MÚSICA

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ETAPA EXPLORATORIA

¿Para ti que es música?

Es una forma de expresión artistica y sentimental.

¿En qué época crees que nació la música?

Se creo en la epoca del hombre primitivo

¿Qué será sonido en música?

Son las ondas que crean diferentes matices.

¿Qué será ritmo en música?

Es la secuencia que produce el sonido.

¿Qué será melodía en música?

Es la tonalidad que posee una canción.

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CONSULTA

1. Defina los siguientes conceptos:

*Música: Es el arte de organizar sensible y lógicamente una combinación coherente de sonidos y silencios utilizando los principios fundamentales de la melodía, la armonía y el ritmo, mediante la intervención de complejos procesos psico-anímicos.

https://es.wikipedia.org/wiki/M%C3%BAsica

*Pentagrama o pauta musical: es el lugar donde se escriben las notas y todos los demás signos musicales en el sistema de notación musical occidental. Está formado por cinco líneas y cuatro espacios o interlíneas, que se enumeran de abajo hacia arriba. Las líneas son horizontales, rectas y equidistantes.

https://es.wikipedia.org/wiki/Pentagrama

*Notas musicales: La nota musical puede ser entendido como el elemento más básico y primordial del sonido y de la música. La nota musical es el elemento a partir del cual se arman las diferentes melodías y armonías en la música ya que cada una de ellas representa un sonido particular e indivisible que, puesta en conjunto con otras, arma un sonido más complejo y duradero. Las notas musicales son elementos abstractos pero se representan de manera simbólica en los pentagramas para que puedan ser leídas e interpretadas por los músicos.

https://www.definicionabc.com/audio/nota-musical.php

*Clave: La clave en notación musical es un signo cuya función es indicar la altura de la música escrita, asignando una determinada nota a una línea del pentagrama, que se toma como punto de referencia para establecer los nombres del resto de las notas.3​ Se ubica al principio de cada pentagrama, aunque puede cambiarse en cualquier momento durante el transcurso de la obra si se requiere. Los tres símbolos actuales utilizados para representar las distintas claves —la clave de do, la clave de fa y la clave de sol— son el resultado de la evolución histórica de tres signos representados respectivamente por la letra «C», «F» y «G» conforme a la notación alfabética que se empleaba antiguamente.

https://es.wikipedia.org/wiki/Clave_(notación_musical)

*Ritmo: ​ puede definirse generalmente como un ‘movimiento marcado por la sucesión regular de elementos débiles y fuertes, o bien de condiciones opuestas o diferentes. Es decir, un flujo de movimiento, controlado o medido, sonoro o visual, generalmente producido por una ordenación de elementos diferentes del medio en cuestión.

https://es.wikipedia.org/wiki/Ritmo

*Melodia: es una combinación de alturas y ritmo mientras que en sentido más figurado, el término en ocasiones se ha ampliado para incluir las sucesiones de otros elementos musicales como el timbre. Se puede considerar que la melodía es el primer plano respecto del acompañamiento de fondo. Pero una línea melódica o una voz no tiene necesariamente que ser una melodía en primer plano.

https://es.wikipedia.org/wiki/Melod%C3%ADa

*Sonidos:El sonido humanamente audible consiste en ondas sonoras y ondas acústicas que se producen cuando las oscilacionesde la presión del aire, son convertidas en ondas mecánicas en el oído humano y percibidas por el cerebro.

https://es.wikipedia.org/wiki/Sonido

*Silencios: o pausa es un signo que representa gráficamente la duración de una determinada pausa en una pieza musical. La manera gráfica de indicar la duración relativa de un silencio es mediante la utilización de una serie de símbolos diversos cuyos rasgos se modifican, como por ejemplo la ubicación en el pentagrama o el número de ganchos que tienen.

https://es.wikipedia.org/wiki/Silencio_(m%C3%BAsica)

*Compas: es la entidad métrica musical compuesta por varias unidades de tiempo (figuras musicales) que se organizan en grupos, en los que se da una contraposición entre partes acentuadas y átonas.

https://es.wikipedia.org/wiki/Comp%C3%A1s_(m%C3%BAsica)

*Valores de tiempo: Para tocar una nota hay que saber tres cosas: su tonalidad, cuándo hay que empezar a tocarla y cuánto debe durar, o sea, el tiempo. Básicamente existe siete valores de tiempo diferentes en la notación musical: desde la nota redonda (que es la que más dura) hasta la semifusa, que es la más corta. Sin embargo, los valores están estrictamente determinados por el aire y el compás de la pieza musical. Sabemos que el compás divide cada fragmento en un cierto número de partes, y que el aire determina la velocidad de estas partes. Por tanto, sólo se puede atribuir un valor de duración a una nota cuando se conocen el aire y el compás con que se va a tocar la música.

https://www.guitarmonia.es/teoria-musical/tiempo/https://www.guitarmonia.es/teoria-musical/tiempo/

*Figuras Musicales explicación e imagen: Una figura musical (a veces, mal llamada «nota», dado que esto se refiere a la altura del sonido) es un signo que representa gráficamente la duración musical de un determinado sonido en una pieza musical.

https://es.wikipedia.org/wiki/Figura_musical

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2.Historia de la música

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3.Escribe el Origen e historia de la música.

