Notes
El arte en el siglo XX y XXI
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Page 1
TEMA 6: ARTE CONTEMPORÁNEO
1.
Manifestaciones artísticas en el siglo XIX
1.1.
El Romanticismo
1.2.
El Realismo
1.3.
El impresionismo
1.4.
Postimpresionismo
2.
Arte en España en el siglo XIX
2.1.
Gaudí
2.2.
Sorolla
3.
Manifestaciones artísticas en el siglo XX
3.1.
Finales del siglo XIX-Primera Guerra Mundial
3.1.1. Fauvismo
3.1.2. Cubismo
3.2.
Época de entreguerras
3.3.
Tras la II Guerra Mundial
3.4.
Arte del siglo XX en España
VOCABULARIO
MODERNISMO
à
movimiento artístico internacional de finales del siglo XX, que se manifestó
sobre todo en la arquitectura y las artes decorativas. Buscó formas originales,
muy flexibles y sinuosas y de gran efecto decorativo. Se alejó de los modelos
clásicos y en cambio recuerda ciertas formas árabes, góticas o barrocas. En
Francia se le denominó “art nouveau” (arte nuevo).
ARTE
ACADÉMICO à Arte que se ajusta escrupulosamente a
las normas consideradas como clásicas.
BODEGÓN: Genero pictórico
que presenta una composición a base de seres inanimados (animales muertos,
vegetales o cosas). También se le conoce como “Naturaleza muerta”.
CABALLETE: Armazón
de madera con tres pies y un apoyo horizontal que sirve de soporte al cuadro
durante su ejecución. Por extensión se llama de caballete a la pintura
realizada sobre lienzo, distinguiéndola así de la pintura mural.
CLAROSCURO:
Contraste de luz y sombra que finge o hace resaltar las formas en profundidad.
COLLAGE: técnica
consistente en pegar sobre un soporte distintos elementos de formas, colores o
materiales diversos, formando así un conjunto de nueva significación.
COMPOSICIÓN: Disposición
de las figuras o elementos de una obra de arte.
ICONOGRAFÍA: Ciencia
que estudia el origen, formación y desarrollo de los temas figurados y de los
atributos con los que pueden identificarse, así como de los que usualmente van acompañados.
LIENZO: Tela que
se fabrica de lino, cáñamo o algodón utilizado como soporte pictórico. Por extensión
designa la pintura al óleo.
MURAL: Pintura
o decoración en una pared o en un muro.
ÓLEO: Técnica pictórica
que consiste en colores triturados y aglutinados con aceite secante al que añaden
resinas.
PASTEL: Pintura
en que los colores se aplican con lápices blandos.
PERSPECTIVA: Modo de
representar en una superficie los objetos, de manera que aparezcan en la forma
y disposición en que se muestran a la vista en la realidad.
PINTURA: Representación
artística en una superficie plana por medio del dibujo, la luz y el color.
1.
MANIFESTACIONES
ARTÍSTICAS EN LA PINTURA DEL SIGLO XIX
Durante la segunda mitad del siglo XIX
se producen cambios importantes en el mundo de la cultura y en especial del
arte. El progreso científico y técnico repercute en el arte:
·
La fotografía,
por ejemplo, se ha popularizado y reproduce la realidad con enorme exactitud.
·
Los artistas abandonan el deseo de plasmar “lo
real” centrándose en otros intereses distintos.
·
La expansión colonial de Europa favorece el
conocimiento de culturas consideradas exóticas y pone en contacto a los
artistas con otros tipos de arte que influirán en sus realizaciones.
El arte del siglo XIX aparece dominado
por dos grandes tendencias: romanticismo y realismo.
2.1. EL ROMANTICISMO
La sociedad del Romanticismo era una
mezcla de supervivencias de una aristocracia de otros tiempos arruinada y
orgullosa, de una burguesía de nuevos ricos y de un pueblo amargado y mísero
que empezó a sublevarse contra una situación que consideraba injusta y a
plantear los primeros conflictos graves.
En el arte, el romanticismo se manifestó
en numerosos campos que tienen en común la libertad expresiva del artista y la exaltación
de los sentimientos. Los artistas románticos participaron de la filosofía romántica:
individualismo, subjetividad, sentimientos desbordados, gusto por lo exótico y
lo medieval, amor a la naturaleza y el paisaje, todo ello cargado con un
intenso dramatismo y una enorme pasión.
Muchos artistas pusieron sus pinceles
al servicio de la revolución y la lucha de los pueblos por su independencia
como hizo Eugene Delacroix, autor de
La Libertad guiando al pueblo.
2.2.
EL REALISMO
En la segunda mitad del siglo XIX los
excesos expresivos y emocionales del Romanticismo y los avances de la ciencia
provocaron un interés por representar fielmente la realidad, surgiendo un nuevo
movimiento, el realismo.
Las revoluciones políticas y los cambios
sociales derivados de la Revolución Industrial influyeron en los artistas, que
con frecuencia reflejaron los problemas de la sociedad de la época.
Los artistas pretendían ser cronistas
de una época en la que el trabajo del proletariado y de los campesinos y su
forma de vida eran muy diferentes de los de la burguesía. Los pintores se
preocupan por las clases humildes, mostrando seres anónimos. Los artistas
realistas abandonan la idealización romántica, no creen en un ideal de belleza
ni pretenden sugestionar o sobrecoger al
espectador, sino que éste pueda comprender la obra de arte por sí mismo. Por
eso su pintura es sencilla y sobria.
2.3.
EL IMPRESIONISMO.
El Impresionismo surge en Francia en
el último tercio del siglo XIX. A principios de los años Sesenta del siglo XIX jóvenes
pintores decidieron romper con los convencionalismos dentro de los cánones
tradicionales del arte.
El Impresionismo supuso el inicio de
la revolución en la pintura, aunque la ruptura definitiva vendrá en los
comienzos del siglo XX. El nombre de impresionistas proviene del cuadro del
pintor Claude Monet: “Impression: soleillevant”. La denominación
impresionismo fue puesta por los críticos de forma despectiva porque este tipo
de arte les parecía ridículo y fuera de las normas establecidas.
En esta obra ya se pueden apreciar las
características fundamentales del impresionismo:
·
La afición por la pintura al aire libre, los paisajes rurales o urbanos, intentando
captar los aspectos más fugaces, como el aire, el humo, el agua.
·
Preocupación constante por el color, que prevalece sobre el
dibujo. Se emplean colores puros, sin mezclar en la paleta.
·
Utilización de una técnica suelta, basada
en pinceladas de colores que contemplados a distancia se funden
en el ojo del espectador.
