musica

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ETAPA EXPLORATORIA

¿PARA TI QUE ES MÚSICA?

la música es una forma de expresar los sentimientos mediante notas o letras con sentido coherente y lirico

¿EN QUE ÉPOCA CREES QUE NACIÓ LA MÚSICA?

la música creo que apareció desde el momento en el que el hombre quiso expresar sus sentimientos hacia los amigos la familia o a quien acortejaban en mi parecer la música aparece casi que a la vez que el hombre

¿QUE SERA SONIDO EN MÚSICA?

el sonido en la música es lo que nos permite a nosotros los oyentes captarla

¿QUE SERA RITMO EN MÚSICA?

ritmo en música es el sentido ordenado del sonido que hace a este agradable al oído con el ritmo la canción gana o pierde oyentes es el tipo de sonido

¿QUE SERA MELODÍA?

melodía es el ritmo del sonido y las letras que existe en las canciones

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CONSULTA

1. Defina los siguientes conceptos:

*Musica

*Pentagrama

*Notas musicales

*Clave

*Ritmo

*Melodia

*Sonidos

*Silencios

*Compas

*Valores de tiempo

*Figuras Musicales explicación e imagen

2. Baje y pega un Cuadro o línea cronológica sobre la historia de la música

3. Escribe el Origen e historia de la música.

4. Biografía de:

Richard Strauss

Claude Achille Debussy

Igor Fiódorovich Stravinsky

Alexander Nikolaievitch Scriabin

Erik Satie

Wolfgang Amadeus Mozart

Beethoven7.

5. Instrumento digital, Placas y teclados.

6. Investigue cada una de las preguntas de la etapa exploratoria

7. Instrumento digital, Vientos.

8. Mezcladores, editores de música.

9. Acercamiento a la Robótica básica usando la herramienta LEGO

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MUSICA

El término música tiene su origen del latín “musica”que a su vez deriva del término griego “mousike” y que hacía referencia a la educación del espíritu la cual era colocada bajo la advocación de las musas de las artes.

Puede decirse que la música es el arte que consiste en dotar a los sonidos y los silencios de una cierta organización. El resultado de este orden resulta lógico, coherente y agradable al oído.

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PENTAGRAMA

se conoce como pentagrama (o pentágrama, de acuerdo a lo indicado en el diccionario de la Real Academia Española) a una modalidad de notación musical que se basa en una estructura compuesta por cinco rectas ubicadas de manera paralela y a una misma distancia de separación

Los pentagramas se destinan a la escritura de música, es decir, para tener registro en un soporte escrito de las notas y los demás signos musicales necesarios para interpretar una melodía. Todas las líneas del pentagrama, así como sus cuatro espacios, se enumeran en dirección abajo-arriba.

Al inicio del pentagrama se coloca la clave, que es el símbolo que permite relacionar cada nota musical con la ubicación o espacio que ocupa en el pentagrama. Dicha clave conecta una nota con un lugar específico del pentagrama, lo que hace que a las demás notas les correspondan ciertos lugares y líneas adyacentes.

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NOTAS MUSICALES

La nota musical puede ser entendido como el elemento más básico y primordial del sonido y de la música. La nota musical es el elemento a partir del cual se arman las diferentes melodías y armonías en la música ya que cada una de ellas representa un sonido particular e indivisible que, puesta en conjunto con otras, arma un sonido más complejo y duradero. Las notas musicales son elementos abstractos pero se representan de manera simbólica en los pentagramas para que puedan ser leídas e interpretadas por los músicos.

Muchos estiman que las notas musicales son equivalentes a los átomos, las unidades básicas e indivisibles de la materia. Lo mismo sucede con las notas musicales ya que ellas son las que permiten componer sistemas de sonido más complejos y duraderos. Las notas no existen por sí mismas como los átomos sino que son una interpretación que el ser humano realiza de los diferentes sonidos existentes en el mundo que nos rodea. Las notas musicales son siete: Do - Re - Mi - Fa - Sol - La - Si. Esto se conoce como escala musical y es la que se representa, justamente como una escala, en el pentagrama. La combinación de esas notas musicales más la suma de otros elementos que acompañan o la variación entre cada una de ellas es lo que permite componer diferentes tipos de música.

Debido a la variedad de tonos y de sonidos que existen por cada nota, la música es tan variada y compleja como se la conoce. Si a eso se le suma la velocidad, el ritmo y otros elementos obtenemos diversos ritmos musicales que son completamente diferentes entre sí y que se tocan de maneras muy diferenciadas. Una de las características más importantes de las notas es que siempre deben ser combinadas de manera armónica de modo que el sonido que se obtenga sea agradable al oído humano, que no desafine ni suene agresivo, circunstancias que pueden ocurrir cuando las notas no son combinadas correctamente.

... via Definicion ABC https://www.definicionabc.com/audio/nota-musical.php

... via Definicion ABC https://www.definicionabc.com/audio/nota-musical.php

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CLAVES

una clave puede ser un signo que se emplea para lograr el funcionamiento de algo o un código que posibilita transmitir mensajes privados o secretos. Musical, por su parte, es aquello vinculado a la música: la combinación de sonidos con armonía, ritmo y melodía.

La clave musical se utiliza para especificar la altura de la música que aparece detallada en un pentagrama. Cabe destacar que la altura es una cualidad dependiente de la frecuencia del sonido, que permite diferenciar entre un sonido grave y un sonido agudo.

A través de la clave musical se asigna una cierta nota a una de las líneas del pentagrama. Dicha nota es tomada como referencia para las notas que aparecerán a continuación. Más allá de que la clave musical se incluye al inicio del pentagrama, se puede cambiar en el transcurso de la composición.

https://definicion.de/clave-musical/

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RITMO

del latín rhythmus, el ritmo es un orden acompasado en la sucesión de las cosas. Se trata de un movimiento controlado o calculado que se produce por la ordenación de elementos diferentes.

El ritmo puede definirse como la combinación armoniosa de sonidos, voces o palabras, que incluyen las pausas, los silencios y los cortes necesarios para que resulte grato a los sentidos.

Las artes, por lo tanto, tienen en el ritmo una de sus características principales. La literatura (tanto la narrativa como la poesía) tiene su ritmo en la elección de las palabras y el equilibrio de las oraciones. Por ejemplo: una sucesión de palabras con sílabas largas y oraciones extensas hace que la obra tenga un ritmo lento.

en el caso de la música, el ritmo es la proporción existente entre el tiempo de un movimiento y el de otro diferente. La organización de los compases, los pulsos y los acentos determinan la forma en la cual el oyente percibe el ritmo y, por lo tanto, la estructura de la obra.

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MELODÍA

Esta palabra proviene del término griego Meloidia que significa cantar.La palabra melodía se puede definir como el conjunto de sonidos que al ser agrupados de una forma determinada, puede transformarse en un sonido agradable al oído de quien la escucha. Entre los diferentes tipos de melodías tenemos: las melodías planas en donde los sonidos permanecen unidos, ejemplo el rap, también tenemos las onduladas aquí podemos apreciar que los sonidos suben y bajan y es lo que habitualmente escuchamos en las canciones.}

Para que la melodía pueda existir como tal, necesita de dos elementos fundamentales que el compositor debe tomar en cuenta, estos serian las emociones, la creatividad y todas las sensaciones que se desee transmitir a través de la música. Al escuchar una melodía podríamos tener diferentes reacciones lo que para unos es un sonido agradable para otros sería algo sin sentido, por lo tanto es algo subjetivo de cada persona. Cuando una persona se conmueve al escuchar una melodía no quiere decir que todos lo percibamos igual.

Una melodía puede estar compuesta por un par de notas o infinidad de ellas lo importante es que dichas notas están agrupadas de una manera tal que el sonido final sea placentero para quienes las escuchan.

Entre las características que debe tener una melodíatenemos las siguientes:

tiene que ser una sucesión de notas.

Esta intrínsecamente relacionada con el ritmo.

Debe transmitir una idea.

Debe ser fácil de recordar.

http://conceptodefinicion.de/

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SONIDO

El sonido es un fenómeno físico que estimula el sentido del oído, también es conocido como la manera particular de sonar que tiene una determinada cosa.Las vibraciones que producen los cuerpos materiales al ser golpeados o rozados se transmiten por un medio elástico, donde se propagan en forma de ondas y al llegar a nuestros oídos, producen la sensación sonora. Un sonido se diferencia de otro por sus características de percepción, las cuales son su intensidad (fuerza con que se percibe), puede ser fuerte o débil; su tono (marca la frecuencia o número de vibraciones por segundo que produce el cuerpo que vibra), puede ser grave y agudo; y por ultimo, su timbre (cualidad que nos permite distinguir entre dos o más sonidos producidos por distintas fuentes sonoras).

