Flashcards
Estética II
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- 1Lo belloAquello relacionado con lo bueno, la simetría, la belleza, la tranquilidad y, fundamentalmente, el orden.
- 2Lo feoTodo lo contrario a lo bello, especialmente aquello que atenta contra el orden.
- 3Lo feo durante la AntigüedadSolo se ha querido mostrar lo bello, relacionando lo feo con el mal, la negación del ser.
- 4Lo feo en el CristianismoDurante el Cristianismo se hace necesario el uso de lo feo como representación de un Dios sufriente. Ya no basta con representar lo bello, sino que hay que bajar lo divino a lo humano. Se usa de forma práctica.
- 5Lo feo en el prerromanticismoPara Lessing y su Laooconte, la fealdad es necesaria porque aumenta la intensidad de lo bello. Es en este momento (1767) cuando se establece como categoría estética específica. Para Schlegel, lo feo es algo típico del arte humano, especialmente del arte moderno. Es necesaria una ruptura de las ideas de la armonía y de lo bello porque los ideales de la Ilustración no cuadran dentro de la época.
- 6Lo feo en el preidealismo alemánCon Víctor Hugo lo feo ya no se distingue de lo bello. Lo real resulta de la combinación de lo sublime y lo grotesco. Se asume que la realidad tiene luces y oscuridades. Es donde comienza el juego de fealdad exterior Vs. belleza interior. Para Baudelaire lo feo recuerda el horror de vivir, así que cualquier cosa, incluso la más humilde, puede ser representada.
Para Hegel los temas son banalidades, aunque esto no determina su categoría de arte, sino que depende del artista que cualquier tema pueda ser arte. - 7Lo feo en Víctor HugoPara Víctor Hugo, lo feo ya no se distingue de lo feo, ya que lo real resulta de la combinación de dos elementos: lo sublime y lo grotesco. Se asume que la realidad tiene luces y oscuridades. Comienza el juego fealdad exterior Vs. belleza interior.
- 8Lo feo en BaudelairePara Baudelaire, lo feo recuerda el horror de vivir, así que cualquier cosa puede ser digna de representación.
- 9Lo feo en HegelPara Hegel los temas son banalidades, aunque esto no elimine su categoría de arte, sino que recae en la excelencia del artista. La calidad está en la representación.
- 10Lo feo en Karl RosekranzLo feo es una trampa para conseguir la primacía de lo bello. El arte se encuentra en el límite, cuando parece que la belleza está a punto de fracasar ante lo feo. Hay que asumir lo feo y superarlo sin ponerlo como protagonista.
- 11Lo feo para AdornoLo feo da muestra de la realidad: es el encargado de sacar a la luz las miserias de la época. El arte debe usar lo feo para enfrentarse a la sociedad en la que ha nacido imponiéndosela.
- 12Los dos tipos de arte en AdornoAdorno diferencia claramente dos tipos de arte: el auténtico o negativo, que debe enfrentarse a la sociedad en la que nace mostrando las miserias en clave enigmática; y el inauténtico o positivo, que afirma la sociedad, perpetúa las miserias y se ha convertido en mercado.
- 13El problema del arte negativo de AdornoEl arte negativo conlleva la máxima autonomía del arte, que puede desembocar en un hermetismo y elitismo defendiendo la disonancia y la abstracción.
- 14La belleza en la actualidadHoy en día la belleza y la fealdad son un constructo, hasta el punto en que hablar de esos términos no resulta cómodo. El arte es un arte de masas, democratizado, que choca con el mundo de la crítica, algo totalmente elitista.
- 15Las fases de lo feo a lo largo de la historia1. La Antigüedad.
2. El Cristianismo.
3. El prerromanticismo Lessing y Schlegel.
4. El preidealismo Víctor Hugo, Baudelaire y Hegel.
5. Karl Rosekranz.
6. Adorno.
7. La actualidad. - 16La estética filosófica: iniciosDurante el siglo XVIII todo gira en torno a por qué X objeto es más bello que otros debido a la falta de definición de lo bello. No hay un criterio común. Los objetos artísticos comienzan a verse como la creación de un individuo en particular (en vez de alguien tocado por Dios): el genio.
- 17La estética filosófica: ideas fundamentales que se establecen en el momento1. El entendimiento de la obra de arte como un producto creado por el genio.