Orígenes de la música

La música que es tan vieja como el hombre parece sinónimo de movimientos desde la épocas más remotas. Ante todo la música vive del ritmo, La música y la danza parece tener origen común. El ritmo es una repetición de ruidos escandidos. Los primeros instrumentos de música fueron las manos del hombre, cuyo golpeteo constituyo la fuente primitiva del ritmo. Es probable que en su origen tanto que su encantamiento como la danza hayan tenido también algún parentesco como la magia.

Música antigua y música moderna

La música antigua no tiene nada en común con la música moderna, porque los antiguos cuando no hayan podido emitir dos sonidos simultáneamente, no parecen que hayan practicado el acorde, o sea la armonía. El ritmo desempeña allí un papel tan importante como en la música polifónica o de varias voces. La música monódica solo admite ahora como antes, el unísono o la octava.

La escala primitiva

Era la escala común a los chinos, a los celtas y a los japoneses. Todavía se le encuentra en los Pueblos del Pacífico. Esta formada de 5 tonos (sol, la, do, re, mi) debido a la existencia de instrumentos afinados por quintas, como lo están también nuestros actuales instrumentos de cuerda.

Hacia el año 2500 antes de nuestra era, parece que la vida musical fue intensa en Egipto: solo vocal con instrumentos, danzas fúnebres que utilizaban escalas de intervalos amplios, canto antifonal y responsorio. Durante el Imperio medio los egipcios poseían sistros, trompetas, flautas sencillas y dobles, arpas curvas; durante el nuevo Imperio, laúdes, cítaras y liras. En el bajo imperio se conocieron las campanillas, los címbalos, el aulos y el órgano hidráulico.

La escala pitagórica

Pitágoras, descubrió que las principales consonancias octavas, cuartas y quintas correspondían a las divisiones exactas de la cuerda tendida de un arco. La escala que lleva su nombre posee siete tonos engendrados por las sucesiones de quintas justas naturales. Admite consonancias perfectas (octava, cuarta, y quinta) y disonancias (tercera y sexta) y agrupan tonos y semitonos. La armonía no parece ser muy usada por los antiguos, la noción de tónica no existe pero lo que determina una real variedad de escalas es el sitio del semitono o de la mediante, es decir la nota en torno a la cual se reúnen todos los grados de la escala. La escala griega por excelencia es la escala dórica., esta constituida básicamente por el tetracordio la, sol, fa, mi, serie de cuatro notas conjuntas que suenan en cuarta. Los griegos admitían tres géneros musicales: el género diatónico, el género cromático y el enbarmónico. Para ellos cada uno correspondía a un estado de alma diferente cada uno tenía su carácter moral. La enseñanza de la música ocupaba un lugar más importante que en nuestros días.

La música griega

Fue esencialmente vocal todas las obras líricas se cataban. La música era obligatoria tanto en el teatro como en los juegos olímpicos y típicos en las Panateneas. Las música Instrumental, tal como la entendemos no parece haber disfrutado del favor. Los instrumentos de música sirvieron para sostener la voz o, mejor, para proporcionar el ritmo.

La música romana

Parece perder el refinamiento primitivo que le habían dado los griegos. Los romanos conocían sin duda el compás, y también la cuadratura. Se apasionaba por el ritmo, el canto y la poesía. La declamación cantada, los coros y los himnos religiosos gozaban del público en el teatro, en los juegos y en los banquetes, donde los instrumentistas griegos se apasionaban por la música. Entre los griegos, como entre los romanos, la notación se representaba por medio de las letras del alfabeto.

La música bizantina

Participaba de la melodía griega y de la vocalización oriental. Cultivada primero en Alejandría y después en Bizancio, utilizó durante largo tiempo los modos griegos. El arte primitivo se enriqueció en el siglo VIII con muchos himnos u ondas de origen serio Parece que el primer arte bizantino vio el nacimiento de los ensayos iniciales de la polifonía vocal. El arte profano utilizó desde épocas muy tempranas los géneros cromáticos y enharmónico en las ceremonias y en las fiestas suntuosas celebradas ene el palacio imperial, a la cuales daba realce la presencia de tocadores de aulos, de cítara y sobre todo de órganos, instrumentos de tubos y cuya fabricación se había convertido desde el siglo VIII en especialista de Bizancio.

