EL TEATRO

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Etapa Exploratoria:

1. ¿Para usted qué es teatro?

2. ¿Cuál es la importancia del teatro?

3. ¿Que es escenario?

4. ¿Qué elementos cree usted que son indispensables para hacer teatro?

5. ¿Qué es un mimo?

6. Desarrollar este test sobre conceptos básicos:

https://es.educaplay.com/es/recursoseducativos/24494/el_teatro.htm

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Desarrollo:

1. El Teatro es un arte, en cual se presentan todo tipo de dramatizados de interés ante un público. En este intervienen escenarios, personajes, utileria, entre otros.

2. El teatro es importante ya que permite a la sociedad, ver de manera divertida o seria situaciones sociales que afectan de alguna manera al publico. Ademas que es un medio de entretenimiento informativo.

3. Un escenario es el lugar ligado a la historia, en que ocurren los hechos.

4. Para hacer teatro se necesita de personajes, un guion, escenario, director, utileria, etc.

5. Un mimo es artista de teatro que sin hablar, expresa situaciones cotidiana en forma divertida. Siempre esta a blanco y negro.

6. Imágen

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CONSULTA

1. Defina teatro

2. Historia y origen del teatro

3. Características del teatro

4. Elementos del teatro

5. Tipos de teatro

6. ¿Qué es teatro o cine mudo?

7. Técnicas de actuación

8. ¿Qué es un mimo? y origen del mimo.

9. Características del mimo

10. ¿Qué es un clown y su técnica?

11. Diferencia entre clown y payaso

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EL TEATRO

El Teatro es la rama de las artes escénicas relacionada con la actuación, que representa historias actuadas frente a los espectadores o frente a una cámara usando una combinación de discurso, gestos, escenografía, música, sonido y espectáculo.

También se entiende por teatro al género literario que comprende las obras de teatro representadas ante un público o bien para ser grabadas y reproducidas en cine ante un público, así como a la edificación donde se presentan tradicionalmente dichas obras o grabaciones.

El teatro es el espacio de contemplación, su nombre es de origen griego (Theatron), de acuerdo a esto el teatro es una de las artes escénicas más reconocida mundialmente, consiste en puesta en escena totalmente en vivo frente a miles de espectadores, debido a que comentan de forma progresiva un relato al teatro lo conjugan diferentes elementos, los actores, la música, el sonido, la escenografía, y sobre todo la gestualidad a la hora de interpretar cualquier emoción. El nombre de teatro no solo se otorga a las piezas dramáticas que se presentan al público, también se describe como teatro a la instalación o edificio en donde se produce dichas puestas en escenas.

http://conceptodefinicion.de/teatro/

https://es.wikipedia.org/wiki/Teatro

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HISTORIA DEL TEATRO

Hace miles de años, en Mesopotamia y en África, existían poblados y tribus que tenían un gran sentido de la mímica, los sonidos y el ritmo. Contaban con gran facilidad para imitar a los animales y contar grandes historias sobre sus cacerías.

En las noches, alrededor de un fuego, se explicaban increíbles historias que poco a poco fueron acompañadas de cierta música con tambores, disfraces y canciones. También sucedía algo similar con celebraciones y ritos religiosos. Se convirtieron en verdaderos espectáculos.

El teatro nació en Atenas, Grecia, entre los siglos V y VI Antes de Cristo. Los atenienses celebraban los ritos en honor a Dionisio, dios del vino y de la vegetación. Estas primitivas ceremonias rituales acaban evolucionando hacia el teatro, constituyendo uno de los principales logros culturales de los griegos. Cada una de las ciudades y colonias contó con un teatro.

El primer teatro construido fue dedicado a Dionisio. Se dividía en tres partes la orquesta, el lugar para los espectadores y la escena. Los primeros teatros griegos constaban de dos formas: un espacio circular donde se alzaba la estatua de Dionisio y el hemiciclo para los espectadores. Se accedía a través de dos callejones. Las gradas tenían forma de semicírculo.