El sonido se transmite con facilidad a través del aire, pero se transmite mejor a través de los sólidos y los líquidos. En el vacio, no se transmite el sonido, ya que es necesario un medio material para la propagación de las vibraciones producidas. El hombre con su tecnología ha logrado la transmisión del sonido a grandes distancias, convirtiendo las ondas sonoras en ondas de radio que se desplazan por el espacio a la velocidad de la luz y convirtiéndolas luego en sonido (sonidos de la radio y la televisión). Igualmente ha convertido el sonido en impulsos eléctricos, que son conducidos por cables hasta un aparato que los vuelve a transformar en sonidos (por ejemplo, el teléfono).

http://conceptodefinicion.de/sonido/

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SILENCIOS

En música un silencio o pausa es un signo que representa gráficamente la duración de una determinada pausa en una pieza musical. La manera gráfica de indicar la duración relativa de un silencio es mediante la utilización de una serie de símbolos diversos cuyos rasgos se modifican, como por ejemplo la ubicación en el pentagrama o el número de ganchos que tienen.1​2​

Cuando un silencio aparece en el pentagrama quiere decir o nos indica que no debemos tocar esa parte, es decir donde esta el silencio.

El silencio que representa la unidad de duración es la redonda. Cada valor simple equivale a dos de su silencio inmediato, así:

un silencio de redonda equivale a dos silencios de blanca;

un silencio de blanca equivale a dos silencios de negra;

un silencio de negra equivale a dos silencios de corchea;

un silencio de corchea equivale a dos silencios de semicorchea;

un silencio de semicorchea equivale a dos silencios de fusa;

un silencio de fusa equivale a dos silencios de semifusa.

https://es.wikipedia.org/wiki/Silencio_(m%C3%BAsica)

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COMPAS

El compás es la entidad métrica musical compuesta por varias unidades de tiempo (figuras musicales) que se organizan en grupos, en los que se da una contraposición entre partes acentuadas y átonas.1​ Los compases se pueden clasificar atendiendo a diferentes criterios. En función del número de tiempos que los forman surgen los compases binarios, ternarios y cuaternarios. Por otra parte, en función de la subdivisión binaria o ternaria de cada pulso aparecen los compases simples (o compases de subdivisión binaria) en contraposición a los compases compuestos (o compases de subdivisión ternaria).

La representación gráfica del compás se hace mediante la indicación de compás, que es una convención que se emplea en la notación musical occidental para especificar cuántos pulsos hay en cada compás y qué figura musical define un pulso. En las partituras los compases se sitúan al principio del pentagrama de la obra, o bien tras una doble barra que indica un cambio de compás. La división en compases se representa mediante unas líneas verticales, llamadas líneas divisorias o barras de compás, que se colocan perpendicularmente a las líneas del pentagrama.

https://es.wikipedia.org/wiki/Comp%C3%A1s_(m%C3%BAsica)

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VALORES DE TIEMPO

El silencio de negra también se puede encontrar representado como en la música antigua.2​ Se encuentran muestras de la forma más antigua en obras de los editores de música ingleses de principios del siglo XX, por ejemplo en la partitura vocal Misa de Requiem de Wolfgang Amadeus Mozart, editada por William Thomas Best y publicada en Londres: Novello, 1879.

Figura 2. Valor relativo de los silencios.

El silencio que representa la unidad de duración es la redonda. Cada valor simple equivale a dos de su silencio inmediato, así:

un silencio de redonda equivale a dos silencios de blanca;

un silencio de blanca equivale a dos silencios de negra;

un silencio de negra equivale a dos silencios de corchea;

un silencio de corchea equivale a dos silencios de semicorchea;

un silencio de semicorchea equivale a dos silencios de fusa;

un silencio de fusa equivale a dos silencios de semifusa.

Asimismo, podemos establecer otras relaciones sobre la base de las recién mencionadas, por ejemplo en 4/4 un silencio de redonda equivale a cuatro silencios de negra, un silencios de corchea equivale a ocho silencios de semifusa, etc.

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FIGURAS MUSICALES

Las siete figuras musicales son: redonda, blanca, negra, corchea, semicorchea, fusa y semifusa.

¿Qué son las figuras musicales?

Las figuras musicales son signos gráficos que representan la duración de los sonidos.

Cuando las figuras musicales aparecen situadas en un pentagrama con clave establecida, determinan también la altura del sonido.

Las figuras musicales están compuestas de tres partes: cabeza, plica y corchete; aunque algunas figuras carecen de alguna de ellas.

La forma gráfica de representar la duración de las notas musicales es mediante el color o la forma de la cabeza de la figura, la presencia o ausencia de la plica así como también la presencia o ausencia de corchetes con forma de ganchos.

Cuando varias figuras musicales con corchetes se sitúan de manera contigua, a menudo se presentan como un grupo, siendo sustituidos los corchetes por líneas que unen a todas las figuras del grupo.

Corcheas y semicorcheas en grupo.

A cada figura musical le corresponde un silencio, que es aquel signo representativo de la ausencia de sonido. Son por lo tanto signos musicales que tienen duración (la misma que la de su correspondiente figura), pero carecen de sonido.

Figuras musicales con sus respectivos silencios.

Duración de las figuras musicales

Las figuras musicales tienen una duración determinada. Cada figura musical dura el doble de tiempo que la siguiente y la mitad de tiempo que la anterior. Así pues, la redonda dura 4 tiempos, la blanca 2 tiempos, la negra 1 tiempo, la corchea 1/2 tiempo, la semicorchea 1/4 tiempo, la fusa 1/8 tiempo y la semifusa 1/16 tiempo.

Origen de las figuras musicales

La escritura musical es el producto de un extenso proceso, entre los siglos VIII y IX se originó la primera manera de escritura musical, la cual es la que hoy en día se conoce como notación neumática. Sobre cada sílaba de un texto se colocaban unos signos elementales llamados neumas y estos se utilizaban para acordarse de la melodía que debía cantarse, la cual pertenecía a un repertorio conocido previamente. Alrededor del 1150 los neumas adoptaron un diseño más definido al cual se le llamó notación cuadrada.

Todo esto supuso un enorme progreso en la escritura musical, aunque no quedaba muy preciso el ritmo a adoptar; lo que hizo necesario la inclusión de la dimensión de tiempo. Entonces en el siglo XIII surgió la notación mensural, donde cada nota adquirió una forma según la duración.

Partitura en el año 1505

Al inventarse la imprenta en 1455 le dio un giro radical a la generalización de las partituras, desde aquel momento se hizo posible la duplicación de las partituras originales. A pesar de ello sólo una décima parte de la música escrita anterior al año 1600 se tiene en la actualidad, debido a que la impresión era demasiado costosa y complicada en aquel momento.

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HISTORIA DE LA MUSICA

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ORIGEN DE LA MUSICA

Es difícil precisar con exactitud el origen de la música y enmarcarlo en una época precisa de la historia. Sin embargo, se conoce que desde la Prehistoria los hombres usaron diferentes objetos para emitir sonidos. Sin embargo, como el objetivo de esta actividad era comunicarse entre sí o simplemente replicar los sonidos que escuchaban en la naturaleza, no se puede hablar de música en el sentido más estricto del término.

El origen de la música, entendida como la creación de sonidos complejos, tuvo que esperar un poco más. Muchos investigadores coinciden en que el término “música” deriva del vocablo griego “musa”, las famosas deidades de la mitología griega y romana que tenían la capacidad de inspirar a los hombres dedicados a las artes.

Rebuscando en el tiempo, vemos que en la Antigua Grecia ya se conocía la música. El famoso filósofo Platón solía afirmar que “de la misma forma en que la gimnástica sirve para fortalecer el cuerpo, la música es el vehículo para enriquecer el ánimo”.

Sin embargo, no fue hasta la difusión del catolicismo que la música cobró auge. Con el objetivo de alabar a Dios, se creó la música sagrada, los cantos gregorianos y, más tarde, la notación musical, o sea, el alfabeto musical que brindó la posibilidad de escribir música utilizando los símbolos adecuados que le permitían a los músicos seguir el ritmo y la entonación.

De hecho, el origen de la música escrita (utilizando los primeros símbolos) resale alrededor del siglo VI de la era cristiana. Sin embargo, estos símbolos eran muy limitados y no permitían cubrir adecuadamente todas las extensiones musicales y la complejidad armónica. Por eso, en el periodo comprendido entre 992 y 1050, Guido d’Arezzo se creó el primer sistema de escritura musical definido “diastemático”, que consistía en transcribir símbolos que representaban una escritura. Así, por primera vez en la historia, se pudieron indicar todas las alturas de las notas musicales.

Guido llamó ese sistema ‘tetragrama’ ya que las notas musicales se desarrollaban en una red de cuatros líneas paralelas. Este sistema fue el precursor del moderno pentagrama y de las notas musicales que utilizamos hoy en día.

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Richard Strauss

Richard Georg Strauss (Múnich, 11 de junio de 1864-Garmisch-Partenkirchen, 8 de septiembre de 1949) fue un destacado compositor y director de orquesta alemán cuya larga trayectoria abarca desde el romanticismo tardío hasta la mitad del siglo XX. Es conocido particularmente por sus óperas, poemas sinfónicos y lieder. Strauss, junto con Gustav Mahler, representa el extraordinario florecimiento tardío del romanticismo germánico después de Richard Wagner, en el cual un desarrollo elaborado y complejo de la orquestación se une a un estilo armónico avanzado. La música de Strauss influyó profundamente en el desarrollo de la música del siglo XX.