La canción popular

Surgió de la Iglesia, se desarrolló en el teatro mientras se representaban los misterios y se cantaba., ya simplificados la secuencia de los himnos cuyas palabras latinas se rellenaban con pasaje en lengua popular Estos cantos ritmado pasan de boca en boca, la melodía se transforma porque el texto no está ya en prosa, sino en verso. La cantilena popular que se desarrolla todavía en ambiente gregoriano, anuncia rápidamente, en los siglos IX y X, la canción de parranda, la canción de danza, la canción de amor con estribillo sin él, las pastorelas de estructura ciertamente ingenua, pero de las cuales algunos serían aprovechadas en el siglo XIII por los troveros y los trovadores para tratarlas de manera más sabia.

https://www.ecured.cu/Breve_historia_de_la_m%C3%BAsica

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4.Biografía

Richard Strauss

Richard Georg Strauss (Múnich, 11 de junio de 1864-Garmisch-Partenkirchen, 8 de septiembre de 1949) fue un destacado compositor y director de orquesta alemán cuya larga trayectoria abarca desde el romanticismo tardío hasta la mitad del siglo XX. Es conocido particularmente por sus óperas, poemas sinfónicos y lieder. Strauss, junto con Gustav Mahler, representa el extraordinario florecimiento tardío del romanticismo germánico después de Richard Wagner, en el cual un desarrollo elaborado y complejo de la orquestación se une a un estilo armónico avanzado. La música de Strauss influyó profundamente en el desarrollo de la música del siglo XX.

https://es.wikipedia.org/wiki/Richard_Strauss

Claude Achille Debussy

Achille-Claude Debussy (Saint-Germain-en-Laye, Francia, 22 de agosto de 1862-París, 25 de marzo de 1918) fue un compositorfrancés y una figura central en la música europea de finales del siglo xix y comienzos del siglo xx y, junto a Maurice Ravel, una de las figuras más prominentes de la música impresionista, aunque al propio compositor no le gustaba este término cuando se aplicaba a sus composiciones.1​ Fue nombrado caballero de la Legión de Honor en 1903.

Destacó por la creación de sonidos innovadores, nunca escuchados, que, mostrando su entero potencial en sus composiciones para piano, logran crear una sensación onírica en su musicalidad característica. Muchas grandes mentes del siglo XIX, como el escritor Marcel Proust, encontraron inspiración en su música.

https://es.wikipedia.org/wiki/Claude_Debussy

Ígor Stravinski

Ígor Fiódorovich Stravinski (en ruso: Игорь Фёдорович Стравинский; Oranienbaum, 17 de junio de 1882-Nueva York, 6 de abrilde 1971) fue un compositor y director de orquesta ruso, fue uno de los músicos más importantes y trascendentes del siglo XX.

Su larga vida —murió cuando iba a cumplir los 89 años— le permitió conocer gran variedad de corrientes musicales. Resultan justificadas sus protestas contra quienes lo tildaban como un músico del porvenir: «Es algo absurdo. No vivo en el pasado ni en el futuro. Estoy en el presente». En su presente compuso una gran cantidad de obras clásicas abordando varios estilos como el primitivismo, el neoclasicismo y el serialismo, pero es conocido mundialmente sobre todo por tres obras de uno de sus períodos iniciales —el llamado período ruso—: El pájaro de fuego (L'Oiseau de feu, 1910), Petrushka (1911) y La consagración de la primavera (Le sacre du printemps, 1913). Para muchos, estos ballets clásicos, atrevidos e innovadores, prácticamente reinventaron el género. Stravinski también escribió para diversos tipos de conjuntos en un amplio espectro de formas clásicas, desde óperas y sinfonías a pequeñas piezas para piano y obras para grupos de jazz.

Stravinski también alcanzó fama como pianista y director, frecuentemente de sus propias composiciones. Fue también escritor; con la ayuda de Alexis Roland-Manuel, Stravinski compiló un trabajo teórico titulado Poetics of Music (Poética musical), en el cual dijo una famosa frase: «La música es incapaz de expresar nada por sí misma». Robert Craft tuvo varias entrevistas con el compositor, las cuales fueron publicadas como Conversations with Stravinsky.

