VIDA

VIDA

1. Degradación

   • Quiero que el público sienta dolor al ver las atroces consecuencias de nuestros actos en contra de los animales
     • Busco presentar el lado negativo de nuestro impacto sobre la naturaleza, generando dolor y arrepentimiento para empezar a crear un verdadero cambio
       • Es importante para la humanidad empezar a ejecutar acciones para cambiar la situación actual del mundo, pues no somos los únicos que habitamos este planeta
         • Símbolos: sangre, esqueleto, colores oscuros, yuxtaposición de colores brillantes
           • Medio: bidimensional acuarelas
             • Materiales: pinceles, agua, acuarelas
               • Artista concepto: La cara de la guerra por Salvador Dalí representa mediante el cráneo decapitado el dolor, el temor, la muerte, y el sufrimiento
                 • Artista concepto: La cabeza de Medusa de Peter Paul Rubens representa la repulsión y la atracción: una cabeza que no podemos dejar de mirar aún provocándonos un profundo desagrado
                   • Artista técnica: John Blockley El estilo de este artista crea zonas expresionistas con la acuarela, integrando esas pinceladas fuertes con el paisaje.
                     • Artista técnica: Philip Jamison es un pintor más sutil y delicado. Atmósferas y detalles dulces.

2. Belleza

   • Quiero que el público vea la belleza que se encuentra tanto en el ser humano como en la naturalexa
     • Busco que el público se sienta atraído por la belleza reflejada en la obra en función e que se seinta motivado a prservar esta belleza que nos rodea
       • Es importante para la humanidad porque toma el concepto de belleza y lo enfoca en función de la naturaleza, dándole una razón al ser humano para querer cuidar la exótica fauna que poco a poco se ha ido perdiendo
         • Silueta del cuerpo femenino como símbolo de belleza y perfección. Rosas como símbolo de belleza, raíces y enredaderas simbolizando nuestro origen en función de la naturaleza, mariposas que simbolizan las ilusiones, evolución de la vida, y la libertad.
           • Medio bidimensional: dibujo a lápices de colores y pasteles
             • Materiales: lápices de colores, papel de dibujo, tajalápices, pasteles secos
               • Artista técnica: Dino Tomic es un talentoso artista con sede en Noruega, quien además de ser tatuador, sorprende con sus increíbles y detallados dibujos hiperrealistas utilizando diferentes lápices de colores. Entre sus obras, él integra temas de ciencia ficción, fantasía, horror, animales y retratos de personas, entre otros.
                 • Artista técnica: Edgar Degas (19 Julio 1834 – 27 Septiembre 1917) fue un artista francés, famoso por sus pinturas, esculturas, grabados y dibujos. Se le identifica por su uso particular de la técnica de gis al pastel y por sus múltiples trabajos en los que retrató bailarinas, ya que más de la mitad de su obra posee esta misma temática. Es reconocido como uno de los fundadores del impresionismo. Obra: Gis al pastel sobre papel, 1898.
                   • Artista concepto: Las señoritas de Avignón de Pablo Picasso comunica que la belleza de la figura humana, que como forma real es relegada a segundo término, ya que su estructura es geométrica, de formas básicas en una trasmisión de visión múltiples con yuxtaposición de planos fragmentados y cabezas brutalmente deformadas, como también recurre a mascaras tribales africanas y la visión de un mismo objeto vistas en varias perspectivas, que no se sabe sí ésta pintada de frente o vistas desde atrás, dando a entender esta pintura, una nueva opción de interpretar la belleza sin recurrir a la forma real de las figuras y los objetos, podemos comprender que el artista en esta obra "destroza" las formas como un modo irreal e influenciado por su imaginación creativa.
                     • Artista concepto: Gustav Klimt - Dmaa con sombrero y boa, representa el misterio de la belleza femenina mediante la mirada seductora de la obra, siendo el foco de la misma y trasmitiendo al espectador un sentimiento de curiosidad y encantado hacia la misteriosa mujer

3. Optimismo

   • Quiero que el público vea el otro lado de la moneda en donde si hay optimismo y esperanza frente al rumbo de los seres vivos de nuestro planeta
     • Busco que el optimismo reflejado en la obra inspire al cuidado de las especies
       • Es importante para la humanidad porque también se debe exaltar el optimismo frente al mundo habilitando la posibilidad de cambiarlo y mejorarlo
         • Símbolos: colores brillantes, uso predominante del amarillo
           • Medio tridimensional: vitral
             • Materiales: pintura para vitral, vidrio
               • Artista técnica y concepto: Ángel de la Resurrección por Louis Comfort Tiffany, muestra la creación con motivos religiosos del vitral. Sin embargo, el ángel de la resurrección representa el optimismo que hay con respecto a la muerte y la posibilidad de una vida eterna en paz
                 • Artista técnica y concepto: Jardín de Invierno del Instituto de las Ursulinas - Onze-Lieve-Vrouw-Waver, Bélgica. Este vitral demuestra colores brillantes que permiten generar pensamientos positivos y naturales

