ANIMACION

ANIMACION

1. QUE ES?

   • Es un proceso utilizado por uno o más personas animadoras para dar la sensación de movimiento a imágenes, dibujos u otro tipo de objetos inanimados
   • TIPOS DE ANIMACION
     • Imágenes flip
       • Es la forma más simple, pero también la más efectiva de impresión lenticular. Consiste en 2 o más imágenes y se puede producir para aplicaciones horizontales (paredes) y verticales (postales).
     • Imágenes en movimiento
       • Es una variante del efecto flip. Las imágenes en movimiento o animación tienen un promedio de 10 o más imágenes unidas.
     • Efecto zoom
       • El efecto zoom causa un gran impacto. Cuando se visualiza la impresión lenticular desde distintos ángulos, el espectador tiene la impresión de que los objetos se amplían o reducen.
     • Morphing (transformación)
       • Este tipo de animación permite crear una tansición de una imagen a otra. El morphing se produce en distintas fases, creando la ilusión de que el objeto se transforma gradualmente en otro objeto
     • Imágenes con “profundidad” 3D
       • Actualmente las simulaciones tridimensionales gozan de gran popularidad. Cuando creamos profundidad en la imagen, la experiencia visual alcanza otro nivel. La impresión lenticular es la única solución que permite ver imágenes tridimensionales sin necesidad de utilizar gafas especiales.
   • PRINCIPIOS DE LA ANIMACION
     • Estirar y encoger
       • La exageración y la deformación de los cuerpos, como si fueran flexibles, sirve para lograr un efecto más cómico, o más dramático.
         • Puede ser aplicado a objetos simples, como una pelota rebotando o algo mucho más complejo
       • Anticipación
         • Se deben anticipar los movimientos para guiar la mirada del espectador y anunciar lo que va a pasar. Esa técnica se divide en tres pasos: anticipación ,la acción en sí misma, y la reacción
           • ser usada para cuestiones que involucran sucesos, como un personaje mirando hacia afuera de la pantalla para anticipar la llegada de alguien
         • Puesta en escena
           • Con este principio traducimos las intenciones y el ambiente de la escena a posiciones y acciones específicas de los personajes.
             • u propósito es dirigir la atención de la audiencia y dejar en claro que es lo más importante dentro de la escena
           • Acción directa y pose a pose
             • En la acción directa creamos una acción continua, paso a paso, hasta concluir en una acción impredecible. En la acción pose a pose desglosamos los movimientos en series estructuradas de poses clave.
               • esta técnica dificulta el mantener las proporciones y la creación de poses precisas o convincentes.
             • Acción continuada y superposición
               • Estas dos técnicas ayudan a enriquecer y dar detalle a la acción. En la acción continuada, el personaje aún sigue moviéndose después de la acción principal.
                 • Estas partes pueden ser objetos inanimados, como ropa, la antena de un coche, o partes del cuerpo como los brazos o el cabello.
               • Entradas lentas y salidas lentas
                 • Se trata de acelerar el centro de la acción, y ralentizar el principio y el final de la misma.
                   • Este principio aplica para personajes moviéndose de una pose clave a otra, así como sentarse y pararse, pero también para objetos inanimados en movimiento, como una pelota rebotando
     • Arcos
       • Al utilizar trayectorias en arco para animar los movimientos del personaje le estaremos dando una apariencia más natural, ya que la mayoría de las criaturas vivientes se mueven en trayectorias curvas, nunca en líneas perfectamente rectas.
         • puede aplicarse a un miembro en movimiento rotando la articulación, o al lanzar un objeto en una trayectoria parabólica.
       • Acción secundaria
         • Consiste en pequeños movimientos que complementan a la acción principal y, de hecho son consecuencia de ella.
           • Una persona caminando puede simultáneamente balancear sus brazos, mantenerlos en sus bolsillos, hablar o silbar, o mostrar emociones a través de sus expresiones faciales.
         • Ritmo
           • El ritmo da sentido al movimiento. El tiempo que tarda un personaje en realizar una acción, o las interrupciones y dudas en los movimientos definen la acción.
             • es vital para establecer el humor, las emociones y reacciones de un personaje, También puede ser útil para comunicar aspectos de la personalidad del personaje.
           • Exageración
             • Acentuar una acción, generalmente ayuda a hacerla más creíble.
               • El nivel de exageración depende de cuanto realismo busques o de un estilo en particular, como el tipo de dibujo o animación de un artista en específico
             • Dibujos sólidos
               • Un buen modelado y un sistema de esqueleto sólido, ayudarán a hacer que el personaje cobre vida.
                 • animador necesita ser un habilidoso dibujante y tiene que entender las bases de las figuras tridimensionales, anatomía, peso, balance, luz, sombra, etc.
               • Personalidad o apariencia
                 • Se trata de proporcionar conexión emocional con el espectador. La forma de ser del personaje debe ser coherente con su forma de moverse.
                   • para personajes simpáticos, el uso de un rostro simétrico o parecido al de un bebé, tiende a ser efectivo.

2. NOMBRE: Jairo Andres Vega / Esteban Cobos

   • GRADO 11°02

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