Esencialmente un ruso cosmopolita, Stravinski fue uno de los compositores y artistas más influyentes de la música del siglo XX, tanto en Occidente como en su tierra natal. Fue considerado por la revista Time como una de las personalidades más influyentes del siglo XX.

https://es.wikipedia.org/wiki/%C3%8Dgor_Stravinski

Alexander Nikolaievitch Scriabin

Alexander Nikolayevich Scriabin

Scriabin fue el único hijo de la pareja formada por una pianista y un abogado. . Comenzó a estudiar piano a los 11 años con Georgy Konyus y más tarde con Zverev en el Conservatorio de Moscú. Adquirió también conocimientos de teoría musical con Taneyev y otras disciplinas musicales con Arensky y Safonov. A partir de 1885 empezó a componer música y a escribir poesía y en 1892 finalizó sus estudios en el conservatorio. pasó a formar parte de la gran hornada de pianistas rusos de la época, entre los que figuraban Lhevinne y el también alumno de Zverev, Rachmaninov. En sus recitales como solista Scriabin también interpretaba sus propias obras, así como composiciones de Bach, Mendelssohn, Schumann, Liszt y Chopin. Al practicar obras de Balakirev y Liszt sufrió una lesión en la mano derecha, lo que le llevó a componer sus piezas Op. 9, en las que la mano izquierda tiene un papel primordial.

http://www.mcnbiografias.com/app-bio/do/show?key=scriabin-alexander-nikolaievitchhttp://www.mcnbiografias.com/app-bio/do/show?key=scriabin-alexander-nikolaievitch

Erik Satie

Erik Satie, cuyo nombre completo es Alfred Eric Leslie Satie (Honfleur, 17 de mayo de 1866 - París, 1 de julio de 1925), fue un compositor y pianista francés.1​ Precursor del minimalismo y el impresionismo, es considerado una figura influyente en la historia de la música.2​

También es considerado precursor importante del teatro del absurdo y la Música repetitiva. Denostado por la academia y admirado por otros compositores de su época, ingresó inesperadamente en el conservatorio a los 40 años. Esto sorprendió a quienes le conocían, ya que hasta ese momento su formación había sido irregular y se dedicaba, entre otras cosas, a la música de cabaret. Adoptó el nombre de Erik Satie desde su primera composición, en 1884. Aunque en su vida posterior se enorgullecía de publicar su trabajo bajo su propio nombre, parece que hubo un corto período al final de la década de 1880 en que publicó su trabajo con el seudónimo Virginie Lebeau y François de Paule.[cita requerida]

Además de la música, Satie fue un pensador con un ''gran sentido de la elocuencia'' que dejó un notable conjunto de escritos, habiendo contribuido en numerosas publicaciones, desde la revista 391 (revista), hasta la revista cultural americana Vanity Fair.

https://es.wikipedia.org/wiki/Erik_Satie

Wolfgang Amadeus Mozart

Joannes Chrysostomus Wolfgangus Theophilus Mozarta​ (Salzburgo, 27 de enero de 1756-Viena, 5 de diciembre de 1791), más conocido como Wolfgang Amadeus Mozart, fue un compositor y pianista austriaco, maestro del Clasicismo, considerado como uno de los músicos más influyentes y destacados de la historia.

La obra mozartiana abarca todos los géneros musicales de su época e incluye más de seiscientas creaciones, en su mayoría reconocidas como obras maestras de la música sinfónica, concertante, de cámara, para piano, operística y coral, logrando una popularidad y difusión internacional.

En su niñez más temprana en Salzburgo, Mozart mostró una capacidad prodigiosa en el dominio de instrumentos de teclado y del violín. Con tan solo cinco años ya componía obras musicales y sus interpretaciones eran del aprecio de la aristocracia y realezaeuropea. A los diecisiete años fue contratado como músico en la corte de Salzburgo, pero su inquietud le llevó a viajar en busca de una mejor posición, siempre componiendo de forma prolífica. Durante su visita a Viena en 1781, tras ser despedido de su puesto en la corte, decidió instalarse en esta ciudad donde alcanzó la fama que mantuvo el resto de su vida, a pesar de pasar por situaciones financieras difíciles. En sus años finales, compuso muchas de sus sinfonías, conciertos y óperas más conocidas, así como su Réquiem. Las circunstancias de su temprana muerte han sido objeto de numerosas especulaciones y elevadas a la categoría de mito.

En palabras de críticos de música como Nicholas Till, Mozart siempre aprendía vorazmente de otros músicos y desarrolló un esplendor y una madurez de estilo que abarcó desde la luz y la elegancia, a la oscuridad y la pasión —todo bien fundado por una visión de la humanidad «redimida por el arte, perdonada y reconciliada con la naturaleza y lo absoluto»—.1​ Su influencia en toda la música occidental posterior es profunda; Ludwig van Beethoven escribió sus primeras composiciones a la sombra de Mozart, de quien Joseph Haydn escribió que «la posteridad no verá tal talento otra vez en cien años»

https://es.wikipedia.org/wiki/Wolfgang_Amadeus_Mozart

Beethoven

udwig van Beethoven1​ (Bonn, 16 de diciembre de 17702​-Viena, 26 de marzo de 1827) fue un compositor, director de orquesta y pianista alemán. Su legado musical abarca, cronológicamente, desde el Clasicismo hasta los inicios del Romanticismo musical. Es considerado generalmente como uno de los compositores más preclaros e importantes de la historia de la música y su legado ha influido de forma decisiva en la evolución posterior de este arte.