4. Convivencia

   • He decidido realizar una obra que refleje la belleza del colibrí y a la vez, su entorno dañado por los humanos que han causado el calentamiento global y daño en el hábitat de muchas especies
     • El efecto corrosivo del hombre en la belleza de la naturaleza y la búsqueda de una manera en lograr una convivencia entre especies. Quiero que se logré un cambio entre la interacción humano-naturaleza para poder convivir mejor
       • Es importante ya que esta ave es la más pequeña, tiene plumaje colorido, es veloz y bastante ágil. Esta ave en sí, no está en peligro de extinción, sin embargo, debido a las acciones nocivas del hombre, su hábitat SI está en peligro a causa del calentamiento global. Existen 300 especies de colibríes de las cuales la más pequeña se encuentra en Cuba con un tamaño de 5cm, y el colibrí más grande ha sido de 25cm. Estas aves tienen una gran importancia en los ecosistemas ya que son aves polinizadoras de una gran variedad de plantas. El 75% de las flores dependen de los insectos, murciélagos, y pájaros para la polinización, sin los colibríes muchas de las especies de flores productoras de néctar se extinguirían con el tiempo. Por otro lado, las leyendas y la cultura popular dicen que la visita de un colibrí es que un alma vino a visitar, también se les conoce como mensajeros, y guardianes del tiempo.
         • Símbolos: la roca, la mano que la sostiene, el colorido del plumaje, las raíces
           • Medio tridimensional: modelado en arcilla y vaciado en yeso
             • Materiales: yeso, agua, arcilla, gesso, acrílicos, pinceles
               • Artista concepto: Consuelo Mencheta es una artista española que se destaca por seguir las dos vías más importantes de la vanguardia del siglo XX (la pasión por el color, y la preponderancia de la forma). Esta obra, en mi opinión refleja la esencia del colibrí: brillante, vivaz, y ágil. A pesar de que el título (Colibrí Canelo) sugiere que la figura principal de la obra es el ave, pero al contrario la figura del colibrí se ve reducida a estar en la parte derecha de la composición del cuadro y aún así la obra de cierto modo muestra la importancia de esta pequeña ave, ya que a pesar de su reducido tamaño, es un aspecto clave para un ecosistema entero, así como lo plasma Mencheta, y así como planeo plasmarlo en la escultura que realizaré.
                 • Artista concepto: Henry Constantine Richter fue un ilustrador inglés cuyo trabajo (litografías) fue publicado en los libros científicos del naturalista y ornitólogo John Gould. Estas obras representan el estrecho lazo entre el arte y la ciencia, en la obra que realizaré pretendo mostrar de cierto modo este lazo, pues es necesario entender el rol de la ciencia, entender el propósito e importancia de los colibríes y demás animales en el ecosistema mediante una obra de arte - relacionando el arte y la ciencia tal como Constantine Richter y Gould lo hicieron.
                   • Artista técnica: Miquel Barceló es un artista español a quien le entusiasma la idea de trabajar con el mismo material -arcilla y manganeso- que sus compañeros de profesión de hace tres mil años. “No es que me compare con los ceramistas griegos, pero el afán de aquellos artistas probablemente fuera el mismo que el mío”. En ese sentido, “la cerámica es la forma de pintura más antigua del mundo, es el genérico de la pintura”.
                     • Artista técnica: Saúl Valero es un artista que desentraña los misterios del arte porque según su impresión los artistas primero deben poner la creatividad y luego plasmarla, en este caso representarlas en la masa de arcilla que reposa entre sus dedos cortos y robustos. El tono grisáceo y también rapeluzco que deja la arcilla en las manos de Saúl, es la prueba de que desgastó cada tramo de su imaginación en concebir una escultura o una pieza vibrante y colorida para el final. Valero trabaja con el corazón pero sobretodo con la imaginación porque cuenta que “no existe arte sin imaginación”.

