Artes Tecnológicas

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ARTE TECNOLÓGICA

Definición

características

clases de arte digital

herramientas y aplicaciones para trabajar arte tecnológico

influencia de la tecnología en el área de las artes plásticas

historia del arte (medieval,carolingio y gótico)

SOLUCIÓN

ARTE TECNOLÓGICA:

El arte digital engloba una serie de disciplinas creativas en las que se utilizan tecnologías digitales en el proceso de producción o en su exhibición. Las computadoras forman parte de la industria visual desde las últimas décadas del siglo XX; el aumento de su capacidad para generar, reproducir y difundir imágenes ha llevado a una extensión de su uso en el cine, la televisión y la publicidad, y posteriormente en la industria de los videojuegos, que no deja de mejorar la calidad visual de sus productos; diseñadores gráficos y arquitectos utilizan cada vez más las computadoras en su trabajo y los soportes digitales como el CD-Rom, el DVD y la misma Internet difunden las colecciones de museos y la obra de artistas de todos los estilos y épocas. La informática y los nuevos medios de producción, tratamiento y distribución digitales constituyen un campo fértil para el desarrollo de la expresión artística.1

https://es.wikipedia.org/wiki/Arte_digital

2. Características

Para caracterizar este concepto mas conocido y utilizado en la actualidad, puedo comenzar diciendo que se caracteriza por componer obras que utilizan elementos digitales, como la palabra lo dice. Comprende el proceso de producción y el de exhibición.

Es un arte humano destacado por su expresion de sensaciones, ideas.Conforma una vision grafica expresada por medio informativo a base de herramientas. El arte digital permite crear mundos alternativos como forma de expresión, estos no son físicos, pero poseen una realidad original, ya que se utilizan diferentes técnicas como la programación de la física del entorno, el modelado tridimensional y el comportamiento de sus objetos.

Las obras de arte visual nacen a mediados del año 1980, y esta combinado con el arte interactivo, aunque no dependa uno de otro. La unión de estas dos artes permite una interfase de comunicación con la obra, permitiendo interactuar por medio del movimiento del cuerpo un video captado por sensores, para así poderlos aplicara la pantalla. El arte digital crea la obra mediante unos parámetros variables que son establecidos por el artista.

http://alejandrotrapaga-imd.blogspot.com.co/2008/09/caracteristicas-del-arte-digital.html

3. Tipos de arte digital

Existen varias clases de arte digital entre ellas está la fotografía e imagen digital, la escultura digital, la interactividad, el Net art y por último el arte generativo.

Modelado 3D: es un arte tridimensional, que crean trabajos de arte gráfico con ayuda de ordenadores y programas especiales 3D.

Airbrushing: se le denomina al arte Aerógrafo digital, este arte se emplea para colorear copias, retocar positivos y negativos, ocultar las uniones de los collages, añadir elementos y eliminar defectos o fondos innecesarios.

Pixel art : es el arte creado a través de un ordenador mediante el uso de programas de edición de gráficos en raster, donde las imágenes son editadas a niveles de pixeles.

Arte tipográfico: Es el arte o técnica de reproducir la comunicación mediante la palabra impresa, transmitir con cierta habilidad, elegancia y eficacia, las palabras.

Arte Vectorial: es este arte se crea una imagen creada en un plano a partir de un punto y líneas, en el medio del diseño, el grafico vectorial da la facilidad de manipular formas y figuras de diferentes tamaños sin dañar la calidad de la imagen.

Arte Generativo: el arte generativo es una variante de este tipo de arte en la cual da las posibilidades de crear una obra íntegramente a partir de unos programas informáticos que poseen parámetros variables que ha elegido el artista. Este método es utilizado por ejemplo en la literatura cut-up, en el arte fractal y el la música electrónica.

Net Art: El net.art hace alusión a todas las obras realizadas para internet y que poseen como tema la red. Su potencia está basado en representar contenidos a partir de unas complejas estructuras que unen sonidos, imágenes y textos, también está basado en la capacidad de comunicación que se tenga con el usuario.