2.4. EL POSTIMPRESIONISMO
Los postimpresionistas parten de una
previa experiencia impresionista, pero rompen muy pronto con este movimiento en
busca de nuevas formas de expresión de las emociones, recuperando los perfiles
y el color e interpretando la realidad de una manera muy personal.
Sobresale el puntillismo,
caracterizado por el uso de puntos de colores puros.
Destacarán:
·
Paul
Gauguin. Sus cuadros se caracterizan por el primitivismo captado en
escenas de la vida cotidiana en Tahiti, con manchas planas, sin perspectiva y
de tonos muy vivos, simplificando las formas de las figuras representadas en
sus obras. Obras: “Pechos con flores rojas” , “Area area”
·
Paul
Cezanne. Creyó encontrar en la descomposición de la realidad en formas
puras de figuras geométricas como esferas, conos, cilindros, cubos. Obras:
“cesto de manzanas”, “El castillo negro”
·
Vincent
Van Gogh. Enfermó de epilepsia y de espíritu atormentado, pretendió con su
pintura manifestar la intensidad de los sentimientos del hombre, mostrando en
ella los rasgos de su personalidad angustiada y patológica. Obra: “Noche
estrellada”, “Los Girasoles”
·
Henri de
Toulouse-Lautrec, padeció una extraña enfermedad ósea, que le
acomplejó el resto de su vida, renunciando a la vida elegante para refugiarse
en el Paris más canalla y bohemio. Destaco en la caricatura y el cartel, pleno
de colores planos y un dibujo muy espontaneo. Supo plasmar la vida alegre, el
movimiento y la fiesta. Obras: “La inspección médica”, “Moulin rouge”.
ACTIVIDADES
1.
¿Cuáles
son los principios de la filosofía romántica?
2.
¿Cuál es
la preocupación de los pintores del realismo?
3.
¿Qué obra
se define como el origen del impresionismo?
4.
¿A qué
corriente pertenece el puntillismo?
5.
Une el
autor correcto con su obra.
a.
Toulouse-Lautrec 1. “Los Girasoles”
b.
Vicent Van Gogh 2. “Libertad guiando al pueblo”
c.
Eugene Delacroix 3. “Moulin Rouge”
d.
Cezanne 4.
“Area área”
e.
Gauguin 5.
“Cesto de manzanas”
2.
ARTE EN ESPAÑA EN EL SIGLO XIX
3.1.
GAUDÍ
A medida que progresaba la industrialización,
la arquitectura incorporo nuevos materiales como el hierro y el cemento. Los
edificios más típicos fueron las estaciones de ferrocarril, como la de Atocha,
Madrid.
A finales del siglo XIX irrumpió en España
el modernismo*, cuyo principal
representante fue Antoni Gaudí, cuya
obra se enmarca también en los comienzos del siglo XX. Dotado de una enorme fantasía,
Gaudí construyo edificios en los que las líneas rectas casi desaparecen, la
estructura arquitectónica se funde con la decoración, e incluso el mobiliario
se diseña en función del conjunto dando lugar a ambientes que parecen de fábula.
Sus obras, como el Parque Güell, la
Casa Milá, Casa Batlló o la Iglesia de la Sagrada Familia, en Barcelona,
reflejan una gran creatividad.
3.2.
SOROLLA
La tendencia naturalista enlazó con
las nuevas corrientes de finales de siglo, como el impresionismo, estilo que
influyo en Joaquín Sorolla, quien interpreto la vibración de la luz de un modo
vigoroso, creando una versión nueva de las técnicas impresionistas, el
denominado luminismo, genuinamente español.
ACTIVIDADES
1.
¿Qué autor
español está relacionado con el modernismo?
2.
¿Qué es el
luminismo?
3.
¿Cómo
definirías la obra de Gaudí?
3.
MANIFESTACIONES ARTÍSTICAS EN LA PINTURA DEL SIGLO XX.
A los movimientos artísticos de este
momento se les denomina vanguardias,
ya que plantean una nueva concepción del
arte. El artista adopta una actitud estética diferente, no persigue representar
fielmente la realidad. La pintura tiene que buscar, detrás de la apariencia
externa que se ve, una realidad más profunda, más desconocida.
La actitud moral es también distinta.
Los artistas están influidos por la sociedad en la que viven y en los primeros años
del siglo XX se producen acontecimientos históricos que modificaron la vida y
el pensamiento de las gentes de la época: Los horrores de la guerra (Primera
Guerra Mundial) y el dolor acumulado sobre el suelo de Europa, transformaron la
conciencia de los artistas que buscaron la justificación de su arte en la expresión
del dolor y de la miseria humana.
3.1.
FINALES DEL SIGLO XIX – PRIMERA GUERRA MUNDIAL
3.1.1. FAUVISMO.
El fauvismo supone la primera reacción
artística contra el naturalismo.
Los artistas fauvistas ignoran la
naturaleza o la tratan de forma arbitraria, deseando “recrear” no representar,
rompiendo totalmente con los gustos de la época; evitan sensaciones de
profundidad, resaltan los volúmenes con pinceladas fuertes, ricas en pasta, que
dan al cuadro una textura rugosa, muchas veces brillante, manifiestan un desinterés
por la perspectiva. Dan una excesiva violencia expresiva del color (colores
estridentes).
3.1.2.
CUBISMO
El cubismo ha supuesto la revolución más
profunda experimentada por la pintura del siglo XX. Anunciado por Cezanne (“Todo
en la naturaleza puede reducirse a cubos, cilindros, esferas”).
Los pintores cubistas se replantean el
problema de la representación del volumen en una superficie plana. Por tanto el
cubismo rompe con el concepto tradicional del espacio, intentando representar
las cosas tal y como son y no como las vemos. Hay que analizar el objeto y
descomponerlo (traducirlo) a sus formas elementales y simples. Anteriormente se
veía el cuadro como una ventana a la que el espectador se asomaba, ahora hay
una nueva manera de concebir el cuadro.
¿Qué pretendían los pintores
fauvistas? Expresarse a través de los colores y despertar con ellos los
sentidos.
EJEMPLO PRÁCTICO.
Intentemos ver los aspectos tratados
anteriormente en un ejemplo concreto: Las
señoritas de Avignon de Pablo
Picasso. La figura sentada de la derecha está de espaldas y sin embargo, su
cabeza esta de frente, por lo que le vemos la cara. En realidad, cualquier
figura humana tiene al mismo tiempo cara y espalda, esa es su estructura real,
aunque no podamos ver las dos cosas al mismo tiempo.