5. Obligación

   • Quiero que el público sienta la necesidad de actuar y entender cual es su deber con respecto a la naturaleza.
     • Busco cambiar la ideología de las personas con respecto al cuidado de los animales
       • Es importante porque, el ser humano al ser la única especie racional, debe entender que puede defender a aquellas especies que no pueden hacerlo por su cuenta
         • Símbolos: líneas definidas, el componente humano y animal
           • Medio lentes y pantallas: arte digital
             • Materiales: medio digital, aplicación de dibujo/diseño
               • Artista concepto y técnica: Cyril Rolando, es un artista digital tiene 28 años y radica en Francia. Su arte va de los surrealista a la fantasía, inventa mundos inexistentes o personajes en situaciones que parecieran que ocurren en sueños. Eso es lo interesante por que la ilustración te puede contar toda una historia, además de las ilustraciones están llenas de muchos detalles. En su obra plasma el mundo imaginario de la niña, habilitándola a escapar de sus obligaciones
                 • Artista concepto y técnica: Ivan Kap. Este artista digital es capaz de recoger los personajes solo existentes en su mente y plasmarlos en sus obras. De la misma forma consigue liberar nuestra imaginación, nos empuja a desarrollar la, a veces, atascada fantasía. Propone una forma delicada de levantar esas barreras autoimpuestas, nos conduce por un camino de introspección y crítica que, aunque esté más o menos explotado sigue siendo inquietante; y, desde luego, deseable. Una forma de revisar la condición humana con cada uno de sus protagonistas.

6. Armonía

   • Al ver esta obra quiero que el público sienta la conexión que hay entre los seres humanos y los humanos y la manera como la interacción entre estas especies debe ser armónica y de acuerdo a las leyes de la naturaleza
     • Busco impactar a la audiencia de tal modo que se den cuenta de que nosotros, los humanos, compartimos el planeta con los animales, al igual que muchas otras características, por lo tanto la conservación de ellos es fundamental,
       • Es importante para la humanidad ya que se debe generar conciencia sobre los factores que destruyen nuestro ecosistema, por lo tanto, mantener la armonía entre los animales y humanos es crucial para la preservación de nuestro planeta.
         • Símbolos: patrón de la textura de la piel de los animales. Jaguar: símbolo de poder, su piel representa las estrellas.
           • Medio lentes y pantallas: fotografía
             • Materiales: -pintura facial, -tres modelos, -cámara fotográfica
               • Artista concepto y técnica: Craig Tracy es uno de los máximos exponentes del body painting, suele presentar la dicotomía entre la naturaleza puesta sobre la figura del ser humano. En esta obra se evidencia la relación armonioza de la naturaleza plasmada a través de la posición de la mariposa con el cuerpo humano. Mostrando la armonía de la mariposa a través de su forma y sus colores brillantes, y la del se humano mediante la figura de la mujer
                 • Artista técnica: la fotografía futurista utilizó la técnica denominada “Fotodinamismo”, la cual buscaba plasmar el movimiento al utilizar tiempos de exposición prolongados y fuentes de iluminación continua. Un fotógrafo muy reconocido de este movimiento y técnica fue Anton Giulio Bragaglia
                   • Artista concepto: El abrazo de amor de El universo, la tierra (México), Yo, Diego y el señor Xólotl de Frida Kahlo muestra la relación entre la naturaleza, su armonía, y la del ser humano. Esta obra de Frida Kahlo refleja la dependencia de la artista a Diego Rivera, su pareja, y su relación fallida con la maternidad. El Abrazo de Amor del Universo, tiene una composición triangular, en donde el foco de la obra es la figura de una mujer pintada con una textura rugosa y la predominancia del color verde. El uso del color y la textura en la mujer reflejan a la naturaleza, por lo tanto, este elemento de la obra es la representación de la madre naturaleza, quien acoge en sus brazos a Frida Kahlo quien está sosteniendo a una representación de Diego Rivera en posición fetal. Asimismo, la pintura se ve dividida en dos partes: la izquierda tiene una predominancia de colores terrosos en contraste con los tonos verdes de las plantas y raíces que salen de la madre naturaleza.

7. Miedo

   • Quiero que el público sienta el miedo de sentirse peridod en este mudno y darse cuenta que ha acabado con todo a su alrededor
     • Busco que el miedo lleve a la decisión de tomar acción frente a esto
       • Es importante para la humanidad porque justamente lo que deberíamos sentir es miedo: miedo a acabar con la vida en este planeta, miedo a darnos cuenta muy tarde sobre el efecto negativo de nuestras acciones
         • Símbolos: figuras fragmentadas, yuxtaposición del color
           • Medio bidimensional: grabado - esténcil
             • Materiales: estencil, láminas, sharpie, tijeras, papel basic
               • Artista técnica y conceptual: El stencil también es frecuentemente utilizado en el arte callejero, acá, Banksy utiliza el stencil de una niña con su globo el cual se le escapa, mediante esto, el artista busca plasmar la idea de no dejar ir las cosas y 'agarrarlas' antes de que sea tarde
                 • Artista técnica y conceptual: Alucinaciones de un futuro distópico de Czarnobyl utiliza el método del stencil en los grafittis, este en específico muestra la manera como el ser humano le teme a lo que el futuro traiga, inclusive cuando este futuro ha sido construido por la mismísima especie humana.

Imágenes y archivos del mapa