Interactividad: En esta modalidad podemos distinguir dos tipos de obras digitales, una de ella son creadas para reproducirse en soportes de material convencional y otra de ellas es para difundirla por toda la red. Es por ello por lo que podemos diferenciarlas entre obra de estructura cerrada y obra de estructura interactiva. Este clase de arte es una fuente de acción potencial ya que tiene unas amplias posibilidades.

Escultura digital: Estos tipos de escultores utilizan un espacio virtual para poder representar sus obras. Usan un software en 3D, innovando cada día las nociones tradicionales de la escultura a través de contextos de exposición y distribución nuevos.

Fotografía e imagen digital: Las imágenes digitales suelen ser creadas directamente en el ordenador, como por ejemplo el arte algorítmico y el arte fractal, o también se pueden coger de otro tipo de fuente, como por ejemplo una imagen dibujada, una fotografía escaneada, solo es necesario un software de gráficos vectoriales y un ratón o tabla gráfica.

https://tiposdearte.com/que-es-el-arte-digital

4. HERRAMIENTAS :

Las nuevas prácticas artísticas no surgen aisladas de su contexto. Por el contrario, emergen de una nueva cultura que involucra métodos, procedimientos y recursos tecnológicos para lograr la comunicación estética. Estas herramientas ofrecen oportunidades para inusuales formas de expresión artística, además de encaminar hacia nuevos hábitos de creación y consumo cultural.Por su parte, la popularización de dispositivos inteligentes de última generación, tanto móviles como de escritorio, han puesto a la mano de aficionados y profesionales una diversidad de recursos para la comunicación y la creación de contenido. Existen servicios de pago y gratuitos asociados a esos dispositivos que permiten la captura, la creación, la edición, la conversión de formato y la publicación de imágenes, de audio y de vídeo, entre muchas otras opciones de manejo de contenido digital. Estas aplicaciones y servicios de tan diversa índole permiten y propician la creación y edición de contenido digital en cantidades inimaginables, así como su publicación inmediata en redes sociales.

El universo de recursos o medios digitales de los cuales dispone el o la artista comprende dispositivos, aplicaciones, plataformas y servicios asociados, tales como:

Dispositivos: son aparatos o mecanismos que cumplen funciones específicas, por ejemplo un teléfono inteligente, una cámara web, una tableta gráfica, un escáner, una rotuladora digital o una impresora 3D, entre otros.

Aplicaciones: son programas para realizar tareas específicas, por ejemplo la edición de imágenes, de audio o de vídeo, la creación de objetos 2D y 3D, la compresión y descompresión de archivos, entre otras.

Plataformas: son escenarios digitales o sistemas de funcionamiento que integran equipo informático, programas y sistema operativo.

Servicios: los hay para alojar contenido, enviar mensajes y archivos, colaborar en red, disponer de librerías de imágenes y fuentes tipográficas, entre otros.

Ante la cantidad y diversidad de recursos que ofrece la tecnología, es necesario considerar que lo fundamental en el arte digital no son los aspectos informáticos ni el formato en el que se trabaje, sino el concepto que haya detrás de cada obra. El intelecto, el talento y la sensibilidad humana es lo que da personalidad y discurso a cada creación artística.

• • • La Experiencia Cromática Aleatoria Interactiva

El artista plástico venezolano Carlos Cruz-Diez, conocido por su trabajo e investigación sobre la percepción del color en el arte, ofrece una aplicación para iPhone y iPad llamada Experiencia Cromática Aleatoria Interactiva. Con ésta es posible experimentar distintos comportamientos del color bajo la visión del reconocido maestro. La versión de prueba permite manipular figuras y líneas por un lapso de 5 minutos. La versión completa permite mucho más acciones y hasta compartir digitalmente.

Puedes verlo en iTunes

• • • Audfit, la danza como instrumento musical

La propuesta del Audfit consiste en un traje para danza que lee el movimiento y la posición del o la artista y lo convierte en sonido en tiempo real, es decir, al mismo tiempo que la persona realiza su performance el traje emite sonidos correspondientes. El público escucha la música creada a través de unos audífonos que le permiten seleccionar tres modos de escucharla. Este proyecto, diseñado por Krystian Klimowski, se basa en la lectura de nueve puntos estratégicos del cuerpo humano que lo convierten en un instrumento musical a través de la danza.

http://toyoutome.es/blog/dentro-del-taller-del-artista/31242

5. influencia de la tecnología en el área de las artes plásticas

Las nuevas tecnologías han permeado al arte no sólo para mejorar e innovar en sus técnicas sino también para incidir en otras disciplinas como la educación, la ciencia o los medios de comunicación, afirmó la jefa del Departamento de Teorías e Historia de la UdeG, Verónica Díaz Núñez.