A la izquierda, la composición está
formada por una sucesión de figuras rectas; a la derecha se deshace, y las
caras de las dos mujeres se transforman en mascaras absurdas, en fetiches. Las
figuras centrales tienen los ojos en posición frontal, y la nariz de perfil.
Las figuras se sitúan en un marco
irreal: no hay luces ni sombras, la diversidad de planos, y los fondos
geometrizados de color ocre, blanco y azul no sugieren la idea de la tercera dimensión.
El uso del color es también totalmente libre. En la figura sentada se rompen
todos los cánones de la perspectiva lineal y tridimensional, pues la cara y la
espalda son visibles al mismo tiempo.
¿Qué pretendían los pintores cubistas? Superar
esta limitación de la representación del volumen en una figura plana, no solo
quieren reflejar la apariencia de las cosas, sino su realidad. Para ello en la representación
tiene que deformarse superponiendo planos. Da la sensación de estar pintando a
la vez desde diferentes puntos de vista.
ACTIVIDADES
1. ¿Cubistas
y fauvistas buscaban lo mismo? Razona tu respuesta
3.2.
ÉPOCA DE
ENTREGUERRAS
·
Expresionismo. Edvar
Mucnh à El expresionismo concede gran
importancia a la expresión subjetiva del artista, perdiendo importancia la
forma y el color, considerados meros recursos plásticos para transmitir el
mundo interior del artista, sus sentimientos.
·
Dadaismo. Marcel
Duchamp à movimiento
pictórico y también literario. Pretendieron crear un “anti arte” en el que los
elementos determinantes fueran lo casual, lo inesperado, la improvisación y lo
irracional. El resultado sería lo que deparara el azar.
·
Surrealismo. Joan
Miro, Salvador Dalí à Pretendían
intentar plasmar el mundo de la imaginación y de los sueños, influidos por el
psicoanálisis. Consideraban que en la sociedad actual el hombre solo deja
aflorar el lado lógico, ahogando el inconsciente, produciéndose un
desequilibrio que era preciso evitar
·
Abstracción. Vasili
Kandinsky à La abstracción
parte de una innovación radical: la eliminación en el cuadro de las referencias
a la realidad figurativa. La abstracción prescinde de las figuras y los objetos
como temas de sus obras. Pretendían Desligar cada vez más la pintura de la función
ilustrativa que había tenido durante siglos, representando formas que no imitan
a la naturaleza.
3.3.
TRAS LA II
GUERRA MUNDIAL
A partir de 1945 se puede considerar
que las vanguardias “históricas” (las que hemos analizado anteriormente) ya han
llevado a cabo todas las rupturas posibles en el arte tradicional. Se produce
una gran proliferación de tendencias que en ocasiones se suceden de una forma
vertiginosa. Además, el centro artístico pasa de Paris a Nueva York.
Después de la guerra, en el panorama artístico
aparecerán nuevos valores que podemos considerar ajenos al propio arte, los críticos,
las galerías de arte, la publicidad, el marketing, los intereses comerciales.
Acabada la Segunda Guerra Mundial, algunos
autores intentaron salirse de los moldes impuestos por el surrealismo,
considerado agotado.
El informalismo fue el movimiento de
vanguardia más importante hasta los años 60. Los pintores informalistas llegan
a la pintura sin preocupación por la composición o las formas, de ahí su denominación.
Importa mas el acto de pintar que su resultado concreto.
La tendencia más importante es la action painting (pintura de acción), también
llamada Expresionismo abstracto, que surge en Estados Unidos y tiene a Jackson Pollock como principal
representante. Pollock realiza enormes lienzos con una técnica nueva: el
dripping, consistente en colocar el lienzo en el suelo y circular a su
alrededor dejando caer la pintura, directamente del recipiente sobre la tela.
ACTIVIDADES
1. ¿Qué es el
dripping?
2. ¿Qué
artista representa el action painting?
El
Pop-Art supone una tendencia agresiva y critica contra la sociedad de
consumo.
Los medios de comunicación social (televisión,
prensa, cine, fotografía) difunden de forma masiva mensajes e imágenes, creando
la denominada cultura de masas, caracterizada por el empleo abusivo de
estereotipos.
Los artistas del Pop-Art utilizan los
motivos y las imágenes del mundo urbano e industrial, pero descontextualizándolos
para que adquieran un significado distinto.
Esos motivos escogidos suelen ser
objetos vulgares, generalmente símbolos de la sociedad de consumo (latas de
sopa Campbell, botellas de Coca-Cola) repetidos constantemente, en alusión a la
seriación industrial y a los medios de comunicación de masas: comic, fotografía,
cine, produciendo obras de gran impacto visual. Destaca Andy Warhol como uno de los principales autores de
esta corriente.
La intención de reproducir objetos de
la realidad iniciada por el arte pop- desemboca en tendencias que insisten cada
vez más en el naturalismo de la reproducción.
Los artistas poseen gran agudeza
visual y ofrecen la sensación de perfección de la obra., como hará el artista Antonio López.
Que pretendían los pintores
hiperrealistas? Reproducir la realidad con una exactitud fotográfica. Se trata
de la representación neutral, de un hecho visual sin implicación emotiva
personal.
El
arte povera es un esfuerzo por huir de la comercialización del objeto artístico.
Para ello utilizaran materiales con ninguna o escasa transformación (placas de
plomo o cristal, telas, carbón, tierra), o también materiales de desecho,
carentes de valor (quemados, oxidados)
Hay una crítica a la sociedad
industrial y a la comercialización abusiva de los objetos artísticos y un deseo
de retorno a la naturaleza y a los procesos más simples.
ACTIVIDADES
1. Enlaza el
autor con su corriente.
A.
Pop Art Antonio
López
B.
Hiperrealismo Andy
Warhol
2. ¿Qué
materiales usa el arte povera?
3. ¿Qué
elementos simbólicos usa el Pop Art?
3.4. ARTE DEL SIGLO XX EN ESPAÑA
Dedicaremos nuestra atención a señalar
las aportaciones de los artistas españoles a la pintura del siglo XX. No
obstante, en el inicio del apartado dedicaremos un breve apunte sobre la
arquitectura y la escultura española durante dicho siglo.
La arquitectura en el siglo
XX, durante los años veinte, los arquitectos españoles se lanzan a nuevas
posibilidades expresivas. A ello contribuyeron el advenimiento de la Segunda República
y la creación de asociaciones de arquitectos. Algunos arquitectos empiezan a
interesarse por las tendencias racionales o funcionales.
Destaca Arturo Soria que intenta
humanizar la vida en la gran ciudad en su Ciudad Lineal de Madrid (o el grupo catalán
GATEPAC, en el destaca José Maria Sert en su proyecto de urbanización de la
Diagonal de Barcelona.