Siendo el último gran representante del clasicismo vienés (después de Christoph Willibald Gluck, Joseph Haydn y Wolfgang Amadeus Mozart), Beethoven consiguió hacer trascender la música del Romanticismo, influyendo en diversidad de obras musicales del siglo XIX. Su arte se expresó en numerosos géneros y aunque las sinfonías fueron la fuente principal de su popularidad internacional, su impacto resultó ser principalmente significativo en sus obras para piano y música de cámara.

Su producción incluye los géneros pianístico (treinta y dos sonatas para piano), de cámara (incluyendo numerosas obras para conjuntos instrumentales de entre ocho y dos miembros), concertante (conciertos para piano, para violín y triple), sacra (dos misas, un oratorio), lieder, música incidental (la ópera Fidelio, un ballet, músicas para obras teatrales), y orquestal, en la que ocupan lugar preponderante Nueve sinfonías.

https://es.wikipedia.org/wiki/Ludwig_van_Beethoven

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5. Instrumento digital, Placas y teclados.

Un sintetizador es un instrumento musical electrónico que genera señales eléctricas que luego son convertidas a sonidos a través de altavoces o auriculares. Los sintetizadores pueden imitar otros instrumentos o generar nuevos timbres. Usualmente son ejecutados a través de un teclado, pero pueden ser controlados con varios tipos de dispositivos de entrada, incluyendo secuenciadores, controladores, fingerboards, sintetizadores de guitarra, instrumentos electrónicos de viento, y baterías electrónicas. Los sintetizadores que no cuentan con algún tipo de controlador son llamados "módulos", y son controlados a través de MIDI o control de voltaje.

https://es.wikipedia.org/wiki/Sintetizador

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6. Consulta los puntos de la etapa exploratoria

¿Para ti que es música? La música (del griego: μουσική [τέχνη] - mousikē [téchnē], «el arte de las musas») es, según la definición tradicional del término, el arte de organizar sensible y lógicamente una combinación coherente de sonidos y silencios utilizando los principios fundamentales de la melodía, la armonía y el ritmo, mediante la intervención de complejos procesos psico-anímicos. El concepto de música ha ido evolucionando desde su origen en la Antigua Grecia, en que se reunía sin distinción a la poesía, la música y la danza como arte unitario. Desde hace varias décadas se ha vuelto más compleja la definición de qué es y qué no es la música, ya que destacados compositores, en el marco de diversas experiencias artísticas fronterizas, han realizado obras que, si bien podrían considerarse musicales, expanden los límites de la definición de este arte https://es.wikipedia.org/wiki/M%C3%BAsica

¿En qué época crees que nació la música?

Se ha demostrado la íntima relación entre la especie humana y la música, y mientras que algunas interpretaciones tradicionales vinculaban su surgimiento a actividades intelectuales vinculadas al concepto de lo sobrenatural (haciéndola cumplir una función de finalidad supersticiosa, mágica o religiosa), actualmente se la relaciona con los rituales de apareamiento y con el trabajo colectivo.2

Para el hombre primitivo había dos señales que evidenciaban la separación entre vida y muerte: el movimiento y el sonido. Los ritos de vida y muerte se desarrollan en esta doble clave. En el llamado arte prehistórico danza y canto se funden como símbolos de la vida mientras que quietud y silencio se conforman como símbolos de la muerte.

El hombre primitivo encontraba música en la naturaleza y en su propia voz. También aprendió a valerse de rudimentarios objetos (huesos, cañas, troncos, conchas...) para producir sonidos.

Hay constancia de que hacia el 3000 a. C. en Sumeria ya contaban con instrumentos de percusión y cuerda (lira y arpa). Los cantos cultos antiguos eran más bien lamentaciones sobre textos poéticos.

En la prehistoria aparece la música en los rituales de caza o de guerra y en las fiestas donde, alrededor del fuego, se danzaba hasta el agotamiento. La música está basada principalmente en ritmos y movimientos que imitan a los animales. Las manifestaciones musicales del hombre consisten en la exteriorización de sus sentimientos a través del sonido emanado de su propia voz y con el fin de distinguirlo del habla que utiliza para comunicarse con otros seres.