Los romanos adoptaron la forma y la disposición de los teatros griegos pero construyeron gradas en los lugares donde no existían colinas.

TEATRO ROMANO:

El teatro romano no se desarrolló hasta el siglo III Antes de Cristo. Al principio se asociaba con festivales religiosos, pero la naturaleza espiritual se perdió pronto. Al incrementarse el número de festivales, el teatro se convirtió en un entretenimiento. No es de extrañar que la forma más popular fuera la comedia. El periodo de creación dramática romano empezó en el siglo II Antes de Cristo, y estuvo dominado por las comedias de Plauto y Terencio, que eran adaptaciones de la comedia nueva griega. Las obras se basaban en una intriga de carácter local.

TEATRO NEOCLÁSICO:

El teatro del renacimiento tomó una forma nueva con visos de clasicismo. Esta fórmula es conocida como neoclasicismo.

Las primeras muestras de teatro renacentista en Italia datan del siglo XV. Las primeras obras son en latín, pero acaban escribiéndose en lengua vernácula y estaban basadas en modelos clásicos. Este teatro no fue una evolución de las formas religiosas. Se trataba de un proceso académico. Eran obras pensadas para ser leídas, aunque fuera por varios lectores y en público, y con fines didácticos.

TEATRO ROMÁNTICO:

El romanticismo apareció en Alemania, un país con poca tradición teatral antes del siglo XVIII. Alrededor de 1820, el romanticismo dominaba el teatro en la mayor parte de Europa.

El teatro romántico español buscó la inspiración en los temas medievales y presenta a un héroe individual dominado por las pasiones. Se recuperan las formas y estructuras del teatro del Siglo de Oro. La voz engolada y el verso rotundo triunfan en el teatro romántico español. Su gran figura es José Zorrilla, el autor de Don Juan Tenorio.

TEATRO DEL SIGLO XX:

Desde el renacimiento en adelante, el teatro parece haberse esforzado en pos de un realismo total, o al menos en la ilusión de la realidad. Una vez alcanzado ese objetivo a finales del siglo XIX, una reacción antirrealista en diversos niveles irrumpió en el mundo de la escena.

En el siglo XX el teatro toma un impulso renovador. Las ideas naturalistas, simbólicas, realistas, impresionistas y neorrománticas, han sumado su influencia a la del cine.

TEATRO CONTEMPORÁNEO:

El teatro realista continuó vivo en el ámbito comercial, sobre todo en Estados Unidos. El objetivo parecía ser el realismo psicológico, y se emplearon para este fin recursos dramáticos y escénicos no realistas. Existen obras basadas en la memoria, secuencias sobre sueños, personajes puramente simbólicos, proyecciones y otros recursos similares. Incorporan diálogos poéticos y un fondo sonoro cuidadosamente orquestado para suavizar el realismo crudo. La escenografía era más sugerente que realista.

http://www.curiosfera.com/teatro/

http://www.islabahia.com/arenaycal/2010/173_julio_agosto/miguel_a_fernandez173.asp

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CARACTERÍSTICAS DEL TEATRO

1.- Género artístico en el cual una historia o hecho, trágico, cómico e incluso dramático, es representado por actores y actrices, frente a un público.

2.- En medio de la representación puede hacer uso de recursos como luces, sonidos e incluso vídeo (en las últimas épocas) a fin de generar atmósferas que ayuden a la representación que se lleva a cabo.

3.- Igualmente, otra de las características fundamentales del Teatro es el uso de vestuario por parte de los actores, a fin de representar distintos personajes. No obstante, en la actualidad la mayoría de representaciones teatrales no implementan el uso de máscaras.

4.- También el teatro actual hace uso de escenografías y utilería, a fin de ayudar a representar más realistamente la atmósfera o ambiente en el cual se desarrolla la obra interpretada por los actores. No obstante, también se encuentra el Teatro minimalista en el cual se prescinde de la máxima cantidad de elementos escenográficos y de utilería, haciendo que el actor trabaje sólo con un o máximo dos elementos.