Tras la Guerra civil, en la década de
los años cuarenta y cincuenta se produce el triunfo del Racionalismo, en el que
la arquitectura se dirige a la satisfacción de las necesidades colectivas con
arquitectos como Gutiérrez Soto (Ministerio del Aire, en Madrid) o Pedro
Muguruza (Universal Laboral de Gijón); Posteriormente, en el seno de esta
arquitectura nacionalista y grandiosa se advierten intentos de renovación,
centrados en la figura de Miguel Fisac.
De un modo similar a la pintura, la
escultura recibe el impulso de las corrientes europeas.
A partir de la obra de Pablo Gargallo
(El Profeta), creador de un nuevo lenguaje escultórico, en el que cuenta tanto
el tipo de material utilizado, láminas de forja, como el vacío espacial que las
láminas dejan entre sí, los escultores españoles buscan soluciones modernas.
Después de la Guerra civil también, al
igual que en arquitectura, se realiza un arte colosalista, del que el mejor
ejemplo son el conjunto de esculturas del Valle de los Caídos. Destacan también
Victorio Macho (El Cristo del Otero, en Palencia), que destaca por la impresión
de fortaleza.
Posteriormente, algunos escultores se
inscribieron en el movimiento informalista, destacando Eduardo Chillida, creador de formas abstractas de gran fuerza
expresiva, utilizando como material el hierro y la madera, en un juego de
llenos y vacíos, trata de apropiarse del espacio que rodea a la pieza,
pretendiendo romper con los limites físicos de la obra y Jorge de Oteiza, que
evoluciono desde la escultura figurativa a la abstracción.
A la hora de hablar del comienzo del
siglo XX la pintura española cuenta con nombres muy destacados dentro
del arte vanguardista, cuyo centro seguía siendo Paris. Descollaron en el
cubismo Pablo Ruiz Picasso que
ampliaremos en el punto siguiente- y Juan
Gris con una original utilización de dos procedimientos distintos en un
mismo cuadro: descomposición de planos típicos del cubismo sintético y
referencias tradicionales en el fondo; y Salvador
Dalí y Joan Miró en el surrealismo.
Dalí concibió un método, denominado paranoico-crítico
que utilizo como fuente de creación artística. De esta forma, trato de
descubrir las relaciones ocultas que, a la luz de su subconsciente, existen
entre las cosas. Ello le llevo a pintar asociaciones figurativas delirantes,
que, en sí mismas, poseen una gran intensidad poética.
Miró se aproxima al surrealismo a través
de formas orgánicas con vida propia que se mueven con total libertad por el
cuadro, o la creación de elaboraciones abstractas de motivos concretos
(estrellas, lunas, mujeres).
Después de la guerra la ausencia de
ideas renovadoras y la falta de libertad expresiva se trataron de subsanar con
un eclecticismo que conjugara la tradición con la modernidad.
Puede hablarse de pintores que dan
vida a un paisajismo que se muestra como resultado de una pasiva contemplación estética
del autor: Benjamín Palencia exalta el color y el paisaje desnudo de Castilla;
Ortega Muñoz presenta las tierras rojas, ocres y amarillas de Extremadura; y
Rafael Zabaleta, muy preocupado por la composición de formas geométricas,
representa campesinos inmóviles, sin expresión.
El surrealismo de posguerra tiene su
principal manifestación en torno al grupo barcelonés del que destaca Antoni Tápies. En los cuadros-objeto de
Tápies se subraya la estricta dimensión material de los componentes, al margen
de su significación como realidad convencional.
Por los años cincuenta se constituyen
grupos artísticos que tratan de recuperar el vanguardismo, como el grupo El
Paso (1958), con artistas que dan vida a un informalismo del que serán figuras
destacadas Manolo Millares y Antonio Saura.
Utilizando telas de arpillera y objetos
en proceso de destrucción, con una paleta muy reducida (negro, blanco, rojo)
los informalistas crean una nueva forma de expresionismo, que quiere ser un
grito de libertad.
Ajeno a las tendencias pictóricas del
momento, destaca un artista de gran personalidad, Antonio López, hiperrealista,
que revela el intenso lirismo escondido en las imágenes de aparente
intrascendencia.
Obra de
Antonio López
TRABAJO ÁMBITO SOCIAL (TEMA 6)
Hoy ha pasado una cosa muy rara,
la profe decide que es hora de visitar un Museo de Arte Contemporáneo. Pero se
arma un lío y nadie se da cuenta de que la profesora no ha podido acudir a la
visita. Oh, oh… No queda más remedio que preparar la visita por vuestra propia
cuenta.
¡Que no cunda el pánico! Cada uno
preparará la obra de un autor, buscará información y se lo expondrá al resto de
compañeros. Para ello deberéis seguir el siguiente esquema:
1. BIOGRAFÍA DEL AUTOR
a.
Nombre y apellidos
b.
Fecha de nacimiento y muerte
c.
Lugar de nacimiento
d.
Breve resumen de su vida
2. INFORMACIÓN DE SU ARTE
a.
¿A qué movimiento artístico pertenece?
b.
¿Cuáles son sus obras más importantes?
i.
Busca obras del autor y lee información sobre
ellas
ii.
Cita las obras más importantes (mínimo 3, sin
repetir la escogida en el punto de
“ficha artística”)
iii.
Recoge la información más valiosa
iv.
Guarda las imágenes que te ayuden a explicar su
arte
c.
¿Qué colores suele usar?
d.
¿Qué sensación provoca la visión de su arte?
e.
¿Su arte ha sufrido variaciones durante el
tiempo? Explícalas
3.
FICHA
ARTÍSTICA
a.
Escoge una obra de arte, la que más te llame la
atención, la que más rabia te dé y rellena la siguiente información sobre ella:
i.
Nombre de la obra:
ii.
Fecha:
iii.
Tipo de arte (cuadro, estatua, arquitectura…)
iv.
Material usado: (lienzo, óleo, acuarela, cartón,
mármol, piedra, etc..)
v.
Lugar donde se encuentra en la actualidad:
vi.
Estilo:
vii.
Técnica usada:
viii.
Colores: (¿qué color destaca?, ¿son colores
cálidos? ¿fríos?, etc)
ix.
¿Qué intenta plasmar? ¿Qué representa?
x.
¿hay alguna figura que destaque sobre otras?
xi.
¿Qué crees que intenta transmitir?
xii.
¿Por qué has escogido esta obra?
xiii.
¿Habrías preferido otro autor? ¿Por qué?