“Las tecnologías y el arte subsisten de manera paralela pero eso no signifca que un artista sea mejor o peor, simplemente da la oportunidad de incorporar otras visiones disciplinarias, y tocar otros ambientes de la vida, que quizás antes no tocaba”, afirmó la universitaria.

La académica puso como ejemplos los trabajos que se han hecho para fotografiar el universo, que han ganado premios internacionales, las obras de arte que incorporan medios electrónicos sonoros y audiovisuales o la incorporación de las redes sociales para difundir y promover a los artistas y su trabajo.

Este será el tema central del cuarto Coloquio Internacional de Teorías e Historia que tendrá lugar el 21 y 22 de septiembre en la Galería Jorge Martínez con la participación de artistas locales y académicos de las universidades Autónoma de Barcelona y Autónoma de Madrid.

Bajo el lema “el proceso creativo y la transdiciplina en la artes visuales”, el coloquio tendrá conferencias y videoconferencias sobre la multidimensionalidad de los procesos de producción, distribución y consumo del arte, así como los elementos interdisciplinarios que inciden en el el proceso creativo.

Habrá además un panel de estudiantes de la Maestría en Expresión y Educación para las Artes, de este centro universitario, quienes discutirán sobre el origen de las ideas en el arte, las experiencias en la creación artística y su relación con la formación académica.

http://www.udg.mx/es/noticia/la-tecnologia-facilita-la-influencia-del-arte-en-otras-disciplinas

6. Arte medieval

El arte medieval es una etapa de la historia del arte que cubre un prolongado período para una enorme extensión espacial.1 La Edad Media -del siglo V al siglo XV- supone más de mil años de arte en Europa, el Oriente Medio y África del Norte. Incluye distintos períodos, cuya valoración estética, sujeta a cambiantes criterios, ha venido emitiendo distintas denominaciones calificativas, que llegan a etiquetar a algunos como "edades oscuras" y a otros como "renacimientos"; incluye a su vez muy diferentes movimientos artísticos con distinta difusión geográfica, desde los llamados "estilos internacionales" hasta∈ los artes nacionales, regionales y locales; en definitiva, una enorme diversidad en las obras de arte (pertenecientes a los más diversos géneros) y en los propios artistas (que en la Alta Edad Media permanecían en el anonimato de una condición artesanal de poco prestigio social, como los demás oficios establecidos en régimen gremial, mientras que en los últimos siglos de la Baja Edad Media, sobre todo en el siglo XV, alcanzarán la consideración de cultivadores de las bellas artes, aumentando en consideración social y preparación intelectual).

En la Antigüedad tardía se integró la herencia artística clásica del Imperio romano con las aportaciones del cristianismo primitivo y de la vigorosa cultura "bárbara" de los pueblos protagonistas de la época de las invasiones (procedentes de la Europa del Norte -pueblos germánicos-, de la Europa oriental -pueblos eslavos, magiares- o de Oriente -árabes, turcos, mongoles-), produciéndose peculiarísimas síntesis artísticas. La historia de arte medieval puede ser vista como la historia de la interacción entre elementos procedentes de todas esas fuentes culturales. Los historiadores de arte clasifican el arte medieval en períodos y movimientos: arte paleocristiano, arte prerrománico, románico, gótico (en Europa Occidental -la cristiandad latina-), arte bizantino (en el Imperio bizantino -la cristiandad oriental-) y arte islámico (en el mundo islámico), con influencias mutuas. Además, identifican estilos locales diferenciados, como el arte visigodo, el arte andalusí, el arte asturiano, el arte anglosajón, el arte carolingio o el arte vikingo; y estilos marcadamente sincréticos, como el arte hiberno-sajón, el arte árabe-normando, el arte mozárabe o el arte mudéjar.