A pesar de que en toda la música de Strauss encontramos unas características inconfundibles que marcan su estilo propio, la larga trayectoria de Strauss atraviesa distintos periodos.

Las primeras obras de Strauss muestran influencias del estilo de los grandes músicos clásico-románticos, especialmente Robert Schumann, Felix Mendelssohn y Johannes Brahmsmanteniendo en esto la fidelidad a las enseñanzas de su padre.

En 1874, Strauss escuchó por primera vez las óperas de Wagner, Lohengrin y Tannhäuser. La influencia de la música de Wagner en el estilo de Strauss iba a ser profunda, a pesar de las diferencias con su padre, cuyo gusto musical era bastante conservador. De hecho, en la familia Strauss la música de Richard Wagner siempre estuvo mal vista, y hasta los 16 años el joven Strauss no pudo conseguir la partitura de Tristán e Isolda. Posteriormente lamentó profundamente la hostilidad conservadora hacia las obras más renovadoras de Wagner.(Boyden, 1999) No obstante, la influencia de su padre fue también duradera, por lo menos en la predilección de Strauss por el sonido de la trompa. Su sorprendentemente maduro Concierto para trompa n.º 1 opus 11 (1882) compuesto a los 18 años, es una obra representativa de este primer período, y constituye un elemento básico del repertorio actual para este instrumento.

El caballero de la rosa (1911), que constituye uno de los mayores éxitos de Strauss, marca su vuelta a un estilo más clásico, básicamente influido por Mozart aunque manteniendo las características propias de su lenguaje. A partir de este momento son características de su estilo el empleo de formas antiguas, un uso nostálgico y evocador de elementos del pasado musical (danzas del siglo XVIII, y sobre todo, el vals del Siglo XIX, a modo de homenaje a su homónimo Johann Strauss), así como el uso de pequeñas orquestas de instrumentos solistas, aspectos que hacen de él uno de los primeros representantes del neoclasicismo musical del siglo XX, en el que luego destacarán compositores como Stravinsky, Hindemith o Ravel. Un buen ejemplo de este estilo neoclásico es su ópera Ariadna en Naxos (1912). Esta nueva etapa clásica se opone aparentemente al uso de amplias orquestas y grandes medios expresivos característicos de su música anterior, por lo que muchas veces se ha interpretado negativamente este cambio de estilo como una vuelta hacia atrás, a pesar de que Strauss sigue obteniendo grandes éxitos. Sus últimas obras, caracterizadas por una intensa emoción lírica, desmienten la idea de una decadencia o agotamiento en su fuerza creativa.

https://es.wikipedia.org/wiki/Richard_Strauss

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Claude Achille Debussy

Achille-Claude Debussy (Saint-Germain-en-Laye, Francia, 22 de agosto de 1862-París, 25 de marzo de 1918) fue un compositorfrancés y una figura central en la música europea de finales del siglo xix y comienzos del siglo xx y, junto a Maurice Ravel, una de las figuras más prominentes de la música impresionista, aunque al propio compositor no le gustaba este término cuando se aplicaba a sus composiciones.1​ Fue nombrado caballero de la Legión de Honor en 1903.

Destacó por la creación de sonidos innovadores, nunca escuchados, que, mostrando su entero potencial en sus composiciones para piano, logran crear una sensación onírica en su musicalidad característica. Muchas grandes mentes del siglo XIX, como el escritor Marcel Proust, encontraron inspiración en su música.

Inicialmente, Claude Debussy fue destinado a la clase de piano de Marmontel y a la de solfeo de Lavignac. Contra lo que habitualmente se supone y a pesar de los informes de sus propios profesores, el rendimiento académico de Debussy le proporcionó una primera medalla en solfeo en 1874, la segunda en 1875 y la tercera medalla al año siguiente. Sus resultados en la asignatura de piano fueron muy inferiores y sólo en 1877 obtiene un segundo premio. Mucho peores fueron sus experiencias en la clase de armonía de Emile Durand, en la que había ingresado en 1877. Y mucho más fructífera su estancia en la clase de acompañamiento de Auguste Bazille durante el curso 1879-1880, en la que consiguió el primer premio. En octubre compone su primera obra extensa, un Trío para piano en sol mayor. El 28 de diciembre de 1880, Debussy se matriculó en la clase de composición de Ernest Guiraud. En 1883 y 1884, su actitud desafiante se acentuó y son numerosas las anécdotas sobre su heterodoxia, especialmente en el plano armónico. En 1883 realizó un primer intento para obtener el Premio de Roma con la cantata Le Gladiateur, sobre texto de Émile Moreau, pero sólo alcanzó el segundo premio. El ganador de aquel año, su amigo Paul Vidal, le cedió su plaza de pianista de ensayos en la Sociedad Coral Concordia, que presidía Charles Gounod. El 27 de junio de 1884, la cantata L'enfant prodige (El niño prodigio), sobre texto de Edouard Guinand, le proporcionó el primer premio: la pensión con estancia de tres años en la Villa Mèdicis.

En su honor, se ha compuesto al menos un homenaje, que utiliza la fórmula del tombeau —el título tombeau hace referencia a una composición elegíaca cuyos antecedentes se remontan al Barroco; el término francés tombeau se corresponde con el castellano ‘tumba’—: Homage. Pour le tombeau de Debussy, la única obra para guitarra sola de Manuel de Falla, que fue dedicada al guitarrista Miguel Llobet. Más tarde, Falla adaptaría la obra para piano. La obra de Falla «cita» un tema de una de las Estampes de Debussy: La soirée dans Grenade. Esta obra fundamental marca un punto de inflexión en el desarrollo del repertorio para este instrumento de cuerda. En 1965, el cineasta Ken Russell hizo una película para la BBC sobre la vida de Debussy, The Debussy Film, protagonizada por Oliver Reed

https://es.wikipedia.org/wiki/Claude_Debussy

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Igor Fiódorovich Stravinsky

gor Fiódorovich Stravinski (en ruso: Игорь Фёдорович Стравинский; Oranienbaum, 17 de junio de 1882-Nueva York, 6 de abrilde 1971) fue un compositor y director de orquesta ruso, fue uno de los músicos más importantes y trascendentes del siglo XX.

Su larga vida —murió cuando iba a cumplir los 89 años— le permitió conocer gran variedad de corrientes musicales. Resultan justificadas sus protestas contra quienes lo tildaban como un músico del porvenir: «Es algo absurdo. No vivo en el pasado ni en el futuro. Estoy en el presente». En su presente compuso una gran cantidad de obras clásicas abordando varios estilos como el primitivismo, el neoclasicismo y el serialismo, pero es conocido mundialmente sobre todo por tres obras de uno de sus períodos iniciales —el llamado período ruso—: El pájaro de fuego (L'Oiseau de feu, 1910), Petrushka (1911) y La consagración de la primavera (Le sacre du printemps, 1913). Para muchos, estos ballets clásicos, atrevidos e innovadores, prácticamente reinventaron el género. Stravinski también escribió para diversos tipos de conjuntos en un amplio espectro de formas clásicas, desde óperas y sinfonías a pequeñas piezas para piano y obras para grupos de jazz.

Stravinski también alcanzó fama como pianista y director, frecuentemente de sus propias composiciones. Fue también escritor; con la ayuda de Alexis Roland-Manuel, Stravinski compiló un trabajo teórico titulado Poetics of Music (Poética musical), en el cual dijo una famosa frase: «La música es incapaz de expresar nada por sí misma».1​ Robert Craft tuvo varias entrevistas con el compositor, las cuales fueron publicadas como Conversations with Stravinsky.2​

Esencialmente un ruso cosmopolita, Stravinski fue uno de los compositores y artistas más influyentes de la música del siglo XX, tanto en Occidente como en su tierra natal. Fue considerado por la revista Time como una de las personalidades más influyentes del siglo XX.

https://es.wikipedia.org/wiki/%C3%8Dgor_Stravinski

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Alexander Nikolaievitch Scriabin

Compositor y pianista ruso nacido el 6 de enero de 1872 en Moscú y fallecido el 27 de abril de 1915 en la citada localidad.

Vida

Scriabin fue el único hijo de la pareja formada por una pianista y un abogado. Debido al fallecimiento de su madre cuando él contaba un año de edad y a los viajes que realizaba su padre, Alexander fue criado por su tío Lyubov y su abuela. Comenzó a estudiar piano a los 11 años con Georgy Konyus y más tarde con Zverev en el Conservatorio de Moscú. Adquirió también conocimientos de teoría musical con Taneyev y otras disciplinas musicales con Arensky y Safonov. A partir de 1885 empezó a componer música y a escribir poesía y en 1892 finalizó sus estudios en el conservatorio. Muy pronto mostró sus dotes como intérprete y enseguida pasó a formar parte de la gran hornada de pianistas rusos de la época, entre los que figuraban Lhevinne y el también alumno de Zverev, Rachmaninov. En sus recitales como solista Scriabin también interpretaba sus propias obras, así como composiciones de Bach, Mendelssohn, Schumann, Liszt y Chopin. Al practicar obras de Balakirev y Liszt sufrió una lesión en la mano derecha, lo que le llevó a componer sus piezas Op. 9, en las que la mano izquierda tiene un papel primordial.