TEMA 6: ARTE CONTEMPORÁNEO
1.
Manifestaciones artísticas en el siglo XIX
1.1.
El Romanticismo
1.2.
El Realismo
1.3.
El impresionismo
1.4.
Postimpresionismo
2.
Arte en España en el siglo XIX
2.1.
Gaudí
2.2.
Sorolla
3.
Manifestaciones artísticas en el siglo XX
3.1.
Finales del siglo XIX-Primera Guerra Mundial
3.1.1. Fauvismo
3.1.2. Cubismo
3.2.
Época de entreguerras
3.3.
Tras la II Guerra Mundial
3.4.
Arte del siglo XX en España
VOCABULARIO
MODERNISMO
à
movimiento artístico internacional de finales del siglo XX, que se manifestó
sobre todo en la arquitectura y las artes decorativas. Buscó formas originales,
muy flexibles y sinuosas y de gran efecto decorativo. Se alejó de los modelos
clásicos y en cambio recuerda ciertas formas árabes, góticas o barrocas. En
Francia se le denominó “art nouveau” (arte nuevo).
ARTE
ACADÉMICO à Arte que se ajusta escrupulosamente a
las normas consideradas como clásicas.
BODEGÓN: Genero pictórico
que presenta una composición a base de seres inanimados (animales muertos,
vegetales o cosas). También se le conoce como “Naturaleza muerta”.
CABALLETE: Armazón
de madera con tres pies y un apoyo horizontal que sirve de soporte al cuadro
durante su ejecución. Por extensión se llama de caballete a la pintura
realizada sobre lienzo, distinguiéndola así de la pintura mural.
CLAROSCURO:
Contraste de luz y sombra que finge o hace resaltar las formas en profundidad.
COLLAGE: técnica
consistente en pegar sobre un soporte distintos elementos de formas, colores o
materiales diversos, formando así un conjunto de nueva significación.
COMPOSICIÓN: Disposición
de las figuras o elementos de una obra de arte.
ICONOGRAFÍA: Ciencia
que estudia el origen, formación y desarrollo de los temas figurados y de los
atributos con los que pueden identificarse, así como de los que usualmente van acompañados.
LIENZO: Tela que
se fabrica de lino, cáñamo o algodón utilizado como soporte pictórico. Por extensión
designa la pintura al óleo.
MURAL: Pintura
o decoración en una pared o en un muro.
ÓLEO: Técnica pictórica
que consiste en colores triturados y aglutinados con aceite secante al que añaden
resinas.
PASTEL: Pintura
en que los colores se aplican con lápices blandos.
PERSPECTIVA: Modo de
representar en una superficie los objetos, de manera que aparezcan en la forma
y disposición en que se muestran a la vista en la realidad.
PINTURA: Representación
artística en una superficie plana por medio del dibujo, la luz y el color.
1.
MANIFESTACIONES
ARTÍSTICAS EN LA PINTURA DEL SIGLO XIX
Durante la segunda mitad del siglo XIX
se producen cambios importantes en el mundo de la cultura y en especial del
arte. El progreso científico y técnico repercute en el arte:
·
La fotografía,
por ejemplo, se ha popularizado y reproduce la realidad con enorme exactitud.
·
Los artistas abandonan el deseo de plasmar “lo
real” centrándose en otros intereses distintos.
·
La expansión colonial de Europa favorece el
conocimiento de culturas consideradas exóticas y pone en contacto a los
artistas con otros tipos de arte que influirán en sus realizaciones.
El arte del siglo XIX aparece dominado
por dos grandes tendencias: romanticismo y realismo.
2.1. EL ROMANTICISMO
La sociedad del Romanticismo era una
mezcla de supervivencias de una aristocracia de otros tiempos arruinada y
orgullosa, de una burguesía de nuevos ricos y de un pueblo amargado y mísero
que empezó a sublevarse contra una situación que consideraba injusta y a
plantear los primeros conflictos graves.
En el arte, el romanticismo se manifestó
en numerosos campos que tienen en común la libertad expresiva del artista y la exaltación
de los sentimientos. Los artistas románticos participaron de la filosofía romántica:
individualismo, subjetividad, sentimientos desbordados, gusto por lo exótico y
lo medieval, amor a la naturaleza y el paisaje, todo ello cargado con un
intenso dramatismo y una enorme pasión.
Muchos artistas pusieron sus pinceles
al servicio de la revolución y la lucha de los pueblos por su independencia
como hizo Eugene Delacroix, autor de
La Libertad guiando al pueblo.
2.2.
EL REALISMO
En la segunda mitad del siglo XIX los
excesos expresivos y emocionales del Romanticismo y los avances de la ciencia
provocaron un interés por representar fielmente la realidad, surgiendo un nuevo
movimiento, el realismo.
Las revoluciones políticas y los cambios
sociales derivados de la Revolución Industrial influyeron en los artistas, que
con frecuencia reflejaron los problemas de la sociedad de la época.
Los artistas pretendían ser cronistas
de una época en la que el trabajo del proletariado y de los campesinos y su
forma de vida eran muy diferentes de los de la burguesía. Los pintores se
preocupan por las clases humildes, mostrando seres anónimos. Los artistas
realistas abandonan la idealización romántica, no creen en un ideal de belleza
ni pretenden sugestionar o sobrecoger al
espectador, sino que éste pueda comprender la obra de arte por sí mismo. Por
eso su pintura es sencilla y sobria.
2.3.
EL IMPRESIONISMO.
El Impresionismo surge en Francia en
el último tercio del siglo XIX. A principios de los años Sesenta del siglo XIX jóvenes
pintores decidieron romper con los convencionalismos dentro de los cánones
tradicionales del arte.
El Impresionismo supuso el inicio de
la revolución en la pintura, aunque la ruptura definitiva vendrá en los
comienzos del siglo XX. El nombre de impresionistas proviene del cuadro del
pintor Claude Monet: “Impression: soleillevant”. La denominación
impresionismo fue puesta por los críticos de forma despectiva porque este tipo
de arte les parecía ridículo y fuera de las normas establecidas.
En esta obra ya se pueden apreciar las
características fundamentales del impresionismo:
·
La afición por la pintura al aire libre, los paisajes rurales o urbanos, intentando
captar los aspectos más fugaces, como el aire, el humo, el agua.
·
Preocupación constante por el color, que prevalece sobre el
dibujo. Se emplean colores puros, sin mezclar en la paleta.
·
Utilización de una técnica suelta, basada
en pinceladas de colores que contemplados a distancia se funden
en el ojo del espectador.