El arte medieval se expresó en muy distintos medios a través de diferentes disciplinas artísticas, técnicas y géneros: arquitectura, escultura, orfebrería, manuscritos ilustrados (la miniatura y la caligrafía), frescos, pintura en tabla, mosaicos, y un largo etcétera, en el que se incluyen artes y oficios no incluidos habitualmente en las bellas artes, como la confección de la indumentaria medieval.

https://es.wikipedia.org/wiki/Arte_medieval

Arte Carolingio:

Después de la etapa del llamado arte bárbaro (siglos VI, VII y parte del VIII) surgió un proceso cultural realmente importante, el llamado Renacimiento Carolingio.

El Renacimiento Carolingio fue un intento deliberado de reclamar la herencia romana. Se trató de la renovación del Antiguo Imperio Romano con un doble propósito: extender la fe cristiana y difundir al máximo la cultura.

El Renacimiento Carolingio estuvo directamente promocionado por el emperador Carlomagno, que potenció la cultura con el fin de reafirmar su poder político, muy débil frente al de los grandes señores del Imperio.

Para ello, Carlomagno convirtió Aquisgrán en uno de los mayores centros culturales del imperio, apoyándose siempre en hombres de iglesia de magnífica preparación intelectual, como el anglosajón Alcuino de York.

El mundo carolingio va a tener raíz latina. Se inspiró más en la cultura romana que en la bizantina. Ante esa necesidad de preparar intelectualmente a clérigos, monjes y personal administrativo, la cultura sale de los monasterios para acceder y constituir centros intelectuales en catedrales e incluso en el palacio real de Aquisgrán. De esta manera, se crearon escuelas monacales, escuelas catedralicias o episcopales y una gran escuela palatina.

El mayor esfuerzo de este proceso cultural se centró en la producción de libros. Las bibliotecas se enriquecieron con numerosas copias de libros que procedían de Irlanda, Italia y España.

No sólo se copiaron libros de los grandes padres de la iglesia, sino también de la antigüedad clásica como Cicerón, Plinio, Tito Livio, etc.

Paralelamente, se creó una caligrafía de letras pequeñas, redondeadas y separadas entre sí, que facilitaba enormemente la copia, la difusión y la lectura de estos libros. Es la llamada letra carolingia.

Durante el reinado de Carlomagno también se reguló la enseñanza y se llegó a determinar dos grados diferentes: elemental y superior. La enseñanza elemental se impartía en las escuelas parroquiales y consistía fundamentalmente en aprender a leer. La superior o artes liberales, se impartía en las grandes escuelas (monacales, catedralicias y palatina) y se dividía en 2 grandes ramas: la de la lógica que compendiaba la gramática, retórica y dialéctica, y la rama de la física con aritmética, geometría, música y astronomía.

En el plano religioso, Carlomagno asumió un doble papel político y religioso, lo que le llevó a convertirse en una especie de César y Papa similar al sistema cesaropapista de Justiniano. De esta manera, también los grandes clérigos de la época se convierten en oficiales de la administración (ministros del estado).

El arte carolingio, al seguir la tradición romana, recupera la concepción figurativa mediterránea inscrita en su aspecto tridimensional. El arte se convierte en un medio de propaganda y, por tanto, su finalidad será fundamentalmente didáctica.

La Ciudad Palatina de Aquisgrán

Carlomagno rompió con la tradición anterior de que las cortes fueran itinerantes, construyendo una gran ciudad palatina en Aquisgrán similar a la ciudad palatina de Constantinopla pero totalmente inusual en el marco político europeo. De la ciudad palatina de Aquisgrán sólo quedan restos arqueológicos, pero son suficientes como para darnos una idea de cómo era.

Esta ciudad estaba inscrita en un rectángulo.

Al norte presentaba un aula palatina. Ésta tenía una planta rectangular y terminaba en una gran exedra que, sin duda, sería el lugar donde se encontraba el trono, por lo que era un aula regia donde el emperador haría una serie de actos con la corte. También tenía dos exedras en los muros laterales a cada lado, con un valor meramente ornamental.