5.- A diferencia del Teatro hecho en sus orígenes, el actual se representa en recintos cerrados, los cuales cuentan con un escenario, parrilla de luces, telón, tramoya y unas gradas llenas de butacas, dispuestas para el público. No obstante, el Teatro de Calle sigue siendo un subgénero teatral de bastante vitalidad, habiendo grupos y compañía cuyo fuerte es precisamente el teatro de calle.

6.- Otra de las diferencias con el teatro antiguo, que viene además a darle características al Teatro actual es que aunque el fin último sigue siendo generar sensaciones en el público, este último ya no interviene en las funciones, sino que es mero espectador de lo que sucede en el escenario, aun cuando esto lo conmueva o lo inquiete, gracias al pacto ficcional que establece el público con los actores.

7.- Así mismo, las obras de Teatro se caracterizan por seguir o regirse por un guión, en el cual se encuentran escritas los textos que cada actor debe representar al momento de interpretar su personaje.

8.- En cuanto a las obras de Teatro, a pesar de que existen algunas basadas totalmente en la improvisación, el proceso teatral se caracteriza por tomar varios meses de preparación, a fin de que los actores y actrices vayan memorizando los textos y aprendiendo por completo la obra.

9.- De igual manera, el proceso teatral se caracteriza por ser regido por un Director, el cual es quien decide las intenciones con que los actores deben expresar determinados movimientos o textos, así como la estética que tendrá la obra, los efectos con los que contará, en fin, es el Director de Teatro el que dibuja en el escenario la obra que finalmente verá el público.

https://educacion.elpensante.com/caracteristicas-generales-del-teatro/

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ELEMENTOS DEL TEATRO

Los elementos propios del texto teatral tienen que ver con su naturaleza de obra literaria escrita. En este sentido hablamos de:

Las acotaciones o indicaciones que el autor ofrece al director o a los actores sobre la manera de representar la obra.

Los diálogos y monólogos de los personajes, que representan una parte fundamental en la construcción de la trama. Recuerda que las obras teatrales carecen de voz narrativa; los acontecimientos se van engarzando a partir de los parlamentos de los propios personajes.

Los apartes o pensamientos que un personaje dice en voz alta para que el público lo escuche, pero no el resto de personajes.

Los elementos propios del teatro como espectáculo tienen que ver con la representación.

Las iluminación.

La caracterización, que incluye vestuario, maquillaje, peinado…

La actuación de los actores: los gestos, la voz, la manera de andar, la forma de dirigirse a los otros personajes…

El sonido y la música.

El atrezo y la utilería que componen la escenografía.

http://lenguayliteratura.org/proyectoaula/el-teatro-definicion-y-elementos/

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TIPOS DE TEATRO

Teatro cómico: El teatro cómico es un género en el que los personajes se enfrentan a situaciones en las que se suele hacer escarnio de las debilidades, defectos, o situaciones cómicas en las que se encuentra el personaje.

Teatro trágico: El teatro trágico es aquel en el que los personajes se enfrentan a situaciones tales como destinos inefables, que por lo común son destinos funestos o desfavorables, en las que los personajes se enfrentan a los designios de dioses y gobernantes.

Teatro infantil: Se entiende por teatro infantil, tanto a las obras escritas y representadas que se encuentran enfocadas hacia un público infantil.

Teatro al aire libre: Son representaciones que se realizan en escenarios improvisados o en lugares al aire libre (calles, plazas, etc.), es decir, fuera de los edificios especializados para esta función (teatros). Son representaciones de historias comúnmente pícaras, que se realizan mediante títeres que personifican a los personajes.

