EL MONTAJE-LA HISTORIA DEL MONTAJE Y DEL VÍDEO-CLIP

EL MONTAJE-LA HISTORIA DEL MONTAJE Y DEL VÍDEO-CLIP

1. EL MONTAJE

   • ¿Qué es el montaje cinematogfáfico?
     • El montaje audiovisual es la unión de los distintos trozos de película para crear una cinta final. Consiste en escoger, ordenar y unir una selección de los planos a registrar, según una idea y una dinámica determinada, a partir del guion, la idea del director y el aporte del montador. En vídeo la palabra equivalente es edición, asegurarse de que cada uno de los detalles necesarios para una puesta en escena esté bien.
     • ¿Por qué es tan importante?
       • El montaje es la base del lenguaje cinematográfico. Los cineastas, utilizan el montaje para narrar. Cuando planifican el rodaje de una película, deben imaginar cuál va a ser el montaje final, y así rodar los diferentes tipos de plano necesarios para realizar ese montaje imaginado.
     • Tipos
       • Montaje interno
         • El movimiento de la cámara y el de los personajes determinará lo que el espectador verá, lo que no verá, en qué orden y a qué velocidad. El hecho de que no haya ningún corte hace que el tiempo cinematográfico se equipare al tiempo real. Es decir, el tiempo cronológico que transcurre dentro de la escena en cuestión es el mismo que transcurre en la butaca del cine o en el sofá de casa mientras vemos esa película. Esto hará que el espectador viva de una manera más intensa, y se meta más fácilmente en la piel de los personajes.
       • Montaje externo
         • La fragmentación de la acción y el espacio en diferentes planos, rodados desde diferentes ángulos, y unidos en un orden y ritmo concretos, determinará la experiencia audiovisual del espectador. Es decir, en el montaje interno no hay cortes de plano, y en el montaje externo sí.
         • ¿Por qué el montaje externo es lo más habitual?
           • Muy sencillo: hacer toda una película, o cada secuencia, en un solo plano, es decir, con montaje interno exclusivamente, es un verdadero engorro, tanto para el equipo de rodaje como para el espectador, salvo honrosas excepciones.
       • Montaje en continuidad o montaje invisible:
         • El corte en movimiento.
           • Para que el paso de un plano a otro sea más suave e imperceptible, es muy útil utilizar el movimiento de un personaje o cosa  que empiece en el primer plano y termine en el segundo. A la hora de rodar, se grabará el mismo movimiento en los dos planos. Y, si los empalmamos en la mitad del movimiento, el espectador no notará el corte porque estará pendiente del movimiento.
         • El raccord.
           • Con raccord nos referimos a la coherencia entre un plano y el siguiente. Si pretendemos imprimir en el espectador una sensación de continuidad entre dos planos, estos deberán mantener la misma iluminación, la misma posición de los personajes y del atrezzo, el mismo vestuario, etc.
           • Características
             •  Explica una historia eliminando todo lo innecesario y evitando repeticiones.  Crea una coherencia espacial.  Mantiene la continuidad temporal.  Crea relaciones visuales y rítmicas.  Oculta al espectador los recursos de construcción de ficción.
           • Tipos
             • De posición: el actor debe ocupar la misma posición de una secuencia a la otra.  De miradas: las miradas deben seguir una orientación lógica en planos consecutivos.  De vestuario: se ha de respetar los posibles cambios o no de vestuario y los daños o cambios que estos tengan.  De posición de cámara: muy importante a la hora de realizar el montaje de la película.  De maquillaje y peluquería.  De montaje: para dar continuidad y sentir la narración.
         • El eje.
           • La función del eje es orientar al espectador dentro del espacio de una escena.
           • Eje miradas
             • Dicho eje es una línea imaginaria que une las miradas entre dos personajes que están interactuando en una escena. Teniendo en cuenta esa línea imaginaria, todas las posiciones de cámara deberán estar a un lado de ella. O, dicho de otra manera, la cámara se podrá colocar en las infinitas posiciones que engloba el ángulo de 180° que limita la susodicha línea.
           • Eje movimiento
             • En este caso, la línea imaginaria es la dirección del movimiento. Y así, todas las posiciones de cámara estarán a uno de los lados del eje.
         • Angulación de 45°.
           • Cuando tenemos que montar dos planos seguidos de un mismo personaje, además de lo anterior, también es muy aconsejable cambiar el tamaño del plano y la angulación en al menos 45°, para que no se produzca una sensación de salto, que haría más perceptible el corte y, por lo tanto, el artificio del cine.