2. El entendimiento de la categoría de belleza como característica sensible de determinados objetos.
3. La imaginación y la fantasía son facultades necesarias para la comprensión del arte.
4. Hay una ruptura de los monopolios estéticos con una continua creación de reglas. - 18La estética filosófica: introducciónHay una transformación radical de lo que se entiende como bello: se abre a la pluralidad. La belleza deja de ser entendida como una cualidad del orden o del Ser, carente de realidad. En el siglo XVIII la sensibilidad cambia, estableciendo una facultad responsable de captar el arte.
- 19La estética filosófica: los salonesLos salones eran el lugar donde se exponía públicamente el arte. El artista se exponía tanto a la Academia como al público, lo que dio lugar al mercado del arte. Con la creación del mercado, se hace necesaria la figura del crítico, que no solo habla para los artistas, sino también para quien compra arte.
- 20La estética filosófica: BaumgartenBaumgarten revoluciona lo que entendemos como estética ya que forma una disciplina que se encargue de sus temas. Rehabilita los sentidos y la sensibilidad alegando que los sentidos nos proporcionan información. Añade la idea de belleza como perfección de lo sensible. La establece como una ciencia de lo sensible encargada de estudiar lo que la razón no puede. Desde la estética de Baumgarten se hace necesario buscar un refinamiento del gusto que permita entender lo bello.
- 21La estética filosófica: WinckelmannWinckelmann entiende el arte como una manifestación de la cultura, por lo que es necesario comprender la historia para entender el arte. El problema es que idealiza su visión del mundo Antiguo que llegará hasta Nietzsche. Inaugura una visión holista e interpretativa, pero sesgada por los 'clásicos'.
- 22La estética filosófica: Baumgarten Vs. WinckelmannBaumgarten trata de aunar todas las teorías del arte bajo una misma mirada, mientras que Winckelmann intenta una visión historicista del arte, sesgada por su visión de la Antigüedad.
- 23La estética filosófica: MendelssohnMendelssohn trata de separar la teoría de la sensibilidad de Baumgarten del sistema metafísico, dando lugar a la independencia y autonomía del arte. Se presenta, por lo tanto, la necesidad de un autor que consiga aunar la verdad histórica con la ética: Jacques-Louis David.
- 24La estética filosófica: Jacques-Louis DavidDavid hace una exaltación del tema de la virtud y de la lucha por el bien común sobre el individual en 'El Juramento de los Horacios'. Es capaz de representar al dedillo la idea de Winckelman. Posteriormente pasa a retratar a héroes como mártires con 'El asesinato de Marat'. Sin embargo, no lo representa como un héroe, sino en el momento de su muerte, en el momento en el que se convierte en mártir moderno.
- 25La estética filosófica: autores1. Baumgarten.
2. Winckelmann.
3. Mendelssohn.
4. Jacques-Louis David. - 26Estética de lo Bello y Estética de lo Sublime: introducciónRobert Rosenblum en 'Lo Sublime abstracto', considera que las estéticas de lo viejo son las consideradas estéticas de lo bello, principalmente objetivas ya que la belleza reside en el exterior, en el objeto. Por otro lado, lo sublime es puramente moderno ya que es un sentimiento inherente al propio espectador, se trata de algo puramente subjetivo.
- 27Estética de lo Bello y Estética de lo Sublime: características de lo sublimeLo sublime es un sentimiento individual y subjetivo: no existen objetos sublimes, sino que existen objetos que pueden causarnos ese sentimiento. Es, por definición, ambiguo porque produce tanto placer como dolor. Además, depende de un único instante y de la circunstancia (o distancia) desde la que se observa.
Históricamente ya en el I E.C el Pseudo-Longino ya había escrito sobre este sentimiento, que más tarde Joseph Addison define como un horror agradable. - 28Estética de lo Bello y Estética de lo Sublime: Edmund BurkeLa distancia estética es necesaria para entender el sublime. Los eventos que amenazan nuestras vidas provienen, por lo general, de la naturaleza y amenazan nuestra individualidad. Para que haya sublimidad es necesario que exista una amenaza que queda suspendida.
- 29Estética de lo Bello y Estética de lo Sublime: lo bello Vs. lo sublime.Lo bello se reduce a lo estético-clásico, es decir, a lo objetivo; mientras que lo sublime es puramente moderno, lo subjetivo. Lo sublime nos hace conscientes de nuestra finitud. Lo bello nos aporta placer positivo, mientras que lo sublime, negativo ya que es una distensión que intensifica nuestros sentimientos.