2.4. EL POSTIMPRESIONISMO
Los postimpresionistas parten de una
previa experiencia impresionista, pero rompen muy pronto con este movimiento en
busca de nuevas formas de expresión de las emociones, recuperando los perfiles
y el color e interpretando la realidad de una manera muy personal.
Sobresale el puntillismo,
caracterizado por el uso de puntos de colores puros.
Destacarán:
·
Paul
Gauguin. Sus cuadros se caracterizan por el primitivismo captado en
escenas de la vida cotidiana en Tahiti, con manchas planas, sin perspectiva y
de tonos muy vivos, simplificando las formas de las figuras representadas en
sus obras. Obras: “Pechos con flores rojas” , “Area area”
·
Paul
Cezanne. Creyó encontrar en la descomposición de la realidad en formas
puras de figuras geométricas como esferas, conos, cilindros, cubos. Obras:
“cesto de manzanas”, “El castillo negro”
·
Vincent
Van Gogh. Enfermó de epilepsia y de espíritu atormentado, pretendió con su
pintura manifestar la intensidad de los sentimientos del hombre, mostrando en
ella los rasgos de su personalidad angustiada y patológica. Obra: “Noche
estrellada”, “Los Girasoles”
·
Henri de
Toulouse-Lautrec, padeció una extraña enfermedad ósea, que le
acomplejó el resto de su vida, renunciando a la vida elegante para refugiarse
en el Paris más canalla y bohemio. Destaco en la caricatura y el cartel, pleno
de colores planos y un dibujo muy espontaneo. Supo plasmar la vida alegre, el
movimiento y la fiesta. Obras: “La inspección médica”, “Moulin rouge”.
ACTIVIDADES
1.
¿Cuáles
son los principios de la filosofía romántica?
2.
¿Cuál es
la preocupación de los pintores del realismo?
3.
¿Qué obra
se define como el origen del impresionismo?
4.
¿A qué
corriente pertenece el puntillismo?
5.
Une el
autor correcto con su obra.
a.
Toulouse-Lautrec 1. “Los Girasoles”
b.
Vicent Van Gogh 2. “Libertad guiando al pueblo”
c.
Eugene Delacroix 3. “Moulin Rouge”
d.
Cezanne 4.
“Area área”
e.
Gauguin 5.
“Cesto de manzanas”
2.
ARTE EN ESPAÑA EN EL SIGLO XIX
3.1.
GAUDÍ
A medida que progresaba la industrialización,
la arquitectura incorporo nuevos materiales como el hierro y el cemento. Los
edificios más típicos fueron las estaciones de ferrocarril, como la de Atocha,
Madrid.
A finales del siglo XIX irrumpió en España
el modernismo*, cuyo principal
representante fue Antoni Gaudí, cuya
obra se enmarca también en los comienzos del siglo XX. Dotado de una enorme fantasía,
Gaudí construyo edificios en los que las líneas rectas casi desaparecen, la
estructura arquitectónica se funde con la decoración, e incluso el mobiliario
se diseña en función del conjunto dando lugar a ambientes que parecen de fábula.
Sus obras, como el Parque Güell, la
Casa Milá, Casa Batlló o la Iglesia de la Sagrada Familia, en Barcelona,
reflejan una gran creatividad.
3.2.
SOROLLA
La tendencia naturalista enlazó con
las nuevas corrientes de finales de siglo, como el impresionismo, estilo que
influyo en Joaquín Sorolla, quien interpreto la vibración de la luz de un modo
vigoroso, creando una versión nueva de las técnicas impresionistas, el
denominado luminismo, genuinamente español.
ACTIVIDADES
1.
¿Qué autor
español está relacionado con el modernismo?
2.
¿Qué es el
luminismo?
3.
¿Cómo
definirías la obra de Gaudí?
3.
MANIFESTACIONES ARTÍSTICAS EN LA PINTURA DEL SIGLO XX.
A los movimientos artísticos de este
momento se les denomina vanguardias,
ya que plantean una nueva concepción del
arte. El artista adopta una actitud estética diferente, no persigue representar
fielmente la realidad. La pintura tiene que buscar, detrás de la apariencia
externa que se ve, una realidad más profunda, más desconocida.
La actitud moral es también distinta.
Los artistas están influidos por la sociedad en la que viven y en los primeros años
del siglo XX se producen acontecimientos históricos que modificaron la vida y
el pensamiento de las gentes de la época: Los horrores de la guerra (Primera
Guerra Mundial) y el dolor acumulado sobre el suelo de Europa, transformaron la
conciencia de los artistas que buscaron la justificación de su arte en la expresión
del dolor y de la miseria humana.
3.1.
FINALES DEL SIGLO XIX – PRIMERA GUERRA MUNDIAL
3.1.1. FAUVISMO.
El fauvismo supone la primera reacción
artística contra el naturalismo.
Los artistas fauvistas ignoran la
naturaleza o la tratan de forma arbitraria, deseando “recrear” no representar,
rompiendo totalmente con los gustos de la época; evitan sensaciones de
profundidad, resaltan los volúmenes con pinceladas fuertes, ricas en pasta, que
dan al cuadro una textura rugosa, muchas veces brillante, manifiestan un desinterés
por la perspectiva. Dan una excesiva violencia expresiva del color (colores
estridentes).
3.1.2.
CUBISMO
El cubismo ha supuesto la revolución más
profunda experimentada por la pintura del siglo XX. Anunciado por Cezanne (“Todo
en la naturaleza puede reducirse a cubos, cilindros, esferas”).
Los pintores cubistas se replantean el
problema de la representación del volumen en una superficie plana. Por tanto el
cubismo rompe con el concepto tradicional del espacio, intentando representar
las cosas tal y como son y no como las vemos. Hay que analizar el objeto y
descomponerlo (traducirlo) a sus formas elementales y simples. Anteriormente se
veía el cuadro como una ventana a la que el espectador se asomaba, ahora hay
una nueva manera de concebir el cuadro.
¿Qué pretendían los pintores
fauvistas? Expresarse a través de los colores y despertar con ellos los
sentidos.
EJEMPLO PRÁCTICO.
Intentemos ver los aspectos tratados
anteriormente en un ejemplo concreto: Las
señoritas de Avignon de Pablo
Picasso. La figura sentada de la derecha está de espaldas y sin embargo, su
cabeza esta de frente, por lo que le vemos la cara. En realidad, cualquier
figura humana tiene al mismo tiempo cara y espalda, esa es su estructura real,
aunque no podamos ver las dos cosas al mismo tiempo.
A la izquierda, la composición está
formada por una sucesión de figuras rectas; a la derecha se deshace, y las
caras de las dos mujeres se transforman en mascaras absurdas, en fetiches. Las
figuras centrales tienen los ojos en posición frontal, y la nariz de perfil.