Teatro pedagógico: Se entiende por teatro pedagógico, a las diversas obras de teatro, que están enfocadas a la educación, pueden ser de índole educativa en cuanto a ser herramientas escolares

Teatro mímico: Es aquel en donde se dan a conocer diversas emociones mediante acciones y gesticulaciones realizadas con el propio cuerpo, los diálogos que pudieran existir en otro tipo de obra teatral, son sustituidos mediante gestos y movimientos corporales.

El teatro romano: Comenzó de la misma manera que el griego, a partir de representaciones religiosas, transformándose con el tiempo.

Teatro medieval: El teatro medieval se caracterizó por una fuerte influencia del cristianismo, decayeron en general todo tipo de obras seculares.

El teatro en la edad moderna: Teatro en la edad moderna (siglo XV finales del siglo XVIII aproximadamente), es en este lapso cuando se realizan cambios tendientes a la reglamentación teatral, recomienza la inclinación hacia las obras de tendencia humanos-seculares.

http://10tipos.com/tipos-de-teatro/

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EL CINE MUDO

El cine mudo es aquel cine en el que no hay sonido sincronizado (especialmente diálogos) y consiste únicamente en imágenes. La era del cine mudo duró desde 1894 hasta 1929.

La idea de combinar las imágenes con sonido grabado es casi tan antigua como la cinematografía en sí, pero hasta finales de los años 1920, la mayoría de las películas eran silentes. Este período anterior a la introducción del sonido se conoce como la "era muda" o el "período silente". Después del estreno de El cantante de jazz (1927), las películas sonoras fueron cada vez más habituales y, diez años después, el cine mudo prácticamente había desaparecido. La era del cine silente, a menudo, es referida como "La edad de la pantalla de plata".

El cine nació oficialmente en 1895, con la proyección de Obreros saliendo de una fábrica, de los hermanos Lumière, en el salón Indien, de París. Los Lumière consideraron su invento como algo meramente científico.

Edison, en Estados Unidos, ya había patentado el kinetoscopio, y no tardó en desarrollar cámaras y artificios. La misma visión mercantil tenía Georges Méliès, director del teatro Houdini en París, que vio en el cine la oportunidad de llevar por las ferias y barracas su espectáculo y multiplicar ganancias.

LA EPOCA MUDA:

Surgen multitud de cinematografías nacionales, aunque la mayoría de ellas desaparecerán. Se construyen los primeros cines, se desarrollan los seriales y largometrajes y se comienza a usar la luz artificial en los rodajes.

La I Guerra Mundial supone un gran golpe al cine europeo, mientras el americano se desarrolla sin trabas. Aparece Hollywood, el cine se convierte en una gran industria y surge el fenómeno del star system.

Con el final de la guerra, el cine europeo planta cara al poderío americano, defendiendo el cine como arte, frente al simple producto de consumo. Hay que destacar el expresionismo alemán y en la Rusia revolucionaria a Eisenstein y Pudovkin. Mientras, en América, se desarrollan las grandes superproducciones y despega la animación de la mano de Walt Disney.

Con el advenimiento del cine sonoro en 1929, todo cambió.

https://es.wikipedia.org/wiki/Cine_mudo

http://www.hiru.eus/cine/el-cine-mudo

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TECNICAS DE ACTUACION

Actuación clásica es un término abstracto para una filosofía de interpretación que integra la expresión corporal, la voz, la imaginación, la presencia, la improvisación, los estímulos externos y el análisis del guión. Está basado en las teorías y sistemas de selección de directores y actores clásicos como Konstantín Stanislavski y Michel Santo-Denis.

El Sistema Stanislavski, también conocido como método Stanislavski, consiste en que el actor se pone en la piel del personaje para dar un retrato más real de éste.

La técnica de Chekhov es una aproximación psicofísica en la que la transformación, el trabajo con impulso, la imaginación y los gestos internos y externos son lo más importante. Michael Chekhov era un estudiante de Stanislavski.

El Método es normalmente atribuido a Lee Strasberg o miembros de su Grupo de Teatro, por ejemplo Sanford Meisner, Robert Lewis y Stella Adler. Trata con cualquiera de la familia de las técnicas utilizadas por los actores para interiorizar los pensamientos y emociones de sus personajes.