- 30Estética de lo Bello y Estética de lo Sublime: autores1. Robert Rosenblum.
2. Pseudo-Longino.
3. Edmun Burke. - 31El origen de la obra de arte: el arte para HeideggerHeidegger entiende el arte desde una perspectiva ontológica, como el acontecimiento fundamental de la historia del ser. La estética es la forma metafísica de la reflexión sobre el arte.
- 32El origen de la obra de arte: ereignisEl ereignis es el momento en el que ser y ente se transporpian recíprocamente por medio de los sentidos. El arte, por lo tanto, posibilita que exista esta ereignis. Alude a los significados, mundos y sentidos que se desvelan en la obra de arte.
- 33El origen de la obra de arte: Las Botas de Van GoghHeidegger entiende la obra de arte como un objeto, no como un instrumento. Para ello, asume que las botas son de una campesina para hacer una fenomenología de la vida del campo, donde quien habla es el cuadro, y habla de la esencia del ser. Los instrumentos son objetivizados al máximo, desprovistos de toda instrumentalidad, al ser representados en un cuadro.
- 34El origen de la obra de arte: El mundo y la tierraLa tierra es lo puramente material, la physis, lo que no ha sido conceptualizado. Mundo, por otro lado, es lo que remite a un sentido.
La tierra es lo que se oculta, el mundo lo que se abre. Así, la obra de arte (aka el templo) exterioriza el secreto de los objetos. El templo es aquello que se oculta en la tierra y desvela un mundo. - 35El origen de la obra de arte: las claves heideggerianas1. Descalificación global del presente, que es algo inauténtico.
2. Los problemas los sueños ilustrados de la razón y el hombre moderno.
3. La exigencia de tomar una decisión a favor de una vida auténtica. - 36Profundidad y Superficie: lecturas del cuadro de Van GoghSchapiro sobre Gaugin: solo representa la biografía del autor dado que existen numerosos cuadros que representan unas botas y no hay constancia de que sean de campesinas.
Gauzi considera que se representan por una cuestión formal, plasmando un autorretrato.
Jameson compara los cuadros de campesinos (calavéricos) con las botas y se da cuenta de que puede estar haciendo una compensación mostrando la naturaleza de forma utópica para compensar la dureza del campo.
Flaubert cree que representan la idea del Carpe Diem. - 37Profundidad y superficie: tipos de lecturasEsencialista.
Biográfica.
Formalista.
Compensatoria.
Melancólica.
Todas ellas funcionan buscando una profundidad oculta en una superficie. - 38Profundidad y superficie: Andy WarholAndy Warhol, por medio de serigrafias, invierte el papel utópico de Heidegger. El arte solo muestra el momento en el que un objeto se vuelve imagen. Solo existe la superficie. Esto es lo que conocemos como pop porque la realidad se ha convertido en apariencia.
- 39Profundidad y superficie: Walter BenjaminWalter Benjamin nos muestra como han evolucionado las obras de arte: mientras que antes eran únicas y originales, ahora pueden ser reproducidas, tomando relevancia aspectos como la copia y la reproducción. La importancia ahora recae sobre el autor.
- 40Profundidad y superficie: la crítica a la dialécticaEn el fondo, todo aquello que llamamos posmodernidad se fundamenta en una dura crítica a los modelos clásicos que son la base de muchos dualismos. A medida que avanza el siglo XX lo que nos quedan son interpretaciones. Estamos en un mundo sin esencia, sin significados ocultos. Sin embargo, esto no significa que todo valga, sino que debemos adquirir cierta responsabilidad con cada lectura que hacemos, porque nos representa más a nosotros que a la propia obra.
- 41Profundidad y superficie: los cuatro dualismos fundamentales1. Esencia-apariencia. Las sombras se han convertido en las apariencias: los simulacros nos preceden.
2. Represión-liberación. La teoría freudiana se fundamenta en que la represión, lejos de rechazar pensamientos, los almacena en el inconsciente. Será Foucault quien se encarga de desmantelarlo.
3. Autenticidad-inautenticidad. Hoy en día nos parece ridículo hablar de lo que es auténtico o no, pero para Heidegger es lo que nos salva de caer en la angustia.