Las figuras se sitúan en un marco
irreal: no hay luces ni sombras, la diversidad de planos, y los fondos
geometrizados de color ocre, blanco y azul no sugieren la idea de la tercera dimensión.
El uso del color es también totalmente libre. En la figura sentada se rompen
todos los cánones de la perspectiva lineal y tridimensional, pues la cara y la
espalda son visibles al mismo tiempo.
¿Qué pretendían los pintores cubistas? Superar
esta limitación de la representación del volumen en una figura plana, no solo
quieren reflejar la apariencia de las cosas, sino su realidad. Para ello en la representación
tiene que deformarse superponiendo planos. Da la sensación de estar pintando a
la vez desde diferentes puntos de vista.
ACTIVIDADES
1. ¿Cubistas
y fauvistas buscaban lo mismo? Razona tu respuesta
3.2.
ÉPOCA DE
ENTREGUERRAS
·
Expresionismo. Edvar
Mucnh à El expresionismo concede gran
importancia a la expresión subjetiva del artista, perdiendo importancia la
forma y el color, considerados meros recursos plásticos para transmitir el
mundo interior del artista, sus sentimientos.
·
Dadaismo. Marcel
Duchamp à movimiento
pictórico y también literario. Pretendieron crear un “anti arte” en el que los
elementos determinantes fueran lo casual, lo inesperado, la improvisación y lo
irracional. El resultado sería lo que deparara el azar.
·
Surrealismo. Joan
Miro, Salvador Dalí à Pretendían
intentar plasmar el mundo de la imaginación y de los sueños, influidos por el
psicoanálisis. Consideraban que en la sociedad actual el hombre solo deja
aflorar el lado lógico, ahogando el inconsciente, produciéndose un
desequilibrio que era preciso evitar
·
Abstracción. Vasili
Kandinsky à La abstracción
parte de una innovación radical: la eliminación en el cuadro de las referencias
a la realidad figurativa. La abstracción prescinde de las figuras y los objetos
como temas de sus obras. Pretendían Desligar cada vez más la pintura de la función
ilustrativa que había tenido durante siglos, representando formas que no imitan
a la naturaleza.
3.3.
TRAS LA II
GUERRA MUNDIAL
A partir de 1945 se puede considerar
que las vanguardias “históricas” (las que hemos analizado anteriormente) ya han
llevado a cabo todas las rupturas posibles en el arte tradicional. Se produce
una gran proliferación de tendencias que en ocasiones se suceden de una forma
vertiginosa. Además, el centro artístico pasa de Paris a Nueva York.
Después de la guerra, en el panorama artístico
aparecerán nuevos valores que podemos considerar ajenos al propio arte, los críticos,
las galerías de arte, la publicidad, el marketing, los intereses comerciales.
Acabada la Segunda Guerra Mundial, algunos
autores intentaron salirse de los moldes impuestos por el surrealismo,
considerado agotado.
El informalismo fue el movimiento de
vanguardia más importante hasta los años 60. Los pintores informalistas llegan
a la pintura sin preocupación por la composición o las formas, de ahí su denominación.
Importa mas el acto de pintar que su resultado concreto.
La tendencia más importante es la action painting (pintura de acción), también
llamada Expresionismo abstracto, que surge en Estados Unidos y tiene a Jackson Pollock como principal
representante. Pollock realiza enormes lienzos con una técnica nueva: el
dripping, consistente en colocar el lienzo en el suelo y circular a su
alrededor dejando caer la pintura, directamente del recipiente sobre la tela.
ACTIVIDADES
1. ¿Qué es el
dripping?
2. ¿Qué
artista representa el action painting?
El
Pop-Art supone una tendencia agresiva y critica contra la sociedad de
consumo.
Los medios de comunicación social (televisión,
prensa, cine, fotografía) difunden de forma masiva mensajes e imágenes, creando
la denominada cultura de masas, caracterizada por el empleo abusivo de
estereotipos.
Los artistas del Pop-Art utilizan los
motivos y las imágenes del mundo urbano e industrial, pero descontextualizándolos
para que adquieran un significado distinto.
Esos motivos escogidos suelen ser
objetos vulgares, generalmente símbolos de la sociedad de consumo (latas de
sopa Campbell, botellas de Coca-Cola) repetidos constantemente, en alusión a la
seriación industrial y a los medios de comunicación de masas: comic, fotografía,
cine, produciendo obras de gran impacto visual. Destaca Andy Warhol como uno de los principales autores de
esta corriente.
La intención de reproducir objetos de
la realidad iniciada por el arte pop- desemboca en tendencias que insisten cada
vez más en el naturalismo de la reproducción.
Los artistas poseen gran agudeza
visual y ofrecen la sensación de perfección de la obra., como hará el artista Antonio López.
Que pretendían los pintores
hiperrealistas? Reproducir la realidad con una exactitud fotográfica. Se trata
de la representación neutral, de un hecho visual sin implicación emotiva
personal.
El
arte povera es un esfuerzo por huir de la comercialización del objeto artístico.
Para ello utilizaran materiales con ninguna o escasa transformación (placas de
plomo o cristal, telas, carbón, tierra), o también materiales de desecho,
carentes de valor (quemados, oxidados)
Hay una crítica a la sociedad
industrial y a la comercialización abusiva de los objetos artísticos y un deseo
de retorno a la naturaleza y a los procesos más simples.
ACTIVIDADES
1. Enlaza el
autor con su corriente.
A.
Pop Art Antonio
López
B.
Hiperrealismo Andy
Warhol
2. ¿Qué
materiales usa el arte povera?
3. ¿Qué
elementos simbólicos usa el Pop Art?
3.4. ARTE DEL SIGLO XX EN ESPAÑA
Dedicaremos nuestra atención a señalar
las aportaciones de los artistas españoles a la pintura del siglo XX. No
obstante, en el inicio del apartado dedicaremos un breve apunte sobre la
arquitectura y la escultura española durante dicho siglo.
La arquitectura en el siglo
XX, durante los años veinte, los arquitectos españoles se lanzan a nuevas
posibilidades expresivas. A ello contribuyeron el advenimiento de la Segunda República
y la creación de asociaciones de arquitectos. Algunos arquitectos empiezan a
interesarse por las tendencias racionales o funcionales.
Destaca Arturo Soria que intenta
humanizar la vida en la gran ciudad en su Ciudad Lineal de Madrid (o el grupo catalán
GATEPAC, en el destaca José Maria Sert en su proyecto de urbanización de la
Diagonal de Barcelona.