En la década de los años 90 publicó en Moscú sus primeras obras (Op. 1, 2, 3, 5 y 7) hasta que en 1894 conoció en San Petersburgo al editor Belyayev, quien se haría cargo de publicar sus obras hasta 1903. Además de editor, Belyayev se convirtió en mecenas de Scriabin y le organizó varias giras como pianista; la primera por Alemania, Suiza, Italia y Bélgica en 1895 y la segunda al año siguiente por París, Bruselas, Berlín, Amsterdam y Roma. Mientras tanto, Scriabin continuó escribiendo obras como su Segunda Sonata o muchos de los Preludios. En 1897 compuso su Concierto para Piano Op. 20 y al año siguiente se casó con la pianista Vera Ivanova.

Scriabin fue también profesor del Conservatorio moscovita de 1898 a 1903 y por aquel entonces desarrolló su interés por la música orquestal, lo que le llevó a componer Reverie en 1898 y su Primera Sinfonía al año siguiente. Su interés por la filosofía y el misticismo se despertó hacia 1902 y cristalizó al entrar en contacto en 1905 con el movimiento de la teosofía y con las teorías de Nietzsche sobre el superhombre. Estas doctrinas incidieron profundamente en la obra de Scriabin desde su Op. 30 en adelante.

Repentinamente abandonó a su esposa Vera y a sus cuatro hijos y realizó una serie de viajes por Italia, Suiza y Bélgica junto a su joven admiradora Tatiana Schloezer. Su ya desarrollado egocentrismo creció aún más debido a la devoción que Tatiana sentía por él y Scriabin llegó a limitar su vida a su creatividad y genio, sin interesarse por ningún otro aspecto. Durante su estancia en Lausana compuso su Quinta Sonata para piano y terminó el Poema del Éxtasis para orquesta, que logró estrenar en 1908 en Nueva York. Por aquellas fechas entró en contacto con Serge Koussevitzky, quien decidió convertirse en su agente, como en su día hizo Belyayev. Fue Koussevitzky quien convenció a Scriabin para que regresara a Moscú en 1909 y estrenara en Rusia su Poema del Éxtasis. El gran éxito que obtuvo la obra tanto en Moscú como en San Petersburgo, con Felix Blumenfeld al frente de la orquesta, convirtió a Scriabin en uno de los compositores de vanguardia más importantes de su país.

Poco después decidió regresar a Bruselas, donde se concentró en la composición de Prometeo, obra orquestal en la que probó a incluir un juego de luces de colores que acompañara la interpretación de la partitura. La obra fue estrenada sin la iluminación en 1911 en Moscú, y a partir de ese momento Scriabin volvió a centrarse en la escritura de obras para piano. Entre ellas destacan sus cinco últimas sonatas, que constan de un solo movimiento y en las que ya aparece su deseo de alejarse del sistema tonal.

En la visita a Londres que realizó en 1914 le apareció una herida en el labio superior que se le infectó. Esto dio lugar a la septicemia que le causaría la muerte un año más tarde. Su última aparición en público tuvo lugar en San Petersburgo el 2 de abril de 1915.

Obra

Sus comienzos estuvieron influidos por Chopin y el Romanticismo tardío, y a ese período inicial pertenecen sus obras para piano hasta el Op. 29, las dos primeras Sinfonías y el Concierto para piano. Pero su búsqueda de una expresión estática y contemplativa, que se corresponde con una concepción religiosa y mística del arte, le fue aislando de la música de sus contemporáneos; compuso entonces la cuarta Sonata y la tercera Sinfonía. A partir de 1907 prima en su obra la idea mesiánica de la función redentora de la música y, así, surgen Poema del éxtasis, las seis últimas Sonatas y Prometeo. Esta última obra debía ser interpretada acompañada por un juego de luces y para ello hizo fabricar un órgano que producía colores al accionarlo. Su interés por la asociación entre sonidos y colores fue fruto de conversaciones con Rimsky-Korsakov y Rachmaninov, quienes también experimentaban la sinestesia de color y música que propugnaba Scriabin.

Scriabin creía en la regeneración del mundo a través de un cataclismo. Tras éste surgiría un nuevo Nirvana que combinaría todas las artes y se dirigiría a todos los sentidos, de ahí que planeara una “ópera filosófica” cuyo título iba a ser Mysterium. En ella pretendía unir la música, la poesía, la danza, los juegos de luces e incluso los perfumes y había elegido un templo hindú cerca de Darjeeling para su interpretación, que nunca tuvo lugar. La sección musical iba a incluir coros, voces solistas, orquesta y al propio Scriabin como pianista en el centro. En un principio la obra Prometeo iba a ser incorporada a este ambicioso proyecto, pero finalmente Scriabin desechó la idea y compuso la obra Acte préalable a modo de preámbulo para Mysterium.

Otra de las características de la música de Scriabin es su constante uso de acordes de dominante, que dejan al oyente en un estado de expectación debido a la tensión armónica que provocan, lo que para la poética del compositor simbolizaba el deseo. Otro de sus acordes favoritos era el llamado “acorde místico”, basado también en una armonía de dominante y en acordes de sexta, y que el compositor empleó en numerosas ocasiones a partir de 1908.

Tras la Primera Guerra Mundial, el estilo musical que practicaba Scriabin cayó en el olvido en favor del de compositores como Stravinsky, que coparon el interés del público; pero años más tarde se realizó una completa revisión de su obra que permitió apreciar con objetividad sus méritos y logros. Entre sus seguidores se hallan Prokofiev, Szymanowski, y, especialmente, Messiaen, quien también combinaba de forma exquisita la sensualidad con el misticismo.

http://www.mcnbiografias.com/app-bio/do/show?key=scriabin-alexander-nikolaievitch

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Erik Satie

Erik Satie, cuyo nombre completo es Alfred Eric Leslie Satie (Honfleur, 17 de mayo de 1866 - París, 1 de julio de 1925), fue un compositor y pianista francés.1​ Precursor del minimalismo y el impresionismo, es considerado una figura influyente en la historia de la música.2​

También es considerado precursor importante del teatro del absurdo y la Música repetitiva. Denostado por la academia y admirado por otros compositores de su época, ingresó inesperadamente en el conservatorio a los 40 años. Esto sorprendió a quienes le conocían, ya que hasta ese momento su formación había sido irregular y se dedicaba, entre otras cosas, a la música de cabaret. Adoptó el nombre de Erik Satie desde su primera composición, en 1884. Aunque en su vida posterior se enorgullecía de publicar su trabajo bajo su propio nombre, parece que hubo un corto período al final de la década de 1880 en que publicó su trabajo con el seudónimo Virginie Lebeau y François de Paule.[cita requerida]

Además de la música, Satie fue un pensador con un ''gran sentido de la elocuencia'' que dejó un notable conjunto de escritos, habiendo contribuido en numerosas publicaciones, desde la revista 391 (revista), hasta la revista cultural americana Vanity Fair.

La juventud de Erik Satie transcurrió entre Honfleur, en la baja Normandía y París. Cuando tenía cuatro años, su familia se mudó a París, donde a su padre Alfred se le ofreció un trabajo de traductor. Tras la muerte de su madre, Jane Leslie Anton, en 1872, fue enviado junto con su hermano menor Conrad de regreso a Honfleur, para vivir con sus abuelos paternos. Ahí recibió sus primeras lecciones de música de un organista local. Cuando su abuela murió en 1878, los dos hermanos se reunieron en París con su padre.

En 1879, Satie entró en el conservatorio de París,1​ donde pronto sus maestros le etiquetaron como falto de talento. Tras ser enviado a su casa, dos años y medio más tarde volvió a ser aceptado en el conservatorio, al final de 1885, pero no logró causar mejor impresión a sus maestros, así que finalmente resolvió partir al servicio militar un año después. Esto no duró mucho; en unas pocas semanas salió del ejército mediante un ardid.

En 1887, dejó su casa para alojarse en Montmartre. En ese tiempo comenzó lo que sería una amistad de toda la vida con el poeta romántico Patrice Contamine y a través de su padre publicó sus primeras composiciones. Pronto se integró con la clientela artística del café-cabaret Le Chat Noir,1​ y comenzó a publicar sus Gimnopedias. Siguieron las Ogives, las Gnossiennes, etc. En el mismo período conoció a Claude Debussy. En 1891 se convirtió en el compositor oficial y maestro de capilla de la orden rosacruz liderada por Joséphin Péladan, la Ordre de la Rose-Croix Catholique, du Temple et du Graal. Compuso para ella piezas de inspiración mística, como Salut Drapeau!, Le Fils des étoiles, y Sonneries de la Rose Croix.

Retrato de Erik Satie por Suzanne Valadon (1893).