4. Significante-significado. Tradicionalmente, el significante es el signo, mientras que el significado está oculto. En la actualidad hablamos más de los actos de habla. - 42La estética Negativa de Adorno: contextoAdorno es un autor judío que tuvo que abandonar Alemania cuando la amenaza Nazi se hacía patente. Formaba parte de la Escuela de Frankfurt y de la teoría crítica de la sociedad. Cuando emigra a EE. UU se encuentra con una cultura del espectáculo muy contraria al contexto europeo donde no se puede hablar de belleza.
- 43La estética negativa de Adorno: la autonomía del arte y el arte socialEl arte tiene fundamentalmente dos caracteristías: es a la vez social y autónomo. Social porque ha de enfrentarse a la sociedad en la que nace mostrando la miseria y la desgracia del sistema. Autónomo porque ha de enfrentarse al razonamiento identificante, es decir, a todo aquello que trata de clasificar todo en principios, leyes, conceptos y categorías.
- 44La estética negativa de Adorno: el arte auténtico y el inauténticoEl arte auténtico es aquel que utiliza el horror para luchar contra la sociedad en la que nace. Aunque los significados y contenidos puedan entenderse en cualquier época, debe ser entendido en su contexto. Desde el mundo particular de la obra de arte, por el mero hecho de ser ficción, remite a un mundo paralelo para enfrentarse a la sociedad.
El arte inauténtico, o positivo, es aquel que no lucha contra la sociedad en la que ha nacido, sino que la afirma.
La obra de arte es, por lo tanto, un artefacto basado en la racionalidad estética. - 45La estética negativa de Adorno: el problema del hermetismoEl arte auténtico de Adorno es aquel que se separa de la comunicación ya que el contenido de la obra tiene que ser enigmático para que no se agote. Esta radicalización desemboca inevitablemente en un hermetismo elitista, ya que solo unos pocos podrían interpretar las obras.
- 46La estética negativa de Adorno: las claves1. La obra de arte es una mentira verdadera, niega el mundo de las cosas.
2. El displacer y el sufrimiento son el lenguaje del arte auténtico ya que deben negar el orden establecido.
3. Niega las formas de percepción habituales ya que son enigmas que no deben agotarse. Niega la comunicación estética.
4. Niega la sociedad de la que es producto. - 47Estética de la recepción: contextoPara Robert Jauss, debemos distinguir entre el primer contexto de una obra, en el que ha sido creada, y el resto, donde es interpretada. El receptor es lo más importante.
- 48Estética de la recepción: el surgimiento de la teoría de la recepciónCon la llegada de Gadamer se impone la idea de los prejuicios. Además, el intento de acabar con el historicismo, la llegada de las vanguardias, el cuestionamiento de la autonomía del arte y la finalización de las estéticas idealistas hacen que el receptor cobre importancia.
- 49Estética de la recepción: GadamerGadamer entiende las obras de arte como un producto cultural que debe ser entendido históricamente. El juicio estético, por lo tanto, se sitúa dentro de una tradición, donde el tiempo, momento y cultura son importantes para completar el significado. El receptor debe asumir estos prejuicios para comprender la obra.
- 50Estética de la recepción: JaussLa teoría de Gadamer tiene que ser entendida como un método. Hay que asumir la propia historicidad de la obra para dar mayor completud a esta. El problema es que ha pasado por contextos muy diferentes. Hay que apropiarse de la mayor cantidad de interpretaciones para que la nuestra sea lo más verdadera posible. No cae en el problema de lo cásico, sino que la experiencia estética anterior es una guía que nos permite entender mejor la obra de arte.
- 51Estética de la recepción: Susan SontagSusan Sontag pone en entre dicho el papel de la crítica ya que se ha centrado en desvelar un contenido, cosa que para ella supone un engaño. Presuponemos una idea y hacemos que la obra coincida con ella. En lugar de una hermenéutica, lo que sugiere es una erótica del arte, donde se trabaja sobre lo superficial, sobre la forma.
- 52Estética de la recepción: IserIser, continuando con la teoría de Sontag, considera que las obras se neutralizan al dejar de lado al receptor. Sin embargo, para este autor lo importante es que los significados son creados por los espectadores (no interpretados). No le importan los primeros significados (autor y obra), sino los segundos (los espectadores). Es lo que llama indeterminación de las obras: existen huecos que el receptor debe rellenar.