         • ¿Por qué fragmentar la acción en diferentes planos para luego disimular la fragmentación?
           • - Porque si  el espectador es consciente continuamente de cada cambio de plano, se romperá la magia. Y como directores de cine solemos pretender que el respetable se deje llevar por la historia y se emocione. - Porque con el montaje externo conseguimos que el espectador vea la acción desde distintos puntos de vista, y con el montaje invisible conseguimos que no se desoriente. El espectador sabrá dónde está cada uno de los personajes, y quién habla o mira a quién.
       • Otra forma de clasificarlos
         • Según la totalidad del relato cinematográfico
           • Montaje narrativo
             • cuenta los hechos, o bien cronológicamente o haciendo saltos tanto al futuro (flash-forward) como al pasado (flash-back y Racconto), pero siempre estructurándose con la idea de dotarlos de forma narrativa.
           • Montaje ideológico
             • cuando utiliza las emociones, ya sea basándose en símbolos, gestos, etc.
           • Montaje creativo
             • ordenar sin tener en cuenta una cronología determinada como recurso cinematográfico, sino como una operación totalmente nueva, que tratará de dar coherencia, ritmo, acción y belleza a la obra fílmica.
           • Montaje expresivo
             • cuando marca el ritmo de la acción, rápido en las aventuras y en la acción, lento en el drama y en el suspense.
           • Montaje ritmico
             • aspecto métrico, concierne a la longitud de las tomas, una correlación entre el ritmo (movimiento de la imagen, de las imágenes entre sí) y el movimiento en la imagen. Existen tomas largas ( ritmo lento) que dan una sensación de languidez, y tomas cortas o muy cortas/ flashes que dan una proyección de ritmo rápido.
         • Según la temporalidad
           • Montaje lineal
             • Este desarrolla una única acción siguiendo el orden cronológico natural de la escena.
           • Montaje invertido
             • En este tipo de montaje, el orden cronológico del relato es alterado a partir de una temporalidad subjetiva
           • Montaje paralelo
             • En este tipo de montaje, dos o más escenas que suceden en escenarios y momentos distintos, se desarrollan simultáneamente, alternando imágenes de ambas situaciones, creando así asociaciones de ideas en el espectador.
           • Montaje alterno
             • El montaje alterno también se basa en la yuxtaposición de acciones, pero en este caso las situaciones suceden en el mismo momento, es decir, existe una correspondencia temporal.
         • Montaje analítico o externo y montaje sintético o interno
           • Montaje sintético
             • en base de encuadres de planos largos ("abiertos") y con frecuencia uso de la profundidad de campo (se ve en foco tanto el frente, la figura, como el fondo). Se da una visión más amplia de la escena, sin voluntad de análisis.
           • Montaje analítico
             • con encuadres de planos cortos ("cerrados") y en general de corta duración. Se analiza la realidad estudiándola por partes.
         • El montaje imperceptible
           • André Bazin escribió que "el montaje no puede utilizarse más que dentro de límites precisos, bajo pena de atentar contra la ontología misma de la fábula cinematográfica" (el montaje como negación). A esta violación perceptiva dentro del montaje, se opone a las tomas en profundidad de campo y sin cortes o que a menos existiese una homogeneidad del espacio y organizadas escenas con movimiento dentro del plano, para que el espectador sea quien distribuya su atención libremente hacia las zonas de la imagen más significativas.
         • La regla de seis
           • Walter Murch es el creador de la teoría de montaje La regla de seis, que se plantea en su obra En el momento del parpadeo. Esta regla se basa en el uso de una jerarquía para saber dónde y cuándo cortar para pasar de una escena a otra. La emoción es lo que se debe preservar en primer lugar a la hora del montaje. Se basa en seis criterios con un porcentaje de importancia cada uno, alcanzando un 100% el montaje ideal.
         • El montaje sonoro
           • El sonido añade posibles conflictos entre planos, entre el interior de los encuadres o entre secuencias o segmentos, aquellos que afectan al cruce entre imagen y sonido, multiplicando las expresiones (conflicto potencial). No solo consta de la voz y la palabra, sino que incluye efectos sonoros variados.
     • Video
       • Aquí podéis ver un vídeo explicando, con ejemplos, qué es el montaje cinematográfico. https://albertomazuecos.com/2017/02/07/montaje-cinematografico/