Satie y Suzanne Valadon, pintora impresionista y madre de Maurice Utrillo, comenzaron un idilio en 1893. Pronto Valadon se mudó a una habitación cercana a la de Satie en la Rue Cortot. Satie se obsesionó con ella, llamándola «mi Biquí», y escribiendo notas apasionadas acerca de «su ser completo, ojos encantadores, gentiles manos y pequeños pies». Valadon pintó el retrato de Satie y se lo dio, pero seis meses después ella se mudó. Durante su relación Satie compuso sus Danses Gothiques, a modo de oración para hacer regresar la paz a su mente. Aparentemente, esta fue la única relación con una mujer que Satie tuvo en toda su vida.

El mismo año conoció al joven Maurice Ravel, en cuyas primeras composiciones ejerció una notable influencia. Una de las composiciones de Satie de ese período, las Vexations, permaneció desconocida hasta su muerte. Al fin del año fundó la «Eglise Métropolitaine d'Art de Jésus Conducteur» (Iglesia Metropolitana de Arte de Cristo el Guía),3​ siendo él su único miembro, con el cargo de «Parcier et Maître de Chapelle» comenzó la composición de una Grande Messe, después conocida como la Messe des Pauvres), y escribió un caudal de cartas, artículos y panfletos mostrando su convicción en temas religiosos y artísticos.

https://es.wikipedia.org/wiki/Erik_Satie

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Wolfgang Amadeus Mozart

Joannes Chrysostomus Wolfgangus Theophilus Mozarta​ (Salzburgo, 27 de enero de 1756-Viena, 5 de diciembre de 1791), más conocido como Wolfgang Amadeus Mozart, fue un compositor y pianista austriaco, maestro del Clasicismo, considerado como uno de los músicos más influyentes y destacados de la historia.

La obra mozartiana abarca todos los géneros musicales de su época e incluye más de seiscientas creaciones, en su mayoría reconocidas como obras maestras de la música sinfónica, concertante, de cámara, para piano, operística y coral, logrando una popularidad y difusión internacional.

En su niñez más temprana en Salzburgo, Mozart mostró una capacidad prodigiosa en el dominio de instrumentos de teclado y del violín. Con tan solo cinco años ya componía obras musicales y sus interpretaciones eran del aprecio de la aristocracia y realezaeuropea. A los diecisiete años fue contratado como músico en la corte de Salzburgo, pero su inquietud le llevó a viajar en busca de una mejor posición, siempre componiendo de forma prolífica. Durante su visita a Viena en 1781, tras ser despedido de su puesto en la corte, decidió instalarse en esta ciudad donde alcanzó la fama que mantuvo el resto de su vida, a pesar de pasar por situaciones financieras difíciles. En sus años finales, compuso muchas de sus sinfonías, conciertos y óperas más conocidas, así como su Réquiem. Las circunstancias de su temprana muerte han sido objeto de numerosas especulaciones y elevadas a la categoría de mito.

En palabras de críticos de música como Nicholas Till, Mozart siempre aprendía vorazmente de otros músicos y desarrolló un esplendor y una madurez de estilo que abarcó desde la luz y la elegancia, a la oscuridad y la pasión —todo bien fundado por una visión de la humanidad «redimida por el arte, perdonada y reconciliada con la naturaleza y lo absoluto»—.1​ Su influencia en toda la música occidental posterior es profunda; Ludwig van Beethoven escribió sus primeras composiciones a la sombra de Mozart, de quien Joseph Haydn escribió que «la posteridad no verá tal talento otra vez en cien años»

https://es.wikipedia.org/wiki/Wolfgang_Amadeus_Mozart

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Beethoven

Ludwig van Beethoven1​ (Bonn, 16 de diciembre de 17702​-Viena, 26 de marzo de 1827) fue un compositor, director de orquesta y pianista alemán. Su legado musical abarca, cronológicamente, desde el Clasicismo hasta los inicios del Romanticismo musical. Es considerado generalmente como uno de los compositores más preclaros e importantes de la historia de la música y su legado ha influido de forma decisiva en la evolución posterior de este arte.

Siendo el último gran representante del clasicismo vienés (después de Christoph Willibald Gluck, Joseph Haydn y Wolfgang Amadeus Mozart), Beethoven consiguió hacer trascender la música del Romanticismo, influyendo en diversidad de obras musicales del siglo XIX. Su arte se expresó en numerosos géneros y aunque las sinfonías fueron la fuente principal de su popularidad internacional, su impacto resultó ser principalmente significativo en sus obras para piano y música de cámara.

Su producción incluye los géneros pianístico (treinta y dos sonatas para piano), de cámara (incluyendo numerosas obras para conjuntos instrumentales de entre ocho y dos miembros), concertante (conciertos para piano, para violín y triple), sacra (dos misas, un oratorio), lieder, música incidental (la ópera Fidelio, un ballet, músicas para obras teatrales), y orquestal, en la que ocupan lugar preponderante Nueve sinfonías.

https://es.wikipedia.org/wiki/Ludwig_van_Beethoven

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instrumentos digitales

MIDI (abreviatura de Musical Instrument Digital Interface) es un estándar tecnológico que describe un protocolo, una interfaz digital y conectores que permiten que varios instrumentos musicales electrónicos, computadoras y otros dispositivos relacionados se conecten y comuniquen entre sí.1​ Una simple conexión MIDI puede transmitir hasta dieciséis canales de información que pueden ser conectados a diferentes dispositivos cada uno.

El sistema MIDI lleva mensajes de eventos que especifican notación musical, tono y velocidad; señales de control para parámetros musicales como lo son la dinámica, el vibrato, paneo, cues y señales de reloj que establecen y sincronizan el tempo entre varios dispositivos. Estos mensajes son enviados mediante un cable MIDI a otros dispositivos que controlan la generación de sonidos u otras características. Estos datos también pueden ser grabados en un hardware o software llamado secuenciador, el cual permite editar la información y reproducirla posteriormente.2​:4

La tecnología MIDI fue estandarizada en 1983 por un grupo de representativos de la industria de la música llamado MIDI Manufacturers Association (MMA). Todos los estándar MIDI son desarrollados y publicados en conjunto por la MMA en Los Angeles, California, en Estados Unidos; y para Japón, el comité MIDI de la Association of Musical Electronics Industry (AMEI) en Tokio.

Las ventajas del uso de MIDI incluyen su tamaño (una canción completa puede ser codificada en unos cientos de líneas, por ejemplo en algunos kilobytes) y la fácil manipulación, modificación y selección de los instrumentos

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placas digitales

Una tarjeta de sonido o placa de sonido es una tarjeta de expansión para computadoras que permite la salida de audio controlada por un programa informático llamado controlador (driver).

El uso típico de las tarjetas de sonido consiste en hacer, mediante un programa que actúa de mezclador, que las aplicaciones multimedia del componente de audio suenen y puedan ser gestionadas. Estas aplicaciones incluyen composición de audio y en conjunción con la tarjeta de videoconferencia también puede hacerse una edición de vídeo, presentaciones multimedia y entretenimiento (videojuegos). Algunos equipos (como computadoras personales) tienen la tarjeta ya integrada a la placa base, mientras que otros requieren tarjetas de expansión. También hay equipos que por su uso (como por ejemplo servidores) no requieren de dicha función.

https://es.wikipedia.org/wiki/Tarjeta_de_sonido

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Teclados digitales

Un teclado electrónico es un instrumento de teclado que generalmente puede reproducir muchos sonidos, similares o no a los que producen otros instrumentos musicales.

En algunos casos, su funcionamiento se basa en mecanismos eléctricos, electrónicos o digitales que crean los sonidos. Aquí se encuentran tanto los sintetizadores como otros instrumentos originalmente creados para imitar pianos (Rhodes, Piacen) mediante muestras (en inglés samples) de sonidos previamente grabados. Estos pueden venir fijos “de fábrica”, o ser capturados y manipulados mediante un sampler.

Una de las primeras versiones de este tipo de teclado fue el Mellotron, el cual reproducía muestras de instrumentos reales grabados en cintas, con una muestra diferente para cada nota.

También hay teclados que combinan las dos facetas de los dos anteriores, incluyendo tanto instrumentos como pueden ser la guitarra, el piano, la trompeta, etc., como sonidos de palmadas, números en inglés o español...

Los teclados electrónicos completos de piano, incluyen 88 teclas, 36 negras y 52 blancas. Si además incluye pedales, se puede considerar un piano electrónico.

Los teclados electrónicos pueden contar con teclas iluminadas, para facilitar el aprendizaje del piano, incluso en combinación con un editor de partituras.1​

Los sintetizadores y sampleadores no necesariamente cuentan con un teclado para ser tocados. En los últimos años se han desarrollado sintetizadores para el protocolo MIDI, los cuales no producen sonidos por sí mismos, sino que envían señales MIDI a un sintetizador, sampler o computadora capaz de interpretarlos y traducirlos en sonidos.

https://es.wikipedia.org/wiki/Teclado_electr%C3%B3nico

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etapa exploratoria . correccion

QUE ES MUSICA

Arte de combinar los sonidos en una secuencia temporal atendiendo a las leyes de la armonía, la melodía y el ritmo, o de producirlos con instrumentos musicales.