Tras la Guerra civil, en la década de
los años cuarenta y cincuenta se produce el triunfo del Racionalismo, en el que
la arquitectura se dirige a la satisfacción de las necesidades colectivas con
arquitectos como Gutiérrez Soto (Ministerio del Aire, en Madrid) o Pedro
Muguruza (Universal Laboral de Gijón); Posteriormente, en el seno de esta
arquitectura nacionalista y grandiosa se advierten intentos de renovación,
centrados en la figura de Miguel Fisac.
De un modo similar a la pintura, la
escultura recibe el impulso de las corrientes europeas.
A partir de la obra de Pablo Gargallo
(El Profeta), creador de un nuevo lenguaje escultórico, en el que cuenta tanto
el tipo de material utilizado, láminas de forja, como el vacío espacial que las
láminas dejan entre sí, los escultores españoles buscan soluciones modernas.
Después de la Guerra civil también, al
igual que en arquitectura, se realiza un arte colosalista, del que el mejor
ejemplo son el conjunto de esculturas del Valle de los Caídos. Destacan también
Victorio Macho (El Cristo del Otero, en Palencia), que destaca por la impresión
de fortaleza.
Posteriormente, algunos escultores se
inscribieron en el movimiento informalista, destacando Eduardo Chillida, creador de formas abstractas de gran fuerza
expresiva, utilizando como material el hierro y la madera, en un juego de
llenos y vacíos, trata de apropiarse del espacio que rodea a la pieza,
pretendiendo romper con los limites físicos de la obra y Jorge de Oteiza, que
evoluciono desde la escultura figurativa a la abstracción.
A la hora de hablar del comienzo del
siglo XX la pintura española cuenta con nombres muy destacados dentro
del arte vanguardista, cuyo centro seguía siendo Paris. Descollaron en el
cubismo Pablo Ruiz Picasso que
ampliaremos en el punto siguiente- y Juan
Gris con una original utilización de dos procedimientos distintos en un
mismo cuadro: descomposición de planos típicos del cubismo sintético y
referencias tradicionales en el fondo; y Salvador
Dalí y Joan Miró en el surrealismo.
Dalí concibió un método, denominado paranoico-crítico
que utilizo como fuente de creación artística. De esta forma, trato de
descubrir las relaciones ocultas que, a la luz de su subconsciente, existen
entre las cosas. Ello le llevo a pintar asociaciones figurativas delirantes,
que, en sí mismas, poseen una gran intensidad poética.
Miró se aproxima al surrealismo a través
de formas orgánicas con vida propia que se mueven con total libertad por el
cuadro, o la creación de elaboraciones abstractas de motivos concretos
(estrellas, lunas, mujeres).
Después de la guerra la ausencia de
ideas renovadoras y la falta de libertad expresiva se trataron de subsanar con
un eclecticismo que conjugara la tradición con la modernidad.
Puede hablarse de pintores que dan
vida a un paisajismo que se muestra como resultado de una pasiva contemplación estética
del autor: Benjamín Palencia exalta el color y el paisaje desnudo de Castilla;
Ortega Muñoz presenta las tierras rojas, ocres y amarillas de Extremadura; y
Rafael Zabaleta, muy preocupado por la composición de formas geométricas,
representa campesinos inmóviles, sin expresión.
El surrealismo de posguerra tiene su
principal manifestación en torno al grupo barcelonés del que destaca Antoni Tápies. En los cuadros-objeto de
Tápies se subraya la estricta dimensión material de los componentes, al margen
de su significación como realidad convencional.
Por los años cincuenta se constituyen
grupos artísticos que tratan de recuperar el vanguardismo, como el grupo El
Paso (1958), con artistas que dan vida a un informalismo del que serán figuras
destacadas Manolo Millares y Antonio Saura.
Utilizando telas de arpillera y objetos
en proceso de destrucción, con una paleta muy reducida (negro, blanco, rojo)
los informalistas crean una nueva forma de expresionismo, que quiere ser un
grito de libertad.
Ajeno a las tendencias pictóricas del
momento, destaca un artista de gran personalidad, Antonio López, hiperrealista,
que revela el intenso lirismo escondido en las imágenes de aparente
intrascendencia.
Obra de
Antonio López
TRABAJO ÁMBITO SOCIAL (TEMA 6)
Hoy ha pasado una cosa muy rara,
la profe decide que es hora de visitar un Museo de Arte Contemporáneo. Pero se
arma un lío y nadie se da cuenta de que la profesora no ha podido acudir a la
visita. Oh, oh… No queda más remedio que preparar la visita por vuestra propia
cuenta.
¡Que no cunda el pánico! Cada uno
preparará la obra de un autor, buscará información y se lo expondrá al resto de
compañeros. Para ello deberéis seguir el siguiente esquema:
1. BIOGRAFÍA DEL AUTOR
a.
Nombre y apellidos
b.
Fecha de nacimiento y muerte
c.
Lugar de nacimiento
2. INFORMACIÓN DE SU ARTE
a.
¿A qué movimiento artístico pertenece?
b.
¿Cuáles son sus obras más importantes?
Cita las obras más importantes (mínimo 3, sin
repetir la escogida en el punto de
“ficha artística”)
c.
¿Qué colores suele usar?
d.
¿Qué sensación provoca la visión de su arte?
e.
¿Su arte ha sufrido variaciones durante el
tiempo? Explícate
3.
FICHA
ARTÍSTICA
a.
Escoge una obra de arte, la que más te llame la
atención, la que más rabia te dé y rellena la siguiente información sobre ella:
i.
Nombre de la obra:
ii.
Fecha:
iii.
Tipo de arte (cuadro, estatua, arquitectura…)
iv.
Material usado: (lienzo, óleo, acuarela, cartón,
mármol, piedra, etc..)
v.
Lugar donde se encuentra en la actualidad:
vi.
Estilo:
vii.
Técnica usada (pincel, punzón, pinceladas gruesas, marquetería...):
viii.
Colores: (¿qué color destaca?, ¿son colores
cálidos? ¿fríos?, ¿Son colores realistas? ¿Cómo crees que los usa el autor?etc)
ix.
¿Qué intenta plasmar? ¿Qué representa?
x.
¿hay alguna figura que destaque sobre otras?
xi.
¿Qué crees que intenta transmitir?
xii.
¿Por qué has escogido esta obra?
xiii.
¿Habrías preferido otro autor? ¿Por qué?
Information
- Description
- Hitos de la historia del arte del siglo XX y XXI para ESPA - Módulo 3
- Created by
- Hidra S. C. · Jun 2015
- Updated
- Dec 8, 2017
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