2. TÉCNICAS DE MONTAJE

   • Cortes
     • El corte es el elemento más básico del montaje, ya que es el recurso que se utiliza para pasar de un plano a otro. Ahora bien, estos cortes pueden ser de diferentes tipos, según los cuales se le aportarán diferentes aspectos al relato audiovisual, como por ejemplo, dinamismo.
     • El corte sobre la acción
       • Este tipo de corte consiste en cambiar de plano mientras se está desarrollando una acción. Suele ser muy brusco e impactante para el espectador. Se utiliza, por ejemplo, cuando un personaje despierta de un sueño.
     • El corte con inserción
       • Consiste en insertar, en medio de la acción que se está desarrollando, un plano de lo que está viendo el personaje en cuestión (que puede ser lo que ve, o un recuerdo, una visión...). Este recurso nos puede servir, por ejemplo, para combinar planos de tomas diferentes y simular que es una única toma.
     • Jump cut
       • El jump cut o corte por salto consiste en realizar pequeñas elipsis en un mismo plano, por tal de dar más dinamismo a montaje.
     • Match cut
       • En este caso, se pasa de un plano a otro que tiene una composición del encuadre prácticamente idéntica a la del primero. También se le llama match cut al corte que pasa de un plano a otro en que continúa desarrollando la misma acción pero en otro escenario (usual en las películas de comedia).
     • Corte invisible
       • Este es un tipo de corte que pretende pasar desapercibido para dar la sensación de plano secuencia. Uno de los ejemplos más claros lo encontramos en la película “La soga” de Alfred Hitchcock.
   • Transiciones
     • Las transiciones son recursos que se utilizan en el montaje audiovisual para pasar de un plano a otro. Es decir, es la manera de cambiar de plano. Dependiendo del uso que se les dé, pueden interferir en la idea del discurso audiovisual.
     • Fundidos
       • Pueden ser fundidos de entrada o de salida. Ambos consisten en pasar progresivamente de la oscuridad, es decir, de una imagen completamente negra a una imagen nítida o viceversa. Se utiliza al inicio o al final de las secuencias, por lo general.
     • Encadenado
       • Este tipo de transición consiste en mezclar dos planos; mientras uno desaparece, emerge el siguiente paulatinamente, de manera que ambas imágenes se mezclan.
     • Barrido
       • Consiste en realizar un movimiento de cámara tan rápido que el espectador no es capaz de distinguir con claridad el contenido de la imagen, de manera que no detecta el cambio de plano.
     • Cortinilla
       • Esta técnica consiste en pasar de un plano a otro invadiendo la primera imagen con la segunda de arriba abaja, de un lado a otro, viceversa, etc. Digamos que "un plano empuja al otro".
     • L-cut
       • Esta transición es de audio. Sucede cuando el audio de la primera escena se sigue escuchando en el de la segunda.
     • J-cut:
       • Al revés que el L-cut, en este caso el sonido anticipa lo que sucederá en el siguiente plano. Este recurso sirve para que el montaje sea más fluido.
     • Iris
       • Transición usual en el cine clásico. Consistía en abrir o cerrar la imagen desde o hacia el centro de la pantalla en forma de círculo, dejando en negro el resto del plano.