La técnica Meisner está estrechamente relacionada con el Método. Requiere que el actor se centre totalmente en el otro actor como si él o ella fuese real y sólo existiese en aquel momento. Es un método que hace a los actores parecer más auténticos en escena para la audiencia. Está basado en el principio de que la actuación encuentra su expresión en la respuesta de las personas a otras personas y circunstancias.

La estética práctica es una técnica ingeniada por el dramaturgo David Mamet como contrapunto al dominio del Método en el teatro, cine y televisión americano. Algunas características claves del método incluyen un método particular de análisis del guión, adaptabilidad, y los ejercicios de repetición similares a los de la técnica Meisner.

Neurostethic acting es una técnica desarrollada por el director y actor británico Alexander Matthews. Diferente a la mayoría de métodos, Neurostethic basa la técnica no en la emoción sino en la ciencia de la actuación y el control de partes diferentes del cerebro, dejando el actor que entregue un rendimiento subconsciente e instintivo.

Walsh vocal acting estuvo desarrollado por el actor Michael Walsh. Consta de un actor canalizando la voz y las tendencias vocales del personaje que está interpretando y utilizar esa voz para construir una personalidad.

https://es.wikipedia.org/wiki/Anexo:T%C3%A9cnicas_de_actuaci%C3%B3n

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EL MIMO Y SU HISTORIA

La palabra griega "mimo" signifca imitacion de la realidad; el mimo imita la vida que ve, al principio era una forma hablada y cantada, ademas de corporal.

Suelen emplearse una seria de palabras asociadas:

Mimica: Conjunto de gestos corrientes y otros ligados a la expresión artística.

La obra representada puede también puede denominarse Mimo, y otras veces como Mimodrama, y aveces como Pantomima.

Es el arte de expresarse mediante el gesto y el movimiento, prescindiendo de la palabra o lenguaje verbal. El mimo utiliza todos los elementos del cuerpo para expresar la información, pero sin emitir una sola palabra.

Es alguien que utiliza la mímica como medio teatral o como una acción artística, con la participación de la mímica, o la representación de una historia a través de los movimientos del cuerpo, sin uso del discurso. En épocas anteriores, en inglés, un mimo como normalmente se le conoce, era conocido como un mummer. La mímica se distingue de la comedia muda, en la que el artista es un personaje transparente en la película o dibujo animado.

HISTORIA:

La actuación temprana del mimo se originó en la Antigua Grecia; el nombre se tomó de un único bailarín enmascarado llamado Pantomimus, aunque las actuaciones no eran necesariamente en silencio. En la Europa Medieval, las formas tempranas de mimos tales como las obras de teatro de los máscaras de Rumania y luego la pantomima evolucionaron. A principios del siglo XIX en París, Jean-Gaspard Deburau consolidó los muchos atributos que hemos llegado a conocer en los tiempos modernos, la figura silenciosa en cara blanca.

En Grecia y Roma, el mimo gozaba de gran importancia, porque en los grandes teatros antiguos, al aire libre, el público podía ver el espectáculo pero era imposible que todos escucharan el parlamento de los actores. En este sentido, el mimo era un farsante del género cómico, un bufón hábil en gesticular y en imitar a otras personas, que facilitaba la interpretación de su papel valiéndose de los gestos.

En Roma lo llamaban �pantomimus� y era un actor que empleaba palabras y también movimientos selectos con máscaras, para representar al personaje, acompañado de música y las canciones del coro. A través del tiempo, el mimo romano degeneró en un lenguaje y unas acciones groseras, hasta el punto de que fue prohibido por la Iglesia en el siglo V, por burlarse de los sacramentos.

En Asia, el mimo era ya una forma de recreación mucho antes de que se convirtiera en una forma teatral en el mundo occidental.