EN QUE EPOCA NACIO

Aunque es imposible saber cuándo nace la primera canción o melodía, hace 40 mil años ya existían flautas con varios agujeros, como las encontradas en unas excavaciones en Alemania

A partir de entonces ha acompañado al hombre y evolucionado a través de la historia. Quizás uno de los momentos más importantes se remonte a la Europa medieval, donde de los juglares y trovadores recorrían los pueblos cantando y trasmitiendo la cultura de un lugar a otro.

Pero ni siquiera es algo innato del hombre, ya que algunos animales son capaces de producir sonidos de forma organizada que podría llamarse también música.

Es a partir de la música de la Edad media cuando se empieza a emplear el sistema de notación musical que evoluciona hasta la actual con el canto gregoriano utilizado en la liturgia de la Iglesia Católica Romana. En el Renacimiento se definieron los rasgos que conocemos hoy aunque ha ido variando.Es a partir de la música de la Edad media cuando se empieza a emplear el sistema de notación musical que evoluciona hasta la actual con el canto gregoriano utilizado en la liturgia de la Iglesia Católica Romana. En el Renacimiento se definieron los rasgos que conocemos hoy aunque ha ido variando.

SONIDO

El sonido es la sensación producida en el órgano del oído por medio de los movimientos vibratorios de los cuerpos, transmitido por un medio elástico como el aire. El término sonido es de origen latín sonitus que significa “ruido", "chirrido" o "rugido”

Las características del sonido son: el timbre, la intensidad y la duración, lo que origina que un sonido se pueda diferenciar de un sonido de otro. El timbre es la cualidad que nos permite distinguir distintos sonidos ya que no es lo mismo el sonido de una flauta con el sonido de un piano, así como, la voz de un hombre con la voz de un niño, etcétera; la intensidad es la cantidad de energía acústica que contiene un sonido y, nos permite diferenciar si el sonido es fuerte o débil; la duración es el tiempo durante el cual se mantiene un sonido, por ende, existe sonidos largos, cortos, muy cortos, entre otros.

RITMO

Forma de sucederse y alternar una serie de sonidos que se repiten periódicamente en un determinado intervalo de tiempo, especialmente la manera en que se suceden y alternan en una obra artística los sonidos diferentes en intensidad (fuertes y débiles) o duración (largos y breves).

MELODIA

Sucesión lineal ordenada y coherente de sonidos musicales de diferente altura que forman una unidad estructurada con sentido musical, independiente del acompañamiento.

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INSTRUMENTOS DIGITALES DE VIENTO

El Aerophone AE-10 de Roland es un instrumento digital de viento que puede funcionar como saxo, como clarinete o como flauta, a elegir entre 40 sonidos acústicos y sintetizados. Permite, por ejemplo, tocar esta sofisticada versión de el afiladooooooor.

Parece sacado directamente de Star Wars por su parecido con los instrumentos de viento que toca la banda de Figrin D'an y los Modal Nodes en la Cantina de Mos Eisley.

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MEZCLADORES

Las mesas de mezclas de audio o mezcladora de sonidos es un dispositivo electrónico al cual se conectan diversos elementos emisores de audio, tales como micrófonos, entradas de línea, samplers, sintetizadores, gira discos de vinilos, reproductores de cd, reproductores de cintas, etc. Una vez que las señales sonoras entran en la mesa estas pueden ser procesadas y tratadas de diversos modos para dar como resultado de salida una mezcla de audio, mono, multicanal o estéreo. El procesado habitual de las mesas de mezclas incluye la variación del nivel sonoro de cada entrada, ecualización, efectos de envío, efectos de inserción, panorámica (para los canales mono) y balance (para los canales estéreo). Otras mesas de mezclas permiten la combinación de varios canales en grupos de mezcla (conocidos como grupos) para ser tratados como un conjunto, la grabación a disco duro, la mezcla entre 2 o más canales mediante un crossfader...

Estas mesas se utilizan en diferentes medios, desde estudios de grabación musical, radiofónicos, televisivos o de montaje cinematográfico, como herramienta imprescindible en la producción y emisión de audio. También son la herramienta primordial para los DJ y otros músicos de directo.

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EDITORES DE MUSICA

Un editor de sonido es un creativo responsable de seleccionar e integrar grabaciones de sonido en preparación para la mezcla o grabación original del sonido final de un programa de televisión, película, videojuego, o cualquier producción que involucre sonido grabado o sintético. La edición de sonido se desarrolló debido a la necesidad de reparar las grabaciones de sonido incompletas, no dramáticas, o técnicamente inferior de las primeras películas sonoras, y que con el pasar de los años se han convertido en obras de la industria cinematográfica, en donde los editores de sonido han implementado metas estéticas en el diseño del sonido cinematográfico.

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CONSULTA

¿Qué Es La Mezcla De Audio?

Escribe el nombre de 10 Programa Para Mezclar sonidos o música

¿Qué Es La Ecualización?

¿Qué Son Las Dinámicas?

¿Qué Es La Compresión?

¿Qué Es El Reverb?

Pega Una imagen De Un Mezclador De Sonido Con Sus Respectivas Partes

Explique Y Pega Imágenes De Cada Parte Del Mezclador De Música

Daniela Marcela Gutierrez Molina

Maria Victoria Daza Gomez

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MEZCLA DE AUDIO

La mezcla de audio es un proceso utilizado en la grabación y edición de sonido para balancear y equilibrar el volumen relativo y la ecualización de las fuentes de sonido que se encuentran presentes en un evento sonoro. Comúnmente estas fuentes de sonido son distintos instrumentos musicales en una banda o las secciones de una orquesta. De igual forma se manejan parámetros de volumen y ubicación para lograr darle una especialidad al evento sonoro, simulando así lugares y atmósferas mediante la manipulación de efectos y otros parámetros, para poner al público en contacto pleno con el intérprete de la obra musical. También se utiliza para remover frecuencias innecesarias así como ruidos indeseados para dar un espacio a cada elemento dentro de la mezcla. Este método también es usado por disc jockeys productores.

La mezcla de audio es muy relativa, ya que el mismo conjunto de sonidos puede ser mezclado por distintos sonidistas, lo cual genera mezclas bastante distintas unas de otras. Sin embargo las herramientas utilizadas en las mezclas de audio son siempre las mismas, pero cada sonidista las utiliza de manera distinta.1​

Otra acepción de mezcla es la llevada a cabo por los Disc-jockeys de club en las cabinas de lugares como bares, clubs o discotecas, que seleccionan y mezclan música grabada propia o de otros compositores y artistas para ser escuchada y/o bailada por una audiencia, para lo que necesitan llevar a cabo mezclas suaves y sin que se noten entre discos.

https://es.wikipedia.org/wiki/Mezcla_(audio)

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ECUALIZADOR

Un ecualizador es un dispositivo que modifica el volumen del contenido en frecuencias de la señal que procesa. Para ello modifica las amplitudes de sus coeficientes de Fourier, lo que se traduce en diferentes volúmenes para cada frecuencia. Con esto se puede variar de forma independiente la intensidad de los tonos básicos.

Ciertos modelos de ecualizadores gráficos actúan sobre la fase de las señales que procesan, en lugar de actuar sobre la amplitud

De un modo doméstico generalmente se usa para reforzar ciertas bandas de frecuencias, ya sea para compensar la respuesta del equipo de audio (amplificador + altavoces) o para ajustar el resultado a gustos personales.

Los hay analógicos y digitales, activos o pasivos, paramétricos, gráficos y paragráficos. Los ecualizadores profesionales suelen tener, al menos, 10 bandas. Las normas ISO establecen que las bandas de frecuencia han de ser, al menos, 31, 63, 125, 250, 500, 1000, 2000, 4000, 8000 y 16 000 Hercios.

Estas bandas de frecuencias básicas son controladas por un fader (u otro potenciómetro o control alternativo) que puede atenuar o introducir ganancia hasta en 12 dB, o aún más. Para evitar distorsión por saturación ("clipping"), cada fader cuenta con un diodo LED, que se enciende justo antes de que se recorte la señal.

https://es.wikipedia.org/wiki/Ecualizador

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PROGRAMAS PARA MEZCLAR

Dj ProMixer

http://dj-promixer.malavida.com/

Dj ProMixer ofrece una gran compatibilidad con controladores hardware externos. Es compatible con MIDI, y sus diferentes configuraciones de rendimiento lo hacen ideal para correr en ordenadores poco potentes, incluidos los netbooks. Mezclador interno, controles de velocidad, asignación de puntos CUE... Una de las opciones más completas del mercado.

DJ ProDecks

http://dj-prodecks.malavida.com/

Creado por profesionales, DJ ProDecks ofrece todo lo que el DJ necesita para su actuación. Su mezclador profesional cuenta con ecualizador y función “AutoMix”, varios efectos y dos controles de tipo “jog-wheel” para que demuestres tu habilidad en la modalidad “Scratch”. Es compatible con varios formatos de archivo y drivers ASIO.