Los primeros instrumentos fueron objetos, utensilios o el mismo cuerpo del hombre que podían producir sonidos. Estos instrumentos podemos clasificarlos en:

a) Autófonos: aquellos que producen sonidos por medio de la materia con la que están construidos. Son instrumentos de percusión; por ejemplo, hueso contra piedra.

b) Membranófonos: serie de instrumentos más sencillos que los construidos por el hombre. Tambores: hechos con una membrana tirante, sobre una nuez de coco, un recipiente cualquiera o una verdadera y auténtica caja de resonancia.

c) Cordófonos: son aquellos de cuerda; por ejemplo, el arpa.

d) Aerófonos: el sonido se origina en ellos por vibraciones de una columna de aire. Uno de los primeros instrumentos es la flauta, en un principio construida con un hueso con agujeros.https://es.wikipedia.org/wiki/Historia_de_la_m%C3%BAsica

¿Qué será sonido en música?

El sonido (del latín sonĭtus, por analogía prosódica con ruido, chirrido, rugido, etc.), en física, es cualquier fenómeno que involucre la propagación de ondas mecánicas (sean audibles o no), generalmente a través de un fluido (u otro medio elástico) que esté generando el movimiento vibratorio de un cuerpo.

El sonido humanamente audible consiste en ondas sonoras y ondas acústicas que se producen cuando las oscilaciones de la presión del aire, son convertidas en ondas mecánicas en el oído humano y percibidas por el cerebro. La propagación del sonido es similar en los fluidos, donde el sonido toma la forma de fluctuaciones de presión.1​ En los cuerpos sólidos la propagación del sonido involucra variaciones del estado tensional del medio.https://es.wikipedia.org/wiki/Sonido

¿Qué será ritmo en música?

El ritmo (del griego ῥυθμός rhythmós, ‘cualquier movimiento regular y recurrente’, ‘simetría’)1​ puede definirse generalmente como un ‘movimiento marcado por la sucesión regular de elementos débiles y fuertes, o bien de condiciones opuestas o diferentes’.2​ Es decir, un flujo de movimiento, controlado o medido, sonoro o visual, generalmente producido por una ordenación de elementos diferentes del medio en cuestión.

Se trata de un rasgo básico de todas las artes, especialmente de la música, la poesía y la danza. En música la mayoría de las definiciones tradicionales aluden al ritmo como fuerza dinámica y organizativa de la música. La naturaleza del ritmo es primordialmente subjetiva. La idea de regularidad define el ritmo, pero no es la única ya que una de las primeras definiciones de ritmo en la historia de la música está relacionada con su raíz griega (rheos, fluir), marcando así una relación directa con el movimiento. En efecto, podemos encontrar múltiples definiciones que aúnan movimiento, orden y periodicidad con relación al ritmo musical. Sin embargo, existen definiciones desde el punto de vista de la percepción temporal: ‘el ritmo describe [...] eventos en escalas temporales dentro de los límites de la memoria a corto plazo’.3​ En este sentido, Clarke4​ define el ritmo musical como ‘fenómenos temporales de pequeña y mediana escala’.https://es.wikipedia.org/wiki/Ritmo

¿Qué será melodía en música?En su sentido más literal, una melodía es una combinación de alturas y ritmo, mientras que en sentido más figurado, el término en ocasiones se ha ampliado para incluir las sucesiones de otros elementos musicales como el timbre. Se puede considerar que la melodía es el primer plano respecto del acompañamiento de fondo. Pero una línea melódica o una voz no tiene necesariamente que ser una melodía en primer plano.https://es.wikipedia.org/wiki/Melod%C3%ADa

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7. Instrumento digital, Vientos.

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Vanessa Gomez Peña

Laura Camila Perez Perilla

8. Realiza la siguiente consulta sobre mezclador de musica:

¿Qué Es La Mezcla De Audio?

La mezcla de audio es un proceso utilizado en la grabación y edición de sonido para balancear y equilibrar el volumen relativo y la ecualizacióne las fuentes de sonido que se encuentran presentes en un evento sonoro. Comúnmente estas fuentes de sonido son distintos instrumentos musicales en una banda o las secciones de una orquesta. De igual forma se manejan parámetros de volumen y ubicación para lograr darle una especialidad al evento sonoro, simulando así lugares y atmósferas mediante la manipulación de efectos y otros parámetros, para poner al público en contacto pleno con el intérprete de la obra musical. También se utiliza para remover frecuencias innecesarias así como ruidos indeseados para dar un espacio a cada elemento dentro de la mezcla.

https://es.wikipedia.org/wiki/Mezcla_(audio)

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Escribe el nombre de 10 Programa Para Mezclar sonidos o música

1.Virtual DJ Home: la joya de la corona

Con Virtual DJ Home no tendrás que preocuparte de que las canciones “cuadren”, es decir, que los beats o graves de las dos canciones vayan a la par, ya que incorpora un eficaz sistema de sincronización automática de BPM (Beats Per Minute).