También había un pórtico o galería porticada, probablemente cubierto con madera, que unía el aula palatina con la capilla palatina, recorriendo toda la ciudad en su eje norte-sur. Este pórtico estaba presidido por una gran puerta de carácter triunfal que recuerda mucho a los arcos del triunfo romanos. Esto indica que probablemente todos los edificios que constituían el ámbito privado del emperador se encontrarían hacia el este, mientras que al oeste estarían los edificios palatinos más ligados a la administración del imperio. Entre estas construcciones se encontraba, aunque no se sabe dónde, la escuela palatina.

En el sur de la ciudad se encontraba la capilla palatina a la que el Papa otorgó incluso la consideración de catedral y se la dedicó a la Virgen. Tenía al oeste un gran atrio porticado al que se accedía a través del pórtico. Era un atrio muy monumental (se sabe que cabían hasta 7000 personas en él) y era donde el emperador celebraba justicia. El hecho de que esté junto a la capilla simboliza que Carlomagno hace justicia en nombre de Dios. Precisamente con el fin de administrar justicia, se construye un pórtico avanzado que presentaba dos pisos. Como la capilla era de planta poligonal también con dos pisos (piso bajo y tribuna), el piso bajo del pórtico se comunicaba con el de la capilla, en tanto que el piso alto del pórtico se comunicaba con la tribuna del deambulatorio.

En este piso alto del pórtico, mirando hacia el atrio, había un trono, en donde se sentaba el emperador para ejecutar las prácticas de justicia y, por tanto, se comunicaba directamente con el deambulatorio de la capilla que disponía de otro trono donde, ya mirando al este, se sentaba el emperador para asistir a los oficios litúrgicos. El acceso a la tribuna del pórtico se hacía mediante unas escaleras de caracol que había a ambos lados. Esto significa que el emperador accedía del exterior, probablemente por unos pasillos que llevarían a su palacio, que tenía que estar muy cercano.

También había dos capillas laterales que aparecían en los lados norte y sur de la capilla, que han desaparecido y cuya función exacta se desconoce, pero se especula con una posible gran afición de Carlomagno por las reliquias, que se guardarían en estas capillas.

http://www.arteguias.com/artecarolingio.htm

Arte gótico es la denominación historiográfica del estilo artístico que se desarrolló en Europa occidental durante los últimos siglos de la Edad Media, desde mediados del siglo XII hasta la implantación del Renacimiento (siglo XV para Italia), y bien entrado el siglo XVI en los lugares donde el Gótico pervivió más tiempo. Se trata de un amplio período artístico, que surge en el norte de Francia y se expande por todo Occidente. Según los países y las regiones se desarrolla en momentos cronológicos diversos, ofreciendo en su amplio desarrollo diferenciaciones profundas: más puro en Francia (siendo bien distinto el de París y el de Provenza), más horizontal y cercano a la tradición clásica en Italia (aunque al norte se acoge uno de los ejemplos más paradigmáticos, como la catedral de Milán), con peculiaridades locales en Flandes, Alemania, Inglaterra y España.1

https://es.wikipedia.org/wiki/Arte_g%C3%B3tico

7. La perspectiva, palabra proveniente del latín perspectiva 1 , es el arte de dibujar para recrear la profundidad y la posición relativa de los objetos comunes. En un dibujo, la perspectiva simula la profundidad y los efectos de reducción.Perspectiva del Campidoglio, en Roma. Miguel Ángel diseñó la composición de esta pequeña plaza; dispuso los edificios laterales confluyendo hacia el fondo para reforzar la sensación de profundidad.Es también la ilusión visual que percibe el observador que le ayuda a determinar la profundidad y situación de los objetos a distintas distancias. Por analogía, también se llama perspectiva al conjunto de circunstancias que rodean al observador, y que influyen en su percepción o en su juicio.

https://es.wikipedia.org/wiki/Perspectiva

8.Entre los elementos básicos para dibujos de perspectiva que debes conocer están los siguientes:La línea de horizonte

Puntos de fuga

Plano del cuadro

Punto de vista

A continuación te voy a explicar en que consiste cada uno de estos elementos para dibujos de perspectivas, que te serán de gran ayuda antes de pintar con oleo

Línea de horizonte: Esta es una línea imaginaria que se encuentra situada justo a la altura de los ojos del observador. Un ejemplo sencillo seria si estuviéramos mirando el mar, seria la línea que une el cielo con el mar. Sobre la línea de horizonte también se sitúan los puntos de fuga. Esto lo veremos mas adelante.