Virtual DJ

http://virtual-dj.malavida.com/

Virtual DJ es capaz de mezclar música, pero también vídeo, abriendo un mundo de posibilidades a los VJs. Puede reproducir hasta 99 canciones, cuenta con sistemas de detección de BPM y mezcla automática, un mezclador interno y un reproductor de muestras o sampler que hará las delicias de tu público.

Traktor

http://traktor.malavida.com/

Traktor es la elección de los mejores DJs del mundo a la hora de mezclar música. Utiliza hasta 4 reproductores independientes, que podrás controlar mediante hardware externo a través de su sistema avanzado de código de tiempo. Aprovecha su mezclador interno, su gran librería de efectos o los nuevos “Sample Decks” para disparar muestras de audio.

BPM Studio

http://bpm-studio.malavida.com/

La particularidad de BPM Studio reside en su interfaz, donde se emulan los populares reproductores de CDs DENON CD-1000, una de las elecciones comunes en las cabinas de todo el mundo. Es compatible con controladores externos y te permite retransmitir las sesiones por Internet mediante streaming.

Ableton Live

http://ableton-live.malavida.com/

Pese a no ser un software para DJs en exclusiva, Ableton Live ofrece todo lo que se precisa en una sesión y otras muchas posibilidades que potencian al máximo tu creatividad sonora. Este secuenciador está especializado en las actuaciones en directo, permitiendo no sólo mezclar sino también componer tu música en vivo.

DJ MixStation

http://dj-mixstation.malavida.com/

DJ MixStation es compatible con archivos MP3, WMA y WAV. Cuenta con su propio mezclador con ecualización avanzada, y destaca sobremanera su función de mezcla automática, capaz de reconocer el tipo de música que está sonando para crear una mezcla adecuada al estilo.

DJ Mixer

http://dj-mixer.malavida.com/

DJ Mixer es idóneo para personas que dan sus primeros pasos en el mundo de la mezcla de música. Tiene todas las opciones básicas, como la creación de loops, asignación de puntos CUE o el sistema de mezcla automática. Ofrece soporte para drivers ASIO de baja latencia, así que si tus dispositivos son compatibles disfrutarás de un rendimiento excepcional.

AtomixMP3

http://atomixmp3.malavida.com/

AtomixMP3 es el antecesor de VirtualDJ, y pese a quedarse obsoleto con el paso de los años y la falta de actualizaciones, sigue siendo una herramienta de culto entre los aficionados a las mezclas, principalmente por su gran facilidad de uso y su versatilidad a la hora de grabar una sesión.

DJS

http://djs.malavida.com/

La gran baza de DJS está en sus desarrolladores, la conocida y venerada marca Pioneer. Incluye dos reproductores independientes, un mezclador interno con todo lo que necesitas y una interfaz llamativa incluso en las cabinas más oscuras. Una elección de peso si tenemos en cuenta quién la firma y recomienda.

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DINÁMICA

La dinámica en música hace referencia a las graduaciones de la intensidad del sonido. Dentro de la terminología musical se denomina matiz dinámico o de intensidad a cada uno de los distintos grados o niveles de intensidad en que se pueden interpretar uno o varios sonidos, determinados pasajes o piezas musicales completas.1​2​3​4​

La intensidad musical es la cualidad que diferencia un sonido suave de un sonido fuerte. Depende de la fuerza con la que el cuerpo sonoro sea ejecutado y de la distancia del receptor de la fuente sonora. Acústicamente la intensidad depende de la amplitud de las vibraciones5​ y particularmente está conectada a una magnitud definida como intensidad acústica, que se mide en W/m2 o más comúnmente en decibelios (dB) cuando se mide logarítmicamente (Nivel de presión sonora).6​ En psicoacústica la diferencia que mide la percepción de la intensidad musical se define como sonoridad.

https://es.wikipedia.org/wiki/Din%C3%A1mica_(m%C3%BAsica)

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COMPRENSION

La compresión de audio es una forma de compresión de datos, específicamente en la reducción del tamaño de los archivos de audio. Los algoritmos de compresión de audio normalmente son llamados códecs de audio. Existen dos tipos de compresión, basados en algoritmo de compresión sin pérdida o algoritmo de compresión con pérdida.

El sonido son oscilaciones que se transmiten por un medio material, medio que normalmente es el aire. Cuando hablamos de audio estamos hablando de una adaptación del sonido a otro medio, el paso a un soporte. Existen diferentes soportes de audio como pueden ser el vinilo, las cintas magnéticas o un formato digital como WAV, MP3 u OGG.

La compresión de audio es un proceso por el cual se reduce la tasa de bits de una señal digital de audio buscando como fin la reducción de su peso en disco. El audio más cercano o fidedigno con respecto al sonido real es el normalmente el WAV de 32 bits y 192 Khz. A medida que se comprime el audio se reducen estos valores, con lo cual se pierde fidelidad con respecto al sonido físico.

Para comprender rudimentariamente el proceso de compresión de audio, hay que imaginar que el sonido está compuesto por ondas de forma curva, como cualquier curva las del sonido también tienen infinitos puntos en su recorrido. Cuando se pasa de un sonido a audio digital lo que se hace es ubicar esa onda en una suerte de ejes coordenados, si se quisiese representar la onda tal como es esto sería imposible porque las curvas tienen infinitos puntos y por ende las coordenadas del eje serían infinitas. Cuando se crea un audio las ondas son representadas en los ejes con un número limitado de puntos pero intentando un grado de exactitud tal que el sonido reproducido sea lo más fiel posible al sonido grabado. La compresión de audio consiste de una forma esquemática en una reducción de la cuadrícula de los ejes coordenados, lo que se traduce en una menor cantidad de puntos y por ende una más baja fidelidad de sonido, pero a la vez ese menor número de puntos significa una menor cantidad de datos y por ende el archivo de audio resultante tiene un peso menor.

https://es.wikipedia.org/wiki/Compresi%C3%B3n_de_audiohttps://es.wikipedia.org/wiki/Compresi%C3%B3n_de_audio

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REVERB

La reverberación es un fenómeno sonoro producido por la reflexión, que consiste en una ligera permanencia del sonido una vez que la fuente original ha dejado de emitirlo.

Cuando recibimos un sonido nos llega desde su emisor a través de dos vías: el sonido directo y el sonido que se ha reflejado en algún obstáculo, como las paredes del recinto. Cuando el sonido reflejado es inteligible por el ser humano como un segundo sonido se denomina eco, pero cuando debido a la forma de la reflexión o al fenómeno de persistencia acústica es percibido como una adición que modifica el sonido original se denomina reverberación.

La reverberación, al modificar los sonidos originales, es un parámetro que cuantifica notablemente la acústica de un recinto. Para valorar su intervención en la acústica de una sala se utiliza el «tiempo de reverberación». El efecto de la reverberación es más notable en salas grandes y poco absorbentes y menos notable en salas pequeñas y muy absorbentes.

https://es.wikipedia.org/wiki/Reverberaci%C3%B3n

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MEZCLADOR DE SONIDO

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PARTES DEL MEZCLADOR

1. ENTRADAS

Las consolas tienen diferentes entradas a través de conectores. Suelen estar en la parte superior o en un panel posterior.

Los números en rojo sobre el dibujo tienen correlación con los números en negrita y entre paréntesis.

· Entradas para micrófono

Son conectores XLR-Canon (1) o Jack-Plug (2), en ambos casos hembras. Siempre es recomendable conectar los micrófonos por las entradas XLR. Las entradas de micrófono se identifican con la palabra MIC. Estas entradas tienen un preamplificador que aumenta la débil señal que sale de un micrófono. Si conectamos el micrófono por otra entrada, como la de línea, llegará un sonido muy bajo a la consola.

La mayoría de las consolas traen un interruptor para activar la alimentación Phantom*(3)*. Esta alimentación fantasma, por lo general de +48 voltios, es necesaria para el funcionamiento de los micrófonos de condensador.

· Entradas de línea

Se identifican como LINE (4). En ellas, conectamos todos los equipos exteriores como caseteras, lectoras de disco compacto, la computadora, instrumentos musicales… Los conectores son Jack-Plug o RCA.

· Entradas PHONO

Sirven para los tocadiscos o tornamesas que, al igual que los micrófonos, entregan una señal muy baja. En esa entrada también hay un preamplificador.

Si hacemos lo contrario, por ejemplo, conectar un lector de CD a una entrada de PHONO, como esa entrada está preamplificada, el sonido llegará saturado a la consola, es decir, tendremos exceso de nivel de audio.

· Entradas digitales

Las nuevas consolas, aunque sean analógicas, traen conexiones digitales para comunicarse con tarjetas de audio, con la ventaja de tener menos pérdida de calidad que con las conexiones análogas. Las más comunes son FireWire, S-PDIFy USB.

2. SALIDAS

· Master o Main(5)

Es la salida principal de una consola. En las de radio es la que llevamos al transmisor y se conoce como salida de programa o PGM. En las consolas de producción es la señal que grabamos y, en las de DJ´s o conciertos, es la salida que amplificamos para que todos la escuchen. Son salidas estéreo con dos canales, izquierdo-*L*eft y derecho-*R*ight, con conectores Jack o XLR.