Tanto si vas a utilizar Virtual DJ Home conectado a una mesa de mezclas externa como si vas a pinchar directamente en el ordenador, gracias a Virtual DJ Home podrás mezclar 2 pistas a la vez, scratchear a tu gusto y añadir una gran cantidad de efectos y samples. Además, Virtual DJ Home permite grabar tus sesiones en MP3 o directamente a un CD.

No te pierdas estos vídeos en los que te mostramos cómo funciona Virtual DJ, cómo hacer mezclas y cómo dominar mezclas manuales, efectos, loops y samplers.

2.DJ ProDecks: la medalla de plata

DJ ProDecks te permite mezclar como un DJ profesional dejándote llevar por tu instinto de principiante. Todo gracias a su interfaz funcional y bien estructurada: la parte superior tienes los platos y en la inferior la biblioteca musical. ¡No necesitas nada más!

Si te sientes osado, DJ ProDecks dispone de funciones avanzadas como detección automática de BPM, Modo Scratch, soporta para ASIO, crossfader, sistema de ecualización, consolas individuales de efectos y loops…

¡Que tiemble Virt

3.Traktor une aficionados y profesionales

Traktor, nuestra tercera recomendación, se encuentra en un punto medio: es uno de los programas más utilizados por DJs tanto profesionales como aficionados. El contrapunto es que no es tan completo como los otros dos.

¿Qué tiene Traktor que gustará al profesional? Poder mezclar 4 pistas a la vez para añadir efectos, filtros, loops, samples… ¿Qué tiene Traktor que gustará al amateur? Una interfaz asequible y una facilidad pasmosa para mezclar la música como quieras.

Te recomendamos Traktor tanto si eres un profesional que ha olvidado lo más básico como un novato que tiene una idea muy concreta sobre cómo quiere mezclar música.

4.edjing DJ studio music mixer: tu mezclador DJ para Android

Se trata de edjing DJ studio music mixer, una aplicación perfecta para realizar mezclas en tu dispositivo Android. Podrás crear mezclas estés donde estés pero no esperes opciones complejas. Es más: el programa dispone de una función Automix que administra las transiciones entre las diferentes partes de tu mezcla.

Que edjing DJ studio music mixer no sea avanzado no significa que sea simplón. Encontrarás una amplia variedad de efectos y funciones: scratch, flanger, echo, loop, pitch, equalizer, cue point…

Descarga edjing DJ studio music mixer

5.Looptastic Free: mezcla en cualquier lugar con tu iPhone

Looptastic Free es un programa potente y relativamente complejo, aunque a medida que lo vayas dominando te sorprenderán las virguerías que puedes hacer con dos dedos.

Esta aplicación gratuita incorpora 60 loops (secuencias de sonidos que, repetidos, forman una canción) diferentes que podrás ir combinando a tu voluntad y creando nuevas composiciones, además de aplicarle filtros de sonido y otros efectos.

6.Bonus Track – Muziic DJ:

¿Y de dónde saco la música?, te preguntarás. Pues ni más ni menos que de YouTube, ya que Muziic DJ se nutre de la amplísima biblioteca de vídeos de canciones que tiene YouTube para que puedas mezclar casi cualquier tema que se te ocurra. Es tan fácil como buscar con el propio programa y añadir la canción a uno de los dos platos.

Es obvio que, siendo puristas, Muziic DJ dista mucho de ser una herramienta completa para DJ. Sin embargo, dispone de crossfader, una docena de efectos, efecto scratch y un modo de Auto DJ. Más que suficiente para una aplicación web fascinante, que no podrás dejar de utilizar.

https://www.softonic.com/articulos/programas-gratuitos-para-mezclar-musicahttps://www.softonic.com/articulos/programas-gratuitos-para-mezclar-musica

7.Recording Studio es un secuenciador multi-touch para Windows. Diseñado para una edición rápida e intuitiva, Recording Studio simplifica la grabación, edición y mezcla. Podrás crear grandes producciones musicales.

Con esta versión gratuita se pueden grabar hasta 2 pistas (24 pistas con la versión Pro) eligiendo entre las grabaciones de audio o usando el instrumento virtual 'Grand Piano'. Las pistas de audio se pueden grabar utilizando el micrófono incorporado, un micrófono externo o mediante una interfaz de audio USB. Cuenta con otras muchas opciones.

8.Sound Editor te permite grabar, reproducir y editar archivos Mp3, WMA o WAV de forma sencilla gracias a las acciones Copiar, cortar y pegar. Podrás grabar audio desde tu micrófono o entrada de línea.

Podrás cargar samples o canciones y mezclarlas, convertir archivos en los formatos compatibles, insertar efectos tales como Fades, Normalizaciones, Clipping, podrás deshacer los cambios, etc.