El la imagen de abajo la línea azul es la línea de horizonte, y usted es el la persona de azul (el observador). Como puede ver la línea de horizonte se encuentra a la altura de los ojos del observador.

Puntos de fuga: como mencionamos anteriormente, los puntos de fuga se encuentran situados en la línea de horizonte. Podemos tener uno o dos puntos de fuga. Esto va a depender del punto de vista del observador. En algunos casos podemos tener hasta tres puntos de fuga.

Fundamentalmente la importancia de los puntos de fuga en los dibujos de perspectiva, es que sobre estos puntos convergen todas las líneas de nuestro dibujo. Esta es una de las claves de los dibujos de perspectiva.

Si tenemos bien situados nuestros puntos de fuga, tendremos una perspectiva más realista y proporcionada.

En la imagen de abajo podemos observar como todas las líneas de nuestro dibujo se encuentran en los puntos de fuga.

Plano del cuadro: Este es el área que define los limites de nuestro dibujo. Es decir, como si fuera una especie de marco en donde encuadramos nuestro dibujo. Por lo general, los puntos de fuga quedan por fuera de nuestro plano de encuadre.

Punto de vista: Es el punto desde donde estamos mirando lo que vamos a dibujar. El punto de vista debe situarse a una distancia adecuada, desde donde podemos observar claramente nuestro objetivo. Es decir, a una distancia suficientemente alejada para abarcar todo nuestro objetivo, pero a la vez lo suficientemente cerca para captar detalles.

http://pintarconoleo.com/dibujos-de-perspectiva/

9. PUNTOS DE FUGA :Un punto de fuga, en un sistema de proyección cónica, es el lugar geométrico en el cual las proyecciones de las rectas paralelas a una dirección dada en el espacio, no paralelas al plano de proyección, convergen. Es un punto impropio, situado en el infinito. Existen tantos puntos de fuga como direcciones en el espacio. Un punto de fuga correspondiente a una dirección dada en el espacio queda definido mediante la intersección entre el plano de proyección y un rayo con dicha dirección trazado desde el origen (o punto de vista).

Un ejemplo intuitivo de punto de fuga es el lugar donde "veríamos confluir" los dos rieles de una vía rectilínea de tren dispuesta sobre un terreno plano infinito.

Puntos de fuga definidos[editar]

En una proyección dada, se pueden determinar de uno a tres puntos de fuga para representar las tres direcciones ortogonales correspondientes a los tres ejes espaciales XYZ, según se mantengan paralelas al plano de proyección o se intersequen con él. Estos tres ejes se pueden imaginar como las aristas de un ortoedro o un cubo.

En función de las direcciones de los ejes ortogonales respecto al plano de proyección, las perspectivas se denominan:

Perspectiva frontal: Con un solo punto de fuga sobre el dibujo. Ocurre cuando una de las caras del cubo es paralela al plano de proyección, por tanto dos ejes del espacio son paralelos al plano de proyección. Las proyecciones de las rectas en esas direcciones se verán realmente paralelas en el dibujo.

Perspectiva oblicua: Con dos puntos de fuga. Ocurre cuando el cubo está parcialmente ladeado, y solo un eje espacial es paralelo al plano de proyección. Las rectas con esa dirección se proyectan realmente paralelas en el dibujo.

Perspectiva aérea: Con tres puntos de fuga. Ocurre cuando el cubo está parcialmente ladeado y volcado. Ninguna dirección ortogonal es paralela al plano de proyección.

En el sistema de proyección cónica, las proyecciones de las rectas horizontales convergen siempre en la línea del horizonte; y solamente las proyecciones de las rectas paralelas al plano del cuadro no poseen un punto de fuga definido, pues también se proyectan realmente paralelas en el dibujo.

Un punto de fuga central.

Vista frontal.

Dos puntos de fuga.

Vista oblicua.

Tres puntos de fuga.

Vista aérea.

https://es.wikipedia.org/wiki/Punto_de_fuga