3. POSTPRODUCCIÓN

   • La posproducción es la manipulación de material audiovisual, digital o analógico usado para el cine, publicidad, programas de televisión o radio. Con el desarrollo de la informática, una de sus mayores utilidades se ha convertido en producir efectos digitales, pero la edición y montaje (no lineal) del material sigue siendo su máximo cometido.
   • Posproducción de vídeo
     • Digitalización o captura.
       • En el caso de material analógico, consiste en la conversión a imagen digital. En el caso de película cinematográfica, es necesario un telecine o un escáner de negativo. Si trabajamos con fotografías, un escáner de mesa. Para cintas en formatos analógicos o formatos digitales de video, un ordenador con tarjeta capturadora de video/audio que sea únicamente analógica o digital.
     • Edición
       • Selección de material digitalizado con programas adecuados.
     • Creación de material
       • Mediante diversas técnicas CGI (Imagen Generada por Computadora) se generan elementos que posteriormente se integraran en capas.
     • Filmado o volcado.
       • Dependiendo del destino, para cine se filma usando una filmadora o para video se vuelca mediante una computadora y el programa de edición/composición.
     • Composición de material
       • Mediante diversos programas informáticos, se compone (mezcla) el material digitalizado con el material generado por CGI.
   • ¿Cuántas fases comprende
     • Corte del editor
       • Existe varias etapas de edición y el corte del editor es el primero.
     • Corte del director
       • Cuando la filmación acaba, el director puede centrar su atención en colaborar con el editor y seguir perfeccionando el corte de la película. Se sigue el primer corte del editor, pero moldeándolo para adaptarlo a la visión del director.
     • Corte final
       • A menudo, después que el director ha tenido oportunidad de revisar un corte, los cortes posteriores son supervisados por uno o más productores, que representan a la compañía de producción o al estudio cinematográfico.
       • Calificación
         • En la etapa de preproducción de cualquier proyecto audiovisual se sientan las bases sobre las que se desarrollará la producción del mismo.
       • Ingesta
         • Es un traspaso de archivos desde la tarjeta de memoria en que se encuentran a la suite de programas de edición de vídeos con la que vayamos a trabajar.
       • Corrección
         • El proceso de corrección se encarga de pasar los distintos segmentos de vídeo al mismo formato. También es este proceso el que se encarga de realizar los retoques necesarios para que las distintas partes se adecúen a lo establecido durante la preproducción
       • Edición
         • Esta es quizá la etapa más icónica de la postproducción, ya que es la que se encarga de dar una estructura narrativa a la pieza audiovisual.
       • Inclusión de elementos
         • Una vez que ya tenemos la edición de vídeo finalizada es momento de incluir los distintos elementos que no se hayan podido captar con la lente de la cámara, como la música, los subtítulos, los efectos especiales, etc.

4. A FONDO

   • ¿Cuál es su primera manifestación?
     • El invento del montaje, concebido como la posibilidad de “ordenar” de una manera determinada la película filmada, se debe a George A. Smith, de la escuela inglesa de Brighton en 1901 (“Las aventuras de Mary Jane”). Pero será James Williamson (que casualmente era vecino y amigo de George A. Smith) el que se revelaría como uno de los más grandes innovadores en cuanto a la introducción de balbucientes técnicas de narración cinematográfica.
   • ¿Quién es conocido como el padre del “Lenguaje Cinematográfico”?
     • Estudios tempranos de la historia del cine mostraron a David Wark Griffith como “El padre del cine moderno”.
     • ¿Por qué?
       • Se le considera como el creador del lenguaje cinematográfico, por usar técnicas tales como el primer plano o el flashback, entre otros.
     • ¿Cuál fue la película?
       • “El nacimiento de una nación”.
     • ¿Qué innovaciones hizo en el montaje?
       • Desde el punto de vista técnico, “El nacimiento de una nación” marcó una fecha decisiva en la evolución del arte cinematográfico. La versión final de la película constó de doce rollos, con un total de 1.375 planos, que hacían progresar la narración gracias a una ágil utilización del montaje.
     • cuatro innovaciones en el montaje
       • Lev Kuleshov
         • descubrió las posibilidades del montaje, que permitía rodar escenas de manera independiente, para luego hacer que se interpretaran como si estuvieran grabadas en el mismo lugar.
       • Dziga Vertov,
         • por ejemplo, revolucionó el género documental con nuevos movimientos técnicos, entre los que destacó el cine-ojo, que usaba la lente como la visión del ojo humano y que plasmó en su manifiesto “Cine-ojo, la vida al imprevisto” (1924), y en su obra “El hombre de la cámara” (1929).
       • Vsévolod Pudovkin
         • está en contra del uso del plano general, prefería los planos próximos de detalle. Para él la intensidad dramática puede aumentarse construyendo exclusivamente por medio de detalles significativos. Esto debe influir en la forma de tratar el tema en el momento de escribir el guión.
       • Serguéi Eisenstein,
         • conocido por su obra más famosa: “El acorazado Potemkin”, considerada más tarde como una de las mejores películas de la historia del cine.
   • Películas
     • (La escalera de Odessa – “El acorazado Potemkin”)
       • https://youtu.be/a3BpFbsJd7Q 
     • (tráiler de “El hombre de la cámara”)
       • https://youtu.be/a9iC6e98IOk