En la India, muchos siglos antes del nuestro se representaban la danza y el retrato de personajes, acompañados de música y canciones. El mimo Bharata Natya, uno de los dramas de danza clásica hindú, surgió a partir de esta forma dramática. En caso similar, en China y Japón, el mimo también desempeñó un papel fundamental dentro de los géneros dramáticos más importantes.

EL MIMO EN LA COMEDIA DELL�ARTE

En la Commedia dell�arte, forma de representación cómica improvisada que nació en la Italia del siglo XVI y se extendió por Europa, el mimo era considerado un elemento capital, como una manera de exagerar los rasgos de ciertos personajes. En el Arlequinado, durante los siglos XVII y XVIII, en Francia e Inglaterra, el mimo era una forma desarrollada a partir de la Commedia dell�arte, en la cual se presentaban las aventuras de Arlequín, de Colombina, su amante, y su padre, Pantaleón.

En Londres, el Arlequinado era representado después de una escena en la que varios actores jugaban con la mímica y bailaban representando historias de la mitología clásica o cuentos de hadas, y culminaban con la transformación del personaje principal en Arlequín.

Posterior al siglo XIX, las representaciones se limitaron a la época de Navidad. Paulatinamente, el mimo fue extendiéndose y sustituyó al Arlequinado, principalmente a principios del siglo XIX, como consecuencia del desarrollo que experimentó el mimo de manos del actor Joseph Grimaldi, destacado en acrobacias e inventor de trucos y maquinaria escénica, que posteriormente le sirvieron para crear el personaje del payaso Joey.

El mimo se transformó en un espectáculo de trabajo escénico elaborado y de vestuario, surgido de cuentos de hadas, que incluían canciones, danzas, diálogos, acrobacias y otros elementos de revista inglesa. Era común ver que una actriz joven interpretara el papel del héroe, o chico principal, y que un actor cómico interpretara el papel burlesco de la dama de la pantomima.

En el siglo XIX adquirió el rango de gran arte, gracias al actor francés Jean Gaspard Deburau, que refinó los rasgos de un personaje de la Commedia dell�arte y creó a partir de él a Pierrot, el payaso herido de amor.

En el siglo XX, Étienne Decroux y Marcel Marceau, ambos actores franceses, fueron mimos excepcionales con la creación del payaso Bip. Los actores de cine mudo de principios de siglo, en especial Charlie Chaplin y Buster Keaton, basaron su trabajo por entero en las técnicas de mimo para transmitir sus historias.

Actualmente, el mimo es un arte puramente mudo, donde el significado de los papeles se trasmite solamente a través del gesto, el movimiento y la expresión corporal.

http://e-ducativa.catedu.es/44700165/aula/archivos/repositorio/1000/1139/html/1_qu_es_el_mimo.html

http://www.abc.com.py/articulos/el-mimo-853383.html

https://es.wikipedia.org/wiki/Mimo

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CARACTERISTÍCAS DEL MIMO

Un mimo, por el simple hecho de recurrir a este tipo de arte teatral, debe tener consigo, como obligación, estas características:

El mimo corporal dramático quiere representar lo invisible; emociones, tendencias, dudas, pensamientos.

Mimo corporal permite al actor adquirir un estado mayor de autonomía, multiplicando sus posibilidades físicas e imaginativas a través del estudio de una técnica.

Tiene una comunicación por medio de gestos, expresiones, o ademanes.

Sus movimientos corporales son lentos y corresponden a un principio teatral llamado arte del Silencio.

Tiene la función dramática del autor, a la creatividad, a la poesía, que implica la belleza de una expresión artística.