9.Musical Sketch Pad es un secuenciador musical multipista, diseñado para ayudarte a darle salida a tus ideas musicales. Podrás grabar audio desde tu micrófono, introducir notas con el piano, usar el kit secuenciador de batería por pasos, etc.

Cuentas con más de 100 samples categorizados, que combinados te ayudarán a componer tus mejores creaciones musicales.

10. Sony Sound Forge Audio Studio 10 es el software de alto nivel de Sony que nos permitirá grabar, editar y energizar nuestra música y sonidos. Digitaliza, repara, y restaura tus grabaciones y cintas antiguas.

También podrás producir podcasts, pistas de karaoke, grabar CD's o exportar en cualquier formato adecuado para cada medio reproductor de audio. Dale un toque de calidad a tus pistas con todas las herramientas de Sound Forge Tools.

https://www.xatakawindows.com/bienvenidoawindows8/las-11-mejores-aplicaciones-de-edicion-de-sonido-para-windows

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¿Qué Es La Ecualización?

Un ecualizador es un dispositivo que modifica el volumen del contenido en frecuencias de la señal que procesa. Para ello modifica las amplitudes de sus coeficientes de Fourier, lo que se traduce en diferentes volúmenes para cada frecuencia. Con esto se puede variar de forma independiente la intensidad de los tonos básicos.

Ciertos modelos de ecualizadores gráficos actúan sobre la fase de las señales que procesan, en lugar de actuar sobre la amplitud.

De un modo doméstico generalmente se usa para reforzar ciertas bandas de frecuencias, ya sea para compensar la respuesta del equipo de audio (amplificador + altavoces) o para ajustar el resultado a gustos personales.

Los hay analógicos y digitales, activos o pasivos, paramétricos, gráficos y paragráficos. Los ecualizadores profesionales suelen tener, al menos, 10 bandas. Las normas ISO establecen que las bandas de frecuencia han de ser, al menos, 31, 63, 125, 250, 500, 1000, 2000, 4000, 8000 y 16 000 Hercios.

Estas bandas de frecuencias básicas son controladas por un fader (u otro potenciómetro o control alternativo) que puede atenuar o introducir ganancia hasta en 12 dB, o aún más. Para evitar distorsión por saturación ("clipping"), cada fader cuenta con un diodo LED, que se enciende justo antes de que se recorte la señal.

https://es.wikipedia.org/wiki/Ecualizador

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¿Qué Son Las Dinámicas?

La dinámica en música hace referencia a las graduaciones de la intensidad del sonido. Dentro de la terminología musical se denomina matiz dinámico o de intensidad a cada uno de los distintos grados o niveles de intensidad en que se pueden interpretar uno o varios sonidos, determinados pasajes o piezas musicales completas.1​2​3​4​

La intensidad musical es la cualidad que diferencia un sonido suave de un sonido fuerte. Depende de la fuerza con la que el cuerpo sonoro sea ejecutado y de la distancia del receptor de la fuente sonora. Acústicamente la intensidad depende de la amplitud de las vibraciones5​ y particularmente está conectada a una magnitud definida como intensidad acústica, que se mide en W/m2 o más comúnmente en decibelios (dB) cuando se mide logarítmicamente (Nivel de presión sonora).6​ En psicoacústica la diferencia que mide la percepción de la intensidad musical se define como sonoridad.

https://es.wikipedia.org/wiki/Din%C3%A1mica_(m%C3%BAsica)

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¿Qué Es La Compresión?

Está relacionado con el verbo comprender, que refiere a entender, justificar o contener algo. La comprensión, por lo tanto, es la aptitud o astucia para alcanzar un entendimiento de las cosas.

https://definicion.de/comprension/

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¿Qué Es El Reverb?

La reverberación es un fenómeno que se produce en recintos o salas cerradas en las que un sonido dado incide sobre las distintas superficies reflejándose una gran cantidad de veces provocando que las reflexiones aumenten en cantidad y densidad; de tal manera que el sistema auditivo no es capaz de distinguir las reflexiones individualmente y las integra en una sola masa de sonido.

Esa masa de sonido perdura en el tiempo una vez que cesó el sonido y el tiempo en que demora en hacerse inaudible se denomina tiempo de reverberación. Otra manera de definir la reverberación es: El tiempo que demora un sonido en decaer 60 decibeles desde que la fuente sonora cesó de emitir sonido. Por este motivo es que en muchos libros se expresa como RT60 (Reverberation time)

http://blog.7notasestudio.com/que-es-el-reverb-como-usarlo-mezclas/

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Pega Una imagen De Un Mezclador De Sonido Con Sus Respectivas Partes

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Explique Y Pega Imágenes De Cada Parte Del Mezclador De Música

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amaya vergara sofia cata