- 53Adorno y la estética de la recepción: contexto y clavesJauss hace una crítica a la estética negativa de Adorno, estableciendo tres características clave:
1. La obra de arte no es algo real, sino que niega una realidad transformándola en imagen.
2. La obra niega un modo de relacionarse con la realidad para verla de otra manera y así crear una tradición nueva. Niega una relación establecida con el mundo.
3. La obra de arte negativa debe negar la sociedad desde la sociedad. - 54Adorno y la estética de la recepción: el problemaJauss considera que Adorno es capaz de ver el problema en la relación arte-sociedad, pero es incapaz de solucionarlo por dos motivos:
1. La negatividad y la positividad no son medidas fijas. Hay obras que pueden nacer siendo positivas y pasar a ser negativas. La dialéctica social del arte es un proceso histórico, como ocurre con los clásicos que son a la vez positivos y negativos.
2. Centrarse en el arte de la negatividad supone dejar de lado muchas relaciones sociales y funciones comunicativas ya que particulariza las relaciones bajo un mismo concepto. Jauss defiende la experiencia estética ya que es una forma de relacionarnos con objetos que nos producen un placer o sentimiento. - 55Adorno y la estética de la recepción: conclusiónJauss considera que el receptor ha de identificarse con la obra para así establecer formas de comunicación. Si sacrificamos estas formas, la experiencia estética no puede existir. Mientras que para Adorno la obra se modifica y evoluciona por sí misma, para Jauss la base son las interpretaciones.
- 56Ramón Gómez de la Serna: contextoEntra dentro de la denominada Edad de Plata española, junto con la generación del 98, la del 14 y la del 27. Es considerado tanto vanguardista como experimentalista. No hay un rechazo profundo a la estética anterior, sino que toma elementos del pasado y del presente que desea conservar para hacerlos suyos. No intenta crear nuevas reglas, sino que solo quiere crear.
- 57Ramón Gómez de la Serna: el valor de las cosasRamón coge la idea de Derrida sobre la fiabilidad, en la que un objeto puede perder su instrumentalidad, para premiar al objeto en tanto que objeto. Esto es lo que conserva en su Torreón, donde se representa tanto el aislamiento como la dispersión.
Esta vulgaridad o pérdida de la utilidad se extiende hasta la obra: no podemos decir que tengan una función expresiva o un contenido oculto, sino que eso lo añade quien interpreta la obra. - 58Ramón Gómez de la Serna: la relación mundo-objetosPara Ramón, no existe un orden predeterminado de objetos, sino que solo existe un cúmulo de estos cuya función es equivalente. Las clasificaciones clásicas dejan de tener importancia. Así, la obra deja de tener importancia por sí misma si no llega al lector, porque es éste quien completa la obra cada vez que la interpreta, dependiendo del momento, acto y estado de la persona, por eso la comprensión nunca llega a agotarse.
- 59Ramón Gómez de la Serna: el tiempo detenidoLa búsqueda del tiempo detenido responde a una necesidad de control en un mundo de constante cambio. Los Relojes de Dalí son una representación artística perfecta de la relatividad del tiempo y de su ambigüedad. Bergson aparece como mediador entre la teoría del tiempo de Einstein y la teoría del arte de Ramón ideando conceptos e ideas físicas y humanas.
- 60María Luisa Caturla: horizontes comunesPara Caturla es necesario establecer puntos en común, unos horizontes, que nos permitan hacer comparaciones. Hay que encontrar similitudes en la estructura. No podemos observar por completo la esencia de una época, pero sí es posible acercarnos a su contexto de modo formal, es decir, de forma orgánica, o de manera opuesta, formando vías de incertidumbre.
- 61María Luisa Caturla: historia y vaivénPara Caturla, la forma de relacionarse con la obra modifica el modo de hacer historia. Es necesario que haya una proyección sentimental para reflejarnos en las obras. Lo constituyente de las épocas de crisis es que el arte es vacilante, incierto, extraño e inorgánico. El debate que se establece en su estética es el de la estética de Adorno contra la estética de la recepción de Jauss.
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- II Estética II Flashcards on Estética II, created by Daniel Carrasco Hernández on 15/01/2022.
- Created by
- Daniel Carrasco Hernández
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