), La vida secreta de Adriano Espeleta (1991), Sangre de lobos (1991), Solo una mujer(1995), Copas amargas (1996), La costeña y el cachaco (2003), Enigmas del más allá (2005), Hasta que la plata nos separe (2006), Amor en custodia (2009), La bruja (2011), Allá te espero (2012), entre otras.

Águilas no cazan moscas

Golpe de estadio

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ANDRES CAICEDO

Luis Andrés Caicedo Estela (29 de septiembre de 1951 - 4 de marzo de 1977) fue un escritor colombiano nacido en Cali , la ciudad donde pasaría la mayor parte de su vida. A pesar de su muerte prematura, sus obras son consideradas algunas de las más originales producidas en Colombia. [1] Caicedo lideró diferentes movimientos culturales en la ciudad como el grupo literario " Los Dialogantes ", el Club de Cine de Cali y la Revista " Ojo con el Cine ". En 1970 ganó el Primer Contenido Literario de Caracas con su obra " Los dientes de caperucita " (The Teeth of Little Red Riding Hood ), que le abrió las puertas del reconocimiento nacional. Algunas fuentes dicen que él solía decir que vivir más de 25 años era una vergüenza y se ve como la razón principal de su suicidio el 4 de marzo de 1977, cuando tenía esa edad. El trabajo de Caicedo tiene como contexto el mundo urbano y sus conflictos sociales, especialmente los de los jóvenes. Contrariamente a la escuela del realismo mágico , la obra de Caicedo se basa completamente en la realidad social. Por lo tanto, algunos investigadores dan importancia a su trabajo como una alternativa en América Latina a figuras prominentes como Gabriel García Márquez , especialmente a través de la investigación de la chilena periodista, escritor y crítico de cine Alberto Fuguet que llamó Caicedo " El primer enemigo de Macondo ". A pesar de su fama en Colombia, Caicedo es poco conocido en Latinoamérica , quizás por su muerte prematura.

El cuento de mi vida (2007). Bogotá : Norma.

Noche sin fortuna / Antígona (2002). Bogotá : Norma.

https://en.wikipedia.org/wiki/Andr%C3%A9s_Caicedo

FABIO RUBIANO

Dramaturgo, actor y director, 50 años, Fusagasugá

Nací en Fusagasugá. Soy el único ‘no rolo’ de mi familia. Pero terminé siendo el más bogotano de todos. Al contrario de lo que piensa la mayoría, creo que en Bogotá tenemos mucho de caribeños. Tal vez por eso en otros países nuestro acento les suena costeño.

En el colegio tuve un muy bonito maestro, el profesor Palacios. Me daba la misma tranquilidad que sentía con los curas y las monjas. Sinceramente yo no tengo un solo mal recuerdo de la religión. Me hacía sentir protegido. Luego me di cuenta de que la espiritualidad de muchos no era sincera.

Ninguna transformación funciona cuando la regla es que si hay que lograr algo, no importa cómo se haga.

A mis 19 tuve un bar de salsa llamado La Ratonera, en la 66 con 11. No fiábamos. Mauricio Ramos —mi socio— y yo teníamos un pacto: yo me encargaba de decirles que no les podía fiar a los amigos de él, y él a los míos.

Las vías de hecho son propias de quienes no acuden al pensamiento.

De estudiante conocí a Marcela Valencia, mi compañera de toda la vida. No como mi pareja (porque ya no lo es) sino como mi ocia, que lo sigue siendo. Con ella fundamos el Teatro Petra en 1985. Gran parte de la financiación vino de mi hermana María. Ella creía sinceramente que eso iba a dar algo. Y todavía lo cree.

En el teatro un olvido de un segundo parece eterno.

Cuando empecé a hacer televisión para mí fue un dilema ético trabajar en un medio por el que sentía tantas reservas. Tan pronto ingresé, noté que entre esos actores de televisión a los que despreciaba por prejuicio, había unos más preparados que los del propio teatro, con claras posiciones políticas y éticas.

Es curioso. El teatro está más ligado a la izquierda que a la derecha en Colombia. Hacer teatro de derecha es muy difícil, porque el teatro está hecho para plantear preguntas y descorrer velos, que por lo general incomodan.

El teatro tiene un trasfondo revolucionario, y eso es algo que en el país se interpreta erróneamente como terrorismo.

La televisión es cruel. Quien es el más cotizado hoy, mañana es burla. Ver a grandes estrellas caídas haciendo televentas es muy triste, no porque hacer televentas sea malo, sino porque uno sabe que su talento habría dado para más.

Hacer televisión me acercó más al teatro, porque al fin tuve dinero para mis montajes. Lo que gané en televisión lo invertí en teatro.

Cuando gané mi más reciente premio en teatro, alguien muy cercano, que también trabaja en esto, me aconsejó con la mejor intención: “ahora no te vayas a tirar esa plata en teatro otra vez. Utilízala bien”.

Un amigo libretista me propuso trabajar en dos capítulos de la comedia Vuelo Secreto. Ahí nació el personaje de Lady Danny. Su palabra característica: “triplepapito”, me la sugirió Germán González, un técnico de mi grupo de teatro. Un día la usé y se volvió famosa. Ese fue el programa más visto en Colombia durante mucho tiempo.

Todos los ‘mamertos’ somos salseros.

En los festivales de teatro, cuando estás de gira, te alojan en hotel seis estrellas. Una vez que estos terminan te hospedas en un hostal con ocho compañeros, todos en un cuarto. Y en ambos lugares nos divertimos por igual.

En el teatro, si dices algo que nadie es capaz de decodificar, no estás haciendo nada.

Me gusta mucho la televisión. Me parece que el melodrama es un elemento digno y necesario, que representa una parte de nuestra sociedad. Lo malo es que siempre acude a la reivindicación del pobre a manos del rico.

El humor bogotano no es (como algunos cachacos jartos de antaño creían) igual al inglés. El nuestro tiene más sorna.

No tengo hijos. Es una decisión un poco egoísta, porque la paternidad absorbe tu tiempo. El otro día, hablando con una extra que tiene tres, me felicitó por esta posición: “Uno se pierde de muchas cosas siendo madre”, me dijo.

Está surgiendo una nueva generación de directores de teatro. Veo que se avecina un magnífico renacimiento. Tienen la confianza que a los de mi generación nos costó construir.

No sería capaz de golpear ni de dispararle a nadie. Una sola vez le pegué a alguien en el colegio. Luego tuve, durante todo el día, la desagradable sensación de haberle hecho daño con mis nudillos. Me molestaba la conciencia. Por fortuna él me rompió la nariz y cuando comencé a sangrar, ahí se acabó la pelea. Al otro día nos dimos la mano.

En Colombia no sabemos discutir sin insultar o amenazar. Argumentativamente somos débiles, porque hablamos mal.El cine es el hijo rico y malagradecido del teatro.

-'Sara dice', Rubiano dirige

-Traducen 'Labio de liebre' al chino

http://www.esquire.com.co/detalleNoticia.php/332/FabioRubiano

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sopa de letras

El cerco de Numancia (1585)

La conquista de Jerusalén

Los tratos de Argel

El gallardo español

La gran sultana

Los baños de Argel

La casa de los celos y selvas de Ardenia

El laberinto de amor

Amor, honor y poder

La cisma de Inglaterra

Casa con dos puertas, mala es de guardar

La dama duende

La banda y la flor

La cena del rey Baltasar

https://www.educima.com/wordsearch/spa/wordsearch.php

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