Casi siempre se visten de blanco y negro, como representativo a los antiguos filmes, donde el color aun no llegaba.

https://www.clubensayos.com/M%C3%BAsica-y-Cine/Mimos-Caracteristicas/372227.html

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CLOWN

El clown intenta parecerse a los demás, trata de “ser normal” pues cree que así lo aceptarán y lo amarán, lo cual es una de sus principales motivaciones de por sí el clown es tímido y callado, se despierta en escena: el clown quiere ser amado por el público, quiere que sean sus amigos. Habrás oído en más de una ocasión la frase “todos tenemos un payaso dentro”. Obviamente es una metafora, pero si que es verdad que el payaso de cada uno es distinto, tiene sus peculiaridades que lo hacen único y por eso podemos decir que “tenemos un payaso dentro”.

Llámalo payaso propio, payaso interior, estado clown, o dimensión clown, son diferentes formas de decir lo mismo. La cuestión es abrir la puerta al ingenuo, inocente, ridículo y estúpido personaje que todos somos, soltar lo aprendido en nuestro camino hacia la adultez, desprendernos de las murallas que hemos edificado para protegernos, derrumbar las máscaras que nos hemos ido poniendo con los años y dejar aflorar la locura interna, recuperando en parte algunas de las pautas esenciales de cuando fuimos niños.

TÉCNICA:

El clown es una de tantas técnicas que tiene el teatro, es el método de actuar del payaso trasladado al universo del actor. El artista que hace clown crea su propia rutina y su propio personaje sin tener que seguir tradicionalmente a un director. En teatro esta sistema consiste en contactarse con el público rompiendo la cuarta pared, la que separa al actor del espectador. Un actor clown se diferencia de otro que no lo es por el estado físico: entrena, trabaja mucho con el cuerpo, realiza caídas, acrobacia y además tiene una conexión con el espectador a partir de la mirada, aunque no hable está comunicándose con él.

http://quierohablardeeso.blogspot.com.co/2007/03/la-tcnica-clown.html

https://10conceptos.com/concepto-de-clown-claun/

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CLOWN Y PAYASO

El clown suele ser asociado con el payaso de circo, pero en realidad es mucho más que eso. Es un artista que se desnuda ante el público y deja al descubierto su ser más profundo. El Clown tiene como tecnica generalmente apelar al humor y conviertir al artista en un ser más permeable, para decir cosas que de otra manera permanecen ocultas en general.

La técnica de clown proviene de la escuela francesa de Jaques Lecoq, fundada en 1956, y está basada en la observación de la dinámica de la vida.

El clown es un hombre-actor que se sumerge en su propia intimidad y, a partir de allí, ayuda a que aparezcan sus aspectos mas ridículos o aquellos no tan aceptables, socialmente hablando. Mientras toma valor y pierde el miedo comienza a reconocerlos y así, en ese estado, se muestra al público, sin utilizar la voz ni la cuarta pared.

La risa es el alimento del clown. Pero también hay otras acciones que lo acompañan y palabras que lo definen: libertad, sinceridad, espontaneidad, juego, improvisación, creatividad, vulnerabilidad, inocencia, complicidad, humor, comunicación. Si todo esto está presente, aparece el clown.

El clown se diferencia del payaso en su vestuario y maquillaje, entre otros elementos, pero la mayor distinción técnica radica en que el payaso trabaja sobre arquetipos del ridículo universal, como por ejemplo, el tropezón, mientras que el clown trabaja y compone a partir de sus propios temores, sueños y obsesiones.

http://www.lagaceta.com.ar/nota/182650/espectaculos/clown-mucho-mas-payaso.html

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EL TEATRO

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LA MÍMICA

La mímica es una de las formas más antiguas de teatro. Los mimos actúan una serie de historias utilizando sólo su cuerpo, sin hablar.

A lo largo de la historia del Teatro, los representadores de la mímica, de este arte mágico y creativo, se han ido caracterizando por su innovación constante y actuación impecable.

Existen circos y artistas de teatro célebres que han tenido éxito en adoptar y combinar varias disciplinas de la mímica y payasos para grandes efectos.

José Grimaldi, el padre del teatro la Pantomima Inglesa a finales de los años 1970's, utilizó mímica cómica y canciones de golpeteos para establecer su legado perdurable.