· Alterna o Subgrupos (6)

En las consolas de radio es la conocida como PGM2 o audición, una segunda señal que puede usarse para monitores, grabación…

En las consolas grandes hay varias salidas alternas llamadas subgrupos o buses. Son muy útiles para grabar o para el monitoreo. Supongamos que estamos grabando un disco por pistas. La salida master no tendrá mucha utilidad ya que no queremos, de momento, una señal sumada.

El canal de entrada de la guitarra lo asignamos al subgrupo 1. La conexión de la salida subgrupo 1 la llevaremos, a través de una tarjeta de audio multicanal, a uno de los canales virtuales de la computadora, y así sucesivamente con todos los instrumentos. De esta forma, cada uno tiene su camino directo e independiente. Este camino comienza y termina con conectores Plug o XLR.

· REC, Tape o grabación (7)

Muchas consolas de producción carecen de las salidas de subgrupo, pero en vez de ello tienen un envío para grabar la mezcla que sale de la consola en un casete o en una computadora. En algunas consolas esta salida se indica como Tape Out. En la mayoría son conectores RCA.

· Control Room (8)

Esta salida es la que se usa para el monitoreo. Veamos un caso concreto de un pequeño estudio de producción.

La salida master la llevamos a la entrada de grabación de la computadora. Pero necesitamos escuchar sonido mientras editamos. Para eso usamos la salida de Control Room. Con el master controlamos el volumen de la señal que grabamos, pero el sonido que escuchamos es independiente y lo manejamos con botones diferentes. La salida de Control Room se lleva a un amplificador de sonido y la salida de éste a unas cornetas o monitores de estudio. A veces, escuchamos alto el sonido de la sala y bajamos el master. Esto es un error. El master hay que dejarlo en 0 db y el que tenemos que bajar o subir es el Control Room.

Esta salida de monitoreo también la tienen muchas consolas de radio. Se usa para escuchar en el estudio o en la sala de locución lo que sale al aire. Por ejemplo, estamos en un programa en vivo y está sonando un corte de una entrevista. Los invitados necesitan escucharla y, si no tienen audífonos para todo el mundo, se colocan unos altavoces que sirven de retorno.

La mayoría de consolas de radio profesionales tienen un sistema de muteo de las salidas de monitoreo. Es decir, que al acabar la música y abrir el canal del micrófono para que hablen los locutores, el monitoreo se corta y ya no se escucha nada por los altavoces. Esto evita acoples, ese efecto inaguantable que se produce cuando hablas por un micrófono delante de un altavoz.

· Phones (9)

Para conectar unos audífonos o auriculares y monitorear el audio con ellos.

3. CONTROLES DE SALIDA

Acabamos de ver los diferentes tipos de salida, pero hay una parte de la consola que las controla a todas. Suele estar a la derecha del equipo. En ese lugar tenemos los faders (10) de la salida principal (master o Main Mix) y los de salida de los subgrupos. Su número dependerá del modelo de la consola. También hay controles para la salida de audífonos, Control Room (11)...

Una parte vital que también se encuentra en esta zona son los vumeter (12). Estos indicadores nos permiten conocer el nivel de señal que saldrá de la consola. Si estamos saturando mucho habrá un exceso de señal, los foquitos del vumeter se pondrán en rojo y bajaremos el nivel. Si, por el contrario, nos quedamos cortos y las lucecitas no se prenden, debemos aumentar los niveles de entrada.

4. MÓDULO DE EFECTOS INTEGRADOS

Algunas consolas, sobre todo pensadas para producción, traen diferentes efectos integrados como reverberaciones y delays.

5. AUXILIARES

A nivel profesional, para conciertos en vivo, por ejemplo, se prefiere usar módulos externos de efectos, aparatos que reciben una señal desde la consola, la procesan y la devuelven. Para estos módulos externos se usan principalmente las entradas auxiliares. Por el SEND mandamos la voz a la entrada del módulo externo de efectos. El equipo le añade una reverberación y regresa la voz procesada a la consola por la entrada de RETURN. La mayoría de estas conexiones se hace con Plugs.

6. CANALES DE ENTRADA

Los canales de entrada de la consola son todos iguales. Como ya dijimos, visto uno, vistos todos.

· Faders (1)

Es el primer elemento que encontramos en todas las consolas. Son alargados, aunque también los hay redondos. Se llaman potenciómetros, pero por su función reciben el nombre de fade que, en inglés significa atenuar, desvanecer. Y eso es lo que hacemos con este botón, aumentamos o desaparecemos el sonido.

Marcada en la consola, tras el fade, hay una escala en decibelios. Lo óptimo es que lo coloquemos en 0 db. Eso significa que están llegando todas las unidades de sonido que salen del micrófono o del equipo conectado a este canal. Si es un instrumento o un lector de CD, probablemente debamos colocarlo por debajo de los 0 db ya que las salidas de estos equipos son bastante altas.

· SOLO / PFL (2)

Realizamos una preescucha (Pre Fader Listen) o monitoreo previo de la señal (CUE). Sirve para probar que un micro está abierto sin necesidad de levantar el fader. Esta escucha se puede hacer por audífonos o por la señal de Control Room. Si en tres canales pulsamos este botón, sólo la señal de ellos se grabará o saldrá al aire (función SOLO).

Cuando no está activo, en muchas consolas, su indicador luminoso servirá para avisar la saturación o sobrecarga (overload). Si se prende, la señal que está entrando por ese canal es muy fuerte y deberemos bajar la ganancia o el fader.

· Mute / Alt (3)

Con este botón o switch hacemos dos cosas. En Mute, el canal queda mudo, silenciado. En ALT enviamos este canal, junto a los demás canales que lo tengan pulsado, a la salida de ALT 3-4 (subgrupo) para grabar, por ejemplo, sólo esas pistas en una computadora, mientras la salida general la sacamos al aire.

· Panorámico (PAN) (4)

Sirve para elegir a qué canal mandamos la señal, al izquierdo, al derecho o a ambos. Para los micrófonos lo dejaremos en el centro. Pero si conectamos la computadora por dos canales separados, llevaremos un canal a la izquierda y el otro a la derecha para mantener la señal estéreo. Esto se conoce como panear.

· Auxiliares (5)

Con ellos seleccionamos el volumen que enviaremos por la salida de auxiliares. Si queremos sacar la voz de la locutora a un equipo externo de efectos, aumentaremos el volumen auxiliar (Aux) de ese canal, pero no el de los instrumentos, ya que a éstos no queremos aplicarles ningún efecto.

Hay dos auxiliares, uno PRE y otro POST. En otras consolas es un solo botón auxiliar con un switch para elegir entre esas dos opciones. En PRE envías la señal pura que llega por el micrófono, sin que le afecte la ecualización ni el volumen del fader. En cambio, con el POST, enviamos al auxiliar el sonido ya ecualizado y nivelado.

USO DE LOS AUXILIARES EN LA RADIO

Imaginemos que no contamos con una consola de radio para nuestra emisora y colocamos una consola de producción como la que estamos explicando. Para comunicarnos con los locutores que están en cabina desde la sala de control, podemos llevar la señal de salida auxiliar de la consola al amplificador de audífonos que tenemos en el locutorio.

Cuando sonamos la canción y queremos hablar con los locutores, sólo tenemos que subir el volumen de Auxiliar PRE y conversar. Si subiéramos el fader principal lo que hablamos se escucharía al aire.

· Ecualizacion Ecualizadores (6)

Todas las consolas los tienen y nos ayudan a ecualizar los sonidos, es decir, jugar con sus frecuencias agudas o altas (Hi), con las medias (Mid) y con las graves o bajas (Lo). Junto a los botones siempre se indica sobre qué frecuencia estamos actuando. En la consola de nuestro ejemplo los agudos son 12 Khz y los graves 80Hz.

Las frecuencias medias tienen un tipo de ecualizador más preciso llamado paramétrico. Hay dos botones para esa frecuencia. Con uno (6a) elegimos la frecuencia que queremos modificar (entre 100 Hz y 8 Kkz) y con el otro (6b) le damos más o menos ganancia (de -15 db a + 15 db). Son más difíciles de manejar, pero más exactos.

· Ganancia (gain o en otras consolas trim) (7)

Supongamos que estamos hablando por el micrófono. Regulamos el nivel general de entrada de la consola o fader en 0 db, pero aún así no hay cantidad suficiente de sonido. Para eso aumentamos la ganancia. Nunca hagas lo contrario, tener el fader muy por debajo de 0 db y para que se escuche subir la ganancia.Esta subida de la señal se hace con componentes electrónicos. Al aumentar la ganancia, también aumentarás el ruido.

· Filtros de entrada o corte (8)

Es muy difícil que el oído humano escuche por debajo de los 80 Hz, aunque el mínimo teórico es de 20 Hz. Esas frecuencias tan graves, las que van desde los 20 a los 80 Hz, aportan poco a la grabación de un audio, sólo lo opacan.

Por eso, muchas consolas tienen un filtro que, al pulsarlo, corta todas las frecuencias inferiores a la frecuencia de corte, que suele estar entre 60 u 80 Hz, dependiendo de los modelos.

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