Introducción a la Historia del Arte - Teoría y Metodología 1

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Introducción a la Historia del Arte: Aspectos teóricos y

metodológicos.

INTRODUCCIÓN

El

Arte es una manifestación del

espíritu, existiendo una persona creadora

y los receptores del mensaje, que

pueden ser individuales o colectivos. El objeto de transmisión de

esa idea es la obra de arte.

Pirámides de Gizeh, 2500

a.c. Además de su técnica arquitectónica, sorprende por su capacidad para

transmitir la idea de poder.

Por lo tanto, la Historia del Arte es una de las disciplinas de las ciencias humanas y sociales que estudia la evolución de las obras artísticas a través del tiempo; dicho de otro modo, que la obra de arte es el testimonio de un tiempo y una sociedad, que ha llegado hasta el presente y de la que se pueden extraer enseñanzas.

La

obra de arte responde siempre a unos principios

estéticos que son comprensibles dentro del contexto cultural en el que

surge. La belleza puede radicar en el fin que al sirve la obra de arte.

Picasso, Señoritas de Avignon, 1907, Modern Art Museum, Nueva York. La belleza se encuentra no en la fidelidad al retratado, sino a las nuevas ideas sobre el arte.

Cada obra de arte se realiza empleando unos materiales que varían según el paso de los siglos, y responde a un gusto que se modifica también con el tiempo. A lo primero lo denominamos técnicas artísticas y a lo segundo, estilos artísticos.

Miguel Ángel, David, Accademia de Florencia, 1504, técnica de talla en mármol, estilo renacentista.

Las

cinco Bellas Artes tradicionales son

la Arquitectura, Escultura, Pintura,

Música y Poesía. A ella se han sumado en las últimas décadas las Artes Audiovisuales (cinematografía,

fotografía). Todas ellas se han manifestado a lo largo de la historia y por

ello constituyen el objeto de la Historia del Arte.

Tour Eiffel, París, 1889.

La

filología será también una ciencia

complementaria a la historia del arte, puesto que las imágenes artísticas, en

muchas ocasiones, refuerzan las ideas expuestas por medio de recursos escritos,

desde textos históricos a científicos, ensayos, narrativa, etc.

Trés Belles Heures del duque de Berry, Hermanos Limbourg, c. 1410, unión de escritura y artes visuales.

Una

de las principales funciones del arte es la transmisión de ideas o

sentimientos, de tal manera que el objeto artístico es testigo de un tiempo

histórico, de una filosofía o el mejor ejemplo de un acontecimiento.

Eugène Delacroix. La libertad guiando al pueblo, óleo sobre lienzo, 1830, Museo del Louvre. Resume el sentimiento revolucionario de 1830.

Pero

el arte también pude transmitir altos ideales, eternos y constantes, sin

necesidad de referirse a un momento especial. En este caso, el artista aplica

la técnica que considera más adecuada y asume el estilo de su tiempo.

Auguste Rodin. El pensador, escultura en bronce, 1880, Musée Rodin, París

Desde

comienzos del siglo XX se impone una

nueva visión del arte, donde la obra es resultado de la experiencia personal

y anímica del artista, de la necesidad de experimentar con nuevas técnicas

y materiales. El éxito social de la obra depende del grado de empatía que

despierte la obra en sí, no por su significado.

Jackson Pollok. Sin título. Década 1950. Expresionismo abstracto.

La materia también

forma parte de la obra de arte; es decir, que el uso de un material es buscado

intencionadamente para provocar una reacción en el público.

Miguel Ángel. Sepulcro de Lorenzo de Médici, hacia 1524. Iglesia de San Lorenzo, Florencia. La morbidez del mármol permite suavizar la carnosidad de los personajes.

La técnica son

los recursos de los que se vale el arquitecto o el pintor, escultor, etc, para

realizar la obra de arte, es decir, como la hace de forma práctica. En la

arquitectura, la forma de acoplar los elementos sustentantes (pilares,

columnas) y los sustentados (bóvedas, techumbres de madera) permitirá que los

edificios se mantengan en pie.

Las

formas artísticas son las reglas que los artistas suelen tener en mente

antes de iniciar un trabajo concreto, es decir, cómo se debe trabajar, qué materiales

emplear y qué objetivo se busca; por

ejemplo, la suavidad en el

tallado en mármol de las esculturas, la gestualidad serena,

etc, son características de las formas clásicas.

Consecuencia

de lo anterior es la formación de estilos, es decir, las reglas más o

menos comunes que se repiten en todas las artes a lo largo de un periodo. Por

ello, y generalizando, se suele hablar de un periodo preclásico, clásico, de reiteración o manierista y barroco. También

puede presentarse una fase arcaizante

(reiteración de modelos superados) y recurrente

(utilización de formas del pasado pero con nuevos materiales o técnicas).

- El

estilo manierista, formado hacia 1525, parte de presupuestos clásicos,

pero introduce como novedad la libertad creativa y la personalidad y cultura

del propio artista como elemento determinante en la concepción de la obra.

- El

estilo clásico (así como el preclásico) se generó en la antigua Grecia y

ha sido recurrente en toda la historia del arte. Sus formas artísticas son

suaves, proporcionadas y buscan la exaltación de los ideales sublimes.

- El

estilo barroco es mucho más dinámico, destinado a la exaltación de los

sentidos, alude a lo patético, a lo emocional más que al intelecto o a